Wywiad z Jeremym Annearem

Jeremy Annear (ur. 1949) jest wysoko cenionym i odnoszącym sukcesy artystą abstrakcyjnym z siedzibą w Kornwalii, Anglia. Jego prace znajdują się w zbiorach Ionian Trust oraz The Royal Holloway Collection, między innymi, a on sam wystawiał międzynarodowo w Kanadzie, Ameryce, Niemczech, Francji i Holandii; wszystkie te miejsca miały swój unikalny wpływ na jego twórczość. Jego najnowsza wystawa w Lemon Street Gallery w Truro, wspólna wystawa z żoną, Judy Buxton, była dla artysty swoistym powrotem do domu, ponieważ krajobraz Kornwalii jest dla niego wielkim źródłem inspiracji i refleksji. Rozmawialiśmy z Jeremym o wystawie, jego karierze i jego spojrzeniu na Abstrakcję.

Czy możesz opowiedzieć nam o niedawnej wystawie "Twofold: in Art and Life" w Lemon Street Gallery?

Galeria Lemon Street to wiodąca galeria w Kornwalii, która ma bardzo dobrą reputację w kraju. Znajduje się na trzech piętrach, a Judy, moja żona, miała mieć wystawę w całej galerii, ale kiedy poczuła, że nie chce zajmować wszystkich trzech pięter, zostaliśmy przekonani przez Louise Jones, właścicielkę galerii, aby oboje wystawić swoje prace. Miałem wystawę solową w piwnicy galerii, która jest piękną białą przestrzenią w stylu cube, bardzo minimalistyczną, bardzo współczesną, doskonale pasującą do mojej twórczości. Miałem około 30 prac na wystawie.

To był pierwszy raz, kiedy dzieliłeś wystawę ze swoją żoną, czy było jakieś interakcje między waszymi pracami?

Nie, nasza praca jest naprawdę bardzo różna i prawdopodobnie to jest sekret naszego udanego malarskiego partnerstwa przez trzydzieści lat. Mam ogromny szacunek do Judy jako ekspresyjnej malarki figuratywnej i myślę, że ma niesamowite oko. Pochodzę z zupełnie innego miejsca, z tradycji modernistycznej, z korzeniami sięgającymi malarstwa ikonowego, a następnie włoskiego malarstwa quattrocento, więc przechodzę przez ten rodzaj obrazu do modernizmu XX wieku i ludzi takich jak Picasso i Paul Klee. Praca ma zupełnie inną wrażliwość.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Olej na płótnie. 80 x 100 cm.

Opisujesz zabawne podejście do malarstwa: czy możesz rozwinąć ten aspekt swojej praktyki?

Myślę, że istnieje głębsze znaczenie zabawy niż ogólnie rozumiane pojęcie zabawy – to znaczy, jeśli się bawisz, to nie robisz nic poważnego – ale myślę, że istnieje podejście, szczególnie w kontekście kreatywności i myślenia, w którym zabawa jest lekkim podejściem i dostrzegasz takie rzeczy jak ironia i metafora, a nawet aspekty psotności i żartobliwości, jak w przypadku ‘głupca’ w literaturze. Kiedy mówię o zabawie, mówię o niej w tym sensie; to miejsce, w którym uwalniasz się od pedantycznej powagi, ale ma to inny rodzaj powagi, który jest strasznie produktywny.

Czy możesz opisać swoje doświadczenia związane z pracą i wystawianiem w innych krajach?

Zawsze miałem dobre relacje z wystawianiem prac w Niemczech i Szwajcarii. Mieszkałem w Worpswede w Niemczech przez rok. To absolutnie niesamowite miejsce, które oferuje wiele rezydencji dla artystów, muzyków i pisarzy – moja była bardzo hojną stypendium DAAD – i było bardzo interesujące być w Niemczech, pracować tam i spotykać innych artystów, wielu z nich z Europy Wschodniej, ale także kilku niemieckich artystów, i czuć to nieco przytłaczające poczucie w Niemczech, że wszystko musi być bardzo dobrze wykonane i bardzo klarowne. Krajobraz to odzwierciedla, ponieważ są to odzyskane tereny torfowe północnych Niemiec. To dużo wrzosowisk, które są odzyskaną wodą, więc, chociaż nie byłem blisko morza, czułem się, jakbym siedział na morzu. To torfowisko, a czarne wały są wcięte w krajobraz, aby go okiełznać, tworząc dobrze uporządkowane proste linie na milach, ale jednocześnie roślinność zaczyna przejmować kontrolę, a część porządku jest zakłócana przez nieokiełznane życie naturalne. To piękny krajobraz, ale zajęło mi dużo czasu, aby się w niego wciągnąć, ponieważ wydawał mi się prawie onieśmielający, ponieważ był tak surowy i sztywny. Gdy już się w to wciągnąłem, naprawdę mi się to podobało. Pracowałem również intensywnie w Australii oraz w Hiszpanii i Francji, więc naprawdę lubię pracować w cieple. Lubię kulturę, która często towarzyszy ciepłym miejscom: możliwość bycia nieco bardziej fizycznie wolnym w gorącym kraju, a nie w wilgotnej, starej Kornwalii!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Czerwony Kwadrat) II, 2018. Olej na płótnie. 100 x 80 cm. 

Czy te wszystkie różne lokalizacje skierowały twoją pracę w różne strony?

Dali mi zdolność do szerszego postrzegania pracy. W Niemczech bardzo interesowała mnie idea kolażu, zarówno filozoficznie, jak i w tworzeniu kolażu, oraz idea nakładania jednego konceptu lub jednej idei na inną ideę; warstwowe podejście do pracy. W Australii byłem zachwycony toksycznym poczuciem krajobrazu, który się psuje, ale odnawia, jakby był nieustannie wystawiany na próbę przez ogień. We Francji, a szczególnie w Hiszpanii, uwielbiałem odważne poczucie, jakie mają Hiszpanie – to gorący, przeklęty kraj, Hiszpania, ma to poczucie życia w niebezpiecznym miejscu pod względem polityki i podoba mi się ta ostrość; podoba mi się ciemność, która powstaje z ekstremalnej jasności: poczucie chiaroscuro. Lubię czerwienie, które powstają z ciepła. Pewne rzeczy w różnych krajach naprawdę wpłynęły na sposób, w jaki pracuję.

Dlaczego wybrałeś Abstrakcję?

Prosta odpowiedź brzmi, że Abstrakcja wybrała mnie. Duchowe i filozoficzne oraz wielkie pytania zawsze mnie przyciągały, nawet w moich formacyjnych latach. Zawsze istniała w sztuce i dotyczy tego, dlaczego i jak: formy i koncepcji stojącej za narracją i figuracją.

Jeremy Annear - Muzyka morska., 2018. Olej na płótnie. 60 x 40 cm.

Czy uważasz, że malarstwo abstrakcyjne przeżywa renesans w ostatnich latach?

Nie, właściwie nie. Mam dość silne uczucia, szczególnie w odniesieniu do brytyjskiego podejścia do Abstrakcji, ponieważ uważam, że ogólnie rzecz biorąc, Brytyjczycy mają z Abstrakcją duże trudności. Myślę, że brytyjska wrażliwość polega na znajdowaniu narracji w rzeczach, więc mamy bardzo silną tradycję literacką i muzyczną w Wielkiej Brytanii, ale czuję, że tradycja sztuki nie była tak silna w kontekście Abstrakcji. Takie miejsce jak Niemcy jest znacznie lepiej w stanie radzić sobie z abstrakcyjnymi pojęciami i myśleniem. W świecie sztuki istnieje tendencja, mówiąc anegdotycznie, do fotorealizmu, nieskazitelnie wykończonej perfekcji w sztuce, która niekoniecznie jest abstrakcyjna, ale ma warstwy znaczenia, postmodernistyczne podejście: kolaż zarówno abstrakcji, jak i figury. Uwielbiam czystą abstrakcję, chociaż nie zawsze byłem czystym Abstrakcjonistą; prawdopodobnie przeszedłem przez etap abstrahowania obiektów do tego, co teraz uważam za miejsce czystej abstrakcji.

Czy kiedykolwiek przerabiasz jakieś utwory lub wracasz do wcześniejszych produkcji?

Wróciłem do pracy i znowu nad tym pracowałem. Nigdy nie pracuję nad jednym dziełem na raz; pracuję nad całym zbiorem prac. Mam kilka obrazów, nad którymi mogę pracować w pracowni. Myślę również, że moje życie jako malarza nie polega na pojedynczych obrazach, ale na poszukiwaniu najbardziej istotnego stwierdzenia, które mogę wyrazić, jak najprościej i jak najmniej. Mój idealny obraz byłby całkowicie pustą przestrzenią, ale powierzchnią, która jednocześnie byłaby intrygująca, ale to jak perfekcja, której wiem, że nigdy nie osiągnę! Przypuszczam, że naprawdę szukam istoty języka, którym się posługuję; malarstwo jest moim językiem i staram się znaleźć najlepszy sposób na wyrażenie tego, co chcę powiedzieć, jak najzwięźlej.

Czy była ostatnio wystawa, która szczególnie zapadła Ci w pamięć?

Ostatnio widziałem wystawę Louise Bourgeois w Maladze w muzeum Picassa, która była absolutnie niesamowita i naprawdę uwielbiam jej prace. Również cieszyłem się z niedawnej wizyty w muzeum Miró w Barcelonie. Braque, zawsze uważałem za mojego malarskiego ojca, w jego pracach jest coś, co uważam za strasznie fascynujące. Patrząc na życie Braque'a, jego wzloty i upadki w malarstwie oraz na człowieka, którym był: uważam jego życie za fascynujące. Jestem miłośnikiem modernizmu we wszystkich jego odsłonach, muzyki, architektury i sztuki. I jestem wielkim miłośnikiem brutalizmu w architekturze i minimalizmu w muzyce.

Obraz wyróżniony: Jeremy Annear - Czerwone Pole V, 2012. Olej na płótnie. 70 x 90 cm.