Wywiad z Jeremym Annearem

Jeremy Annear (ur. 1949) jest wysoce cenionym i odnoszącym sukcesy artystą abstrakcyjnym mieszkającym w Kornwalii w Anglii. Jego prace znajdują się w zbiorach Ionian Trust oraz The Royal Holloway Collection, między innymi, a on sam wystawiał międzynarodowo w Kanadzie, Ameryce, Niemczech, Francji i Holandii; wszystkie te miejsca wywarły unikalny wpływ na jego twórczość. Jego najnowsza wystawa w Lemon Street Gallery w Truro, wspólna z żoną, Judy Buxton, była dla artysty pewnego rodzaju powrotem do domu, gdyż krajobraz Kornwalii jest dla niego wielkim źródłem inspiracji i refleksji. Rozmawialiśmy z Jeremy o wystawie, jego karierze i spojrzeniu na abstrakcję.

Czy może nam Pan opowiedzieć o niedawnej wystawie „Twofold: in Art and Life” w Lemon Street Gallery?

Galeria Lemon Street jest wiodącą galerią w Kornwalii i cieszy się bardzo dobrą reputacją w całym kraju. Znajduje się na trzech piętrach, a Judy, moja żona, miała mieć wystawę na całej galerii, ale gdy poczuła, że nie chce zajmować wszystkich trzech pięter, zostaliśmy namówieni przez Louise Jones, właścicielkę galerii, aby oboje wystawialiśmy swoje prace. Miałem solową wystawę w piwnicy galerii, która jest piękną, białą przestrzenią typu „white cube”, bardzo minimalistyczną, bardzo współczesną, co bardzo pasuje do mojej twórczości. Pokazałem około 30 prac.

To był pierwszy raz, gdy dzielił Pan wystawę z żoną, czy było jakieś powiązanie między waszymi pracami?

Nie, nasze prace są naprawdę bardzo różne i to chyba sekret naszej udanej współpracy malarskiej trwającej trzydzieści lat. Mam ogromny szacunek dla Judy jako ekspresyjnej malarki figuratywnej i uważam, że ma niesamowite oko. Ja pochodzę z zupełnie innego miejsca, z tradycji modernistycznej, z korzeniami sięgającymi malarstwa ikonowego, a potem włoskiego Quattrocento, więc przechodzę przez ten rodzaj obrazu do modernizmu XX wieku i takich artystów jak Picasso i Paul Klee. W pracach jest zupełnie inna wrażliwość.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Olej na płótnie. 80 x 100 cm.

Opisuje Pan zabawowe podejście do malarstwa: czy może Pan rozwinąć ten aspekt swojej pracy?

Myślę, że zabawa ma głębsze znaczenie niż powszechnie rozumiana – czyli, jeśli się bawisz, to nie robisz nic poważnego – ale uważam, że istnieje podejście, szczególnie w twórczości i myśleniu, gdzie zabawa jest lekkim podejściem i rozpoznaje się takie rzeczy jak ironia, metafora, a nawet elementy psot i figlarności, jak „błazen” w literaturze. Kiedy mówię o zabawie, mam na myśli właśnie to; to miejsce, gdzie uwalniasz się od pedantycznej powagi, ale jednocześnie ma to inną powagę, która jest niezwykle twórcza.

Czy może Pan opisać swoje doświadczenia pracy i wystawiania w innych krajach?

Zawsze miałem dobre relacje z wystawianiem prac w Niemczech i Szwajcarii. Mieszkałem przez rok w Worpswede w Niemczech. To absolutnie niesamowite miejsce, które oferuje wielu artystom, muzykom i pisarzom rezydencje – moja była bardzo hojnym stypendium DAAD – i było bardzo interesujące być w Niemczech, pracować tam i spotykać innych artystów, wielu z Europy Wschodniej, ale także wielu niemieckich artystów, i odczuwać ten nieco przytłaczający w Niemczech nacisk na bardzo staranne i jasne wykonanie. Krajobraz to odzwierciedla, ponieważ to odzyskane torfowiska północnych Niemiec. To dużo wrzosowisk, które są osuszonymi terenami wodnymi, więc chociaż nie byłem blisko morza, czułem się, jakbym siedział na morzu. To torfowisko, a czarne groble przecinają krajobraz, by go ujarzmić, tworząc uporządkowane, proste linie na wiele kilometrów, ale jednocześnie roślinność zaczyna przejmować kontrolę i część porządku jest zakłócana przez nieposkromione życie natury. To piękny krajobraz, ale zajęło mi dużo czasu, by się w niego wciągnąć, bo był niemal onieśmielający, tak surowy i sztywny. Gdy już się w niego wciągnąłem, naprawdę to polubiłem. Pracowałem też dużo w Australii, Hiszpanii i Francji, więc bardzo lubię pracować w cieple. Lubię kulturę, która często towarzyszy ciepłym miejscom: możliwość bycia trochę bardziej fizycznie wolnym w gorącym kraju, niż w wilgotnej, starej Kornwalii!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Olej na płótnie. 100 x 80 cm. 

Czy wszystkie te różne miejsca skierowały Pana twórczość w różne strony?

Dały mi zdolność szerszego spojrzenia na pracę. W Niemczech bardzo interesowałem się ideą kolażu, zarówno filozoficznie, jak i w tworzeniu kolażu, oraz ideą nakładania jednej koncepcji lub pomysłu na inny; warstwowym podejściem do pracy. W Australii zachwyciło mnie toksyczne poczucie krajobrazu, który rozpada się, ale odnawia, jakby był ciągle wystawiany na próbę przez ogień. We Francji, a szczególnie w Hiszpanii, uwielbiałem odważne podejście Hiszpanów – to gorący, piekielny kraj, Hiszpania, ma poczucie życia w niebezpiecznym miejscu pod względem polityki i lubię tę ostrość; lubię mrok, który tworzy się przez skrajne światło: poczucie światłocienia. Lubię czerwienie tworzone przez upał. Pewne rzeczy w różnych krajach naprawdę wpłynęły na sposób, w jaki pracuję.

Dlaczego wybrał Pan abstrakcję?

Prosta odpowiedź brzmi: to abstrakcja wybrała mnie. Duchowe, filozoficzne i wielkie pytania zawsze mnie przyciągały, nawet w moich formacyjnych latach. Zawsze istniały w sztuce i dotyczą dlaczego i jak: formy i koncepcji stojącej za narracją i figuracją.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Olej na płótnie. 60 x 40 cm.

Czy uważa Pan, że malarstwo abstrakcyjne przeżyło renesans w ostatnich latach?

Właściwie nie. Mam dość silne odczucia, szczególnie wobec brytyjskiego podejścia do abstrakcji, ponieważ uważam, że Brytyjczycy generalnie mają z nią trudności. Brytyjska wrażliwość polega na szukaniu narracji w rzeczach, mamy bardzo silną tradycję literacką i muzyczną, ale czuję, że tradycja sztuki nie była tak silna w kwestii abstrakcji. Miejsca takie jak Niemcy znacznie lepiej radzą sobie z abstrakcyjnymi koncepcjami i myśleniem. W świecie sztuki panuje tendencja, anegdotycznie mówiąc, do fotorealistycznego, nieskazitelnie wykończonego perfekcjonizmu w sztuce, który niekoniecznie jest abstrakcyjny, ale ma warstwy znaczeń, podejście postmodernistyczne: kolaż abstrakcji i figuracji. Uwielbiam czystą abstrakcję, chociaż nie zawsze byłem czystym abstrakcjonistą; prawdopodobnie przeszedłem etap upraszczania obiektów do tego, co teraz uważam za czystą abstrakcję.

Czy zdarza się Panu przerabiać lub wracać do wcześniejszych prac?

Wracałem do prac i pracowałem nad nimi ponownie. Nigdy nie pracuję nad jednym dziełem na raz; pracuję nad całym zbiorem prac. Mam wiele obrazów, nad którymi mogę pracować w pracowni. Uważam też, że moje życie jako malarza nie dotyczy pojedynczych obrazów, ale poszukiwania najistotniejszego wyrazu, jaki mogę stworzyć, jak najprościej i najoszczędniej. Moim idealnym obrazem byłaby całkowicie pusta przestrzeń, ale powierzchnia, która jednocześnie byłaby pociągająca, ale to jak doskonałość, której wiem, że nigdy nie osiągnę! Chyba naprawdę szukam istoty języka, którym mówię; malarstwo jest moim językiem i staram się znaleźć najlepszy sposób, by powiedzieć to, co chcę, jak najzwięźlej.

Czy była ostatnio jakaś wystawa, która szczególnie Pana poruszyła?

Niedawno widziałem wystawę Louise Bourgeois w Maladze w muzeum Picassa, która była absolutnie niesamowita i bardzo lubię jej twórczość. Również bardzo podobała mi się niedawna wizyta w muzeum Miró w Barcelonie. Braque zawsze uważałem za mojego malarskiego ojca, jest coś, co uważam za niezwykle pociągające w jego pracach. Patrząc na życie Braque’a, jego wzloty i upadki w malarstwie oraz na człowieka, którym był: uważam jego życie za fascynujące. Jestem miłośnikiem modernizmu we wszystkich jego przejawach: muzyce, architekturze i sztuce. I jestem wielkim miłośnikiem brutalizmu w architekturze oraz minimalizmu w muzyce.

Zdjęcie wyróżniające: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Olej na płótnie. 70 x 90 cm.