6 Ważnych Południowoazjatyckich Artystek Abstrakcyjnych

Kolejna wystawa muzealna, która została odsunięta na bok przez pandemię COVID-19, to "Fault Lines: Contemporary Abstraction by Artists from South Asia", która otworzyła się w Philadelphia Museum of Art na początku wiosny, tuż przed tym, jak miasto weszło w lockdown. Wystawa koncentruje się na pracach sześciu południowoazjatyckich artystek abstrakcyjnych: Tanyi Goel, Sheeli Gowda, Priyi Ravish Mehra, Prabhavathi Meppyail, Nasreen Mohamedi i Zariny. Kuracja jest wielopokoleniowa i łączy szeroki zakres pozycji estetycznych, podkreślając tylko mały wycinek różnorodności, która istnieje w ramach współczesnej abstrakcji południowoazjatyckiej. Jak sugeruje tytuł wystawy, każdy utwór w jakiś sposób wykorzystuje formalny element linii. Jednak równie ważne jest słowo „fault” (błąd). Kuratorka Amanda Sroka wyraźnie podjęła decyzję, aby skupić się na artystkach i pracach, które wykraczają poza formalistyczne zmartwienia, wkraczając w sferę szerszego komentarza kulturowego. Wystawa wielokrotnie łączy materialność z znaczeniem, gdy te artystki rozkładają na czynniki pierwsze nasze różne wady, aby zbadać liminalne, transformacyjne, zmieniające się strefy, w których rozgrywają się nasze najpilniejsze problemy społeczne, dostarczając poetyckiego komentarza na temat takich kwestii jak role płci, zmiany klimatyczne, migracja ludzka, konflikty polityczne, tożsamość osobista i nietolerancja religijna. IdeelArt oferuje bliższe spojrzenie na praktyki każdej z sześciu artystek zaprezentowanych na tej wystawie, która ponownie otworzy się 6 września.

Zarina Hashmi (ur. 1937, Aligarh, zm. 2020, Londyn)

IdeelArt po raz pierwszy przedstawił tę niezwykłą artystkę, która wolała być nazywana Zariną, gdy zmarła w maju tego roku. Głęboko dotknięta podziałem Indii w dzieciństwie, Zarina poświęciła swoją praktykę artystyczną badaniu, co oznacza wyrażanie swoich osobistych doświadczeń poprzez sztukę. Jej kompozycje przywołują język abstrakcji geometrycznej, jednocześnie włączając wizualne odniesienia do jej zmieniających się wspomnień o domu, który nigdy nie był stały w jednym miejscu, takich jak mapy, domy i ręcznie pisane listy. Sama będąc całe życie migrantką, prace, które znalazły się w Fault Lines, to jej teraz ikoniczna seria drzeworytów, „Te miasta wtopione w dzicz (Adrienne Rich po Ghalibie)” (2003), która redukuje lotnicze mapy zniszczonych wojen miejsc, gdzie granice są płynne, do minimalnych, liniowych, czarno-białych kompozycji.

Zarina Hashmi - 9 dzieł: Te miasta wtopione w dzicz (Adrienne Rich po Ghalibie), 2003. Portfolio dziewięciu drzeworytów z tekstem w języku urdu drukowanym na czarno na papierze Okawara i zamontowanym na papierze Somerset. Rozmiar arkusza: 16 x 14 cali (40,6 x 35,5 cm). Cała edycja 5/20. © Zarina Hashmi

Nasreen Mohamedi (ur. 1937, Karachi, zm. 1990, Vadodara)

Współczesna kilku członków Grupy Postępowych Artystów z Bombaju—luźnej koalicji artystów z połowy XX wieku, którzy byli zaangażowani w łączenie panujących stylów Indii z współczesną kulturą zachodnią—Nasreen Mohamedi była inspirowana duchowością Wassily'ego Kandinsky'ego i Kazimira Malevicha. Opracowała charakterystyczny język wizualny, który pozwolił jej destylować interakcje z czasem, przestrzenią i światem naturalnym w subtelne kompozycje geometryczne abstrakcji. Choć często złożone i warstwowe, jej rysunki oparte na liniach posiadają kontemplacyjną ciszę.

Nasreen Mohamedi - Bez tytułu, 1975. Tusz i gwasz na papierze. 19 x 24 cale (48,3 x 61 cm). Muzeum Sztuki Metropolitalnej.

Sheela Gowda (ur. 1957, Bhadravati)

Proces fizycznego tworzenia swoich dzieł sztuki jest dla Sheeli Gowdy niezbędny. Buduje swoje rzeźby i instalacje z codziennych materiałów, które kobiety w Indiach wykorzystują w swoich rzemiosłach i pracach. Do pigmentu lubi używać proszku kumkuma, który służy do barwienia czoła podczas ceremonii duchowych w Indiach i może odnosić się do siedmiu ludzkich wirów energetycznych znanych jako czakry. Gowda ma dwa dzieła w wystawie Fault Lines: jedno wykonane z puszek po oleju, które przypomina prostokątny, slumsowy dom; a drugie, które wykorzystuje cegły z obornika i pigment do stworzenia zakrzywionej, minimalistycznej linii na podłodze. Choć jej prace często zawierają elementy narracyjne i wyraźnie odnoszą się do współczesnych problemów feministycznych, Gowda wierzy, że znaczenie jest zakorzenione w ich materialnych rzeczywistościach i uważa swoje prace za otwarte i abstrakcyjne.

Sheela Gowda - Bez tytułu, 1997, widok instalacji. 10 elementów: nić, pigment, igły. Wymiary różne (około 120 x 300 cali) +91 Foundation (Kolekcja Shumity i Arani Bose), Nowy Jork. Zdjęcie dzięki uprzejmości Muzeum Sztuki w Filadelfii.

Priya Ravish Mehra (1961 - 2018, Nowe Delhi)

Dzięki swojej specjalizacji w tkactwie tekstylnym, Priya Ravish Mehra rozwinęła multidyscyplinarną praktykę, która poetycko wyjaśnia skrzyżowanie sztuki pięknej, rzemiosła i codziennego życia. Jej delikatne prace z tkanego papieru posiadają intensywną, ale delikatną urodę i strukturę. Mehra była uznawana za ekspertkę w mało zrozumiałej pracy Rafoogari, osób, które cerują lub konserwują uszkodzone ubrania i inne tekstylia. Miała korzenie w tej tradycji i postrzegała rafoogarów jako uzdrowicieli tkanin. Wyjaśniła, że jej prace Rafoogari, które wykorzystywały te same tradycyjne metody do tworzenia złożonych, warstwowych, wymiarowych, abstrakcyjnych kompozycji, można interpretować jako jej próby uzdrowienia "skorodowanej tkaniny życia". Praca zaprezentowana w Fault Lines łączy rzemiosła wytwarzania papieru i tkactwa, łącząc język geometrycznych i biomorficznych linii oraz kształtów jako ikoniczny przykład jej totemicznej, minimalistycznej wizji.

Priya Ravish Mehra - Bez tytułu 5, 2016. Fragment tkaniny jutowej z pulpy daphne. 62,2 x 45,7 cm. © Priya Ravish Mehra

Prabhavathi Meppayil (ur. 1965, Najibabad)

Z korzeniami w jubilerstwie i obróbce metali, a studio otoczonym złotnikami, metale mają kluczowe znaczenie w pracy Prabhavathi Meppayil. Jednak jej użycie tego medium ma niewiele wspólnego z ozdobami czy użytecznością. Interesuje ją, w jaki sposób metal współistnieje z jej rzeźbiarskimi podporami, które zazwyczaj są białe lub w innym stonowanym monochromie. Tworzy minimalne, siatkowe kompozycje z różnymi elementami metalowymi, które przyjmują formę pisma na pustym tle. Praca Meppayil stworzona dla Fault Lines składa się z rzędu szesnastu kwadratowych paneli pomalowanych białym gesso. W powierzchniach paneli osadzone są miedziane druty. Gesso częściowo zasłania druty, przekształcając pracę w rodzaj palimpsestu, czyli rękopisu, który jest w trakcie usuwania. Abstrakcyjne cechy pracy kontrastują z dosłownym sensem, że ta artystka wymazuje i przepisuje historię swojego medium.

Prabhavathi Meppayil - se/stu sześć, 2018. Panel gesso z odciskiem thinnam. 31 9/10 x 37 1/10 x 1 1/10 in (80.96 x 94.3 x 2.86 cm). Esther Schipper © Andrea Rossetti

Tanya Goel (ur. 1985, Nowe Delhi)

Tanya Goel tworzy własne pigmenty z materiałów, które zbiera z miejsc rozbiórek architektonicznych w Nowym Delhi. Kolorowe, złożone, warstwowe, geometryczne wzory, które tworzy z tych pigmentów, są osadzone w pewnego rodzaju materialnej mapie transformacji współczesnych Indii. Jej kompozycje można również interpretować jako wizualizację formuł matematycznych, które Goel konstruuje, a następnie swobodnie narusza, oscylując między porządkiem a wolnością. Dla Fault Lines Goel stworzyła instalację specyficzną dla miejsca, która wykorzystuje minimalną, liniową kompozycję wykonaną z naturalnej cegły zmieszanej z pigmentem w proszku indygo, nałożoną na ścianę za pomocą linii snap, używanej przez robotników budowlanych, aby zobrazować zmiany poziomu morza.

Tanya Goel - notacja w x, y, z, 2015. Grafit, pigment i olej na płótnie. 213,3 x 274,3 cm (84 x 108 cali). © Tanya Goel

"Linie Złamania: Współczesna Abstrakcja Artystów z Azji Południowej" będzie wystawiana w Muzeum Sztuki w Filadelfii do 25 października 2020 roku.

Obraz wyróżniony: Tanya Goel - Mechanisms 3, 2019. Barwiony jedwab papierowy, ołówki grafitowe, kredki kolorowe i akryl na płótnie. 243 x 198 cm (96 x 78"). © Tanya Goel
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio