6 Ważnych Południowoazjatyckich Artystek Abstrakcyjnych

Kolejna wystawa muzealna, której losy pokrzyżowała pandemia COVID-19, to Fault Lines: Współczesna abstrakcja artystek z Azji Południowej, która została otwarta w Muzeum Sztuki w Filadelfii na początku wiosny, tuż przed zamknięciem miasta. Wystawa skupia się na pracach sześciu kobiet-artystek abstrakcjonistek z Azji Południowej: Tanyi Goel, Sheeli Gowda, Priyi Ravish Mehry, Prabhavathi Meppayil, Nasreen Mohamedi oraz Zariny. Kuracja jest wielopokoleniowa i łączy szerokie spektrum estetycznych stanowisk, ukazując jedynie niewielką próbkę różnorodności, jaka istnieje we współczesnej abstrakcji Azji Południowej. Jak sugeruje tytuł wystawy, każdy z eksponatów wykorzystuje formalny element linii. Jednak równie ważne jest słowo „fault” (uskok, pęknięcie). Kuratorka Amanda Sroka wyraźnie postanowiła skupić się na artystkach i dziełach wykraczających poza formalistyczne zagadnienia, wchodząc w obszar szerszego komentarza kulturowego. Wciąż na nowo na wystawie materialność łączy się z sensem, gdy artystki rozrywają nasze różne uszkodzenia, by zbadać graniczne, przemieniające się, zmienne strefy, w których rozgrywają się najpilniejsze problemy społeczne, dostarczając poetyckiego komentarza na tematy takie jak role płciowe, zmiany klimatu, migracje ludzkie, konflikty polityczne, tożsamość osobista i nietolerancja religijna. IdeelArt oferuje bliższe spojrzenie na praktyki każdej z sześciu artystek prezentowanych na tej wystawie, która zostanie ponownie otwarta 6 września.

Zarina Hashmi (ur. 1937, Aligarh, zm. 2020, Londyn)

IdeelArt po raz pierwszy przedstawiło tę niezwykłą artystkę, która wolała być nazywana po prostu Zarina, gdy zmarła w maju tego roku. Głęboko dotknięta podziałem Indii w dzieciństwie, Zarina poświęciła swoją pracownię badaniu, co oznacza wyrażanie osobistych doświadczeń przez sztukę. Jej kompozycje przywołują język abstrakcji geometrycznej, jednocześnie włączając wizualne odniesienia do zmieniających się wspomnień o domu, który nigdy nie był stały, takie jak mapy, domy i ręcznie pisane listy. Sama będąc migracją przez całe życie, prace prezentowane na Fault Lines to jej już ikoniczna seria drzeworytów „These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich after Ghalib)” (2003), która redukuje lotnicze mapy miejsc dotkniętych wojną, gdzie granice są płynne, do minimalistycznych, liniowych, czarno-białych kompozycji.

 

Zarina Hashmi - 9 prac: These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich after Ghalib), 2003. Zestaw dziewięciu drzeworytów z tekstem w języku urdu drukowanym na czarno na papierze Okawara i oprawionym na papierze Somerset. Rozmiar arkusza: 40,6 x 35,5 cm. Wszystkie egzemplarze 5/20. © Zarina Hashmi

 

Nasreen Mohamedi (ur. 1937, Karachi, zm. 1990, Vadodara)

Współczesna kilku członkom Grupy Postępowych Artystów Bombaju — luźnej koalicji artystów z połowy XX wieku, którzy dążyli do połączenia dominujących stylów Indii z kulturą współczesnego Zachodu — Nasreen Mohamedi inspirowała się duchowością Wassilego Kandinsky’ego i Kazimira Malewicza. Rozwinęła charakterystyczny język wizualny, który pozwalał jej wyrażać interakcje z czasem, przestrzenią i światem przyrody w subtelnych, geometrycznych abstrakcyjnych kompozycjach. Choć często złożone i wielowarstwowe, jej rysunki oparte na linii cechuje kontemplacyjna cisza.

 

Nasreen Mohamedi - Bez tytułu, 1975. Tusz i gwasz na papierze. 48,3 x 61 cm. Metropolitan Museum of Art.

 

Sheela Gowda (ur. 1957, Bhadravati)

Proces fizycznego tworzenia swoich dzieł jest dla Sheeli Gowda niezbędny. Buduje swoje rzeźby i instalacje z codziennych materiałów, których kobiety w Indiach używają w swoich rzemiosłach i pracach. Jako pigment lubi używać proszku kumkuma, który służy do barwienia czoła podczas duchowych ceremonii w Indiach i może odnosić się do siedmiu ludzkich wirów energii zwanych czakrami. Gowda ma na wystawie Fault Lines dwie prace: jedną wykonaną z puszek po oleju, przypominającą prostokątny, prowizoryczny dom; oraz drugą, która używa cegieł z krowiego łajna i pigmentu do stworzenia zakrzywionej, minimalistycznej linii na podłodze. Choć jej prace często zawierają elementy narracyjne i wyraźnie odnoszą się do współczesnych problemów feministycznych, Gowda uważa, że znaczenie tkwi w ich materialnej rzeczywistości i postrzega swoje dzieła jako otwarte i abstrakcyjne.

 

Sheela Gowda - Bez tytułu, 1997, widok instalacji. 10 elementów: nić, pigment, igły. Wymiary różne (ok. 305 x 762 cm) +91 Foundation (kolekcja Shumity i Araniego Bose), Nowy Jork. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Sztuki w Filadelfii.

 

Priya Ravish Mehra (1961 - 2018, New Delhi)

Dzięki specjalizacji w tkaninie tekstylnej Priya Ravish Mehra rozwinęła praktykę multidyscyplinarną, która poetycko wyjaśnia przecięcie sztuki pięknej, rzemiosła i codziennego życia. Jej delikatne, tkane prace z papieru posiadają intensywne, lecz subtelne piękno i strukturę. Mehra była znana jako ekspertka w mało znanej sztuce Rafoogari, czyli osób, które cerują lub konserwują uszkodzoną odzież i inne tkaniny. Miała korzenie w tej tradycji i postrzegała rafoogarów jako uzdrowicieli tkanin. Wyjaśniała, że jej prace Rafoogari, które stosowały te same tradycyjne metody do tworzenia złożonych, warstwowych, przestrzennych, abstrakcyjnych kompozycji, można interpretować jako próby leczenia „zardzewiałej tkaniny życia”. Praca prezentowana na Fault Lines łączy rzemiosła papiernictwa i tkania, łącząc język geometrycznych i biomorficznych linii i kształtów jako ikoniczny przykład jej totemicznej, minimalistycznej wizji.

 

Priya Ravish Mehra - Bez tytułu 5, 2016. Fragment tkaniny jutowej z miazgą Daphne. 62,2 x 45,7 cm. © Priya Ravish Mehra

 

Prabhavathi Meppayil (ur. 1965, Najibabad)

Z korzeniami w jubilerstwie i obróbce metalu oraz pracownią otoczoną złotnikami, metale są kluczowe dla twórczości Prabhavathi Meppayil. Jednak jej użycie tego materiału niewiele ma wspólnego z ozdobą czy użytecznością. Interesuje ją sposób, w jaki metal współistnieje z jej rzeźbiarskimi podporami, które zwykle są białe lub w innym stonowanym monochromie. Tworzy minimalistyczne, siatkowe kompozycje z różnych elementów metalowych, które przyjmują formę pewnego rodzaju pisma na pustym tle. Praca Meppayil stworzona na Fault Lines składa się z rzędu szesnastu kwadratowych paneli pomalowanych białym gesso. W powierzchniach paneli zatopione są miedziane druty. Gesso częściowo zasłania druty, przekształcając dzieło w rodzaj palimpsestu, czyli manuskryptu w trakcie wymazywania. Abstrakcyjne cechy pracy kontrastują z dosłownym znaczeniem, że artystka wymazuje i przepisuje historię swojego medium.

 

Prabhavathi Meppayil - se/hundred and six, 2018. Panel gesso z tłoczonym thinnam. 80,96 x 94,3 x 2,86 cm. Esther Schipper © Andrea Rossetti

 

Tanya Goel (ur. 1985, New Delhi)

Tanya Goel wytwarza własne pigmenty z materiałów, które zbiera na placach rozbiórki architektonicznej w New Delhi. Kolorowe, złożone, warstwowe, geometryczne wzory, które tworzy z tych pigmentów, zawierają swego rodzaju materialną mapę przemian współczesnych Indii. Jej kompozycje można też po prostu interpretować jako wizualizację matematycznych wzorów, które Goel konstruuje, a następnie swobodnie łamie, balansując między porządkiem a wolnością. Na potrzeby Fault Lines Goel stworzyła instalację site-specific, wykorzystującą minimalistyczną, liniową kompozycję wykonaną z naturalnej cegły zmieszanej z pigmentem proszku indygo, nałożoną na ścianę za pomocą sznura kreślarskiego używanego przez robotników budowlanych, aby zobrazować zmiany poziomu morza.

 

Tanya Goel - notacja w x, y, z, 2015. Grafit, pigment i olej na płótnie. 213,3 x 274,3 cm. © Tanya Goel

 

Fault Lines: Współczesna abstrakcja artystek z Azji Południowej będzie prezentowana w Muzeum Sztuki w Filadelfii do 25 października 2020 roku.

 

Zdjęcie główne: Tanya Goel - Mechanisms 3, 2019. Barwiony jedwabny papier, ołówki grafitowe, kredki i akryl na płótnie. 243 x 198 cm. © Tanya Goel
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio