Jak obrazy Paula Klee zainspirowały amerykańskich artystów

Często mówi się, że ekspresjonizm abstrakcyjny był pierwszym czysto amerykańskim ruchem artystycznym. Rzekomo reprezentował on pierwszy raz, kiedy amerykańscy artyści, reprezentowani przez członków Nowojorskiej Szkoły, uwolnili się od europejskiego wpływu, aby ustanowić swój własny, unikalny głos estetyczny. Jednak długie spojrzenie na obrazy Paula Klee, namalowane w ciągu trzech dekad prowadzących do narodzin Nowojorskiej Szkoły, ujawnia, że być może ekspresjoniści abstrakcyjni nie byli tak wolni od wpływów Starego Świata, jak sugerują książki o historii sztuki. Po raz pierwszy Centrum Paula Klee w Bernie, Szwajcaria, podejmuje próbę poważnego badania niezliczonych sposobów, w jakie amerykańscy artyści powojenne byli inspirowani pracami Paula Klee. Aby rozpocząć to badanie, centrum niedawno otworzyło wystawę 10 Amerykanów po Paul Klee. Obok obrazów Klee znajdują się doskonałe przykłady prac Jacksona Pollocka, Marka Tobeya, Kennetha Nolana, Williama Baziotesa, Adolfa Gottlieba, Normana Lewisa, Roberta Motherwella, Gene'a Davisa, Teodorosa Stamosa i Bradleya Walkera Tomlina. To nie tylko bezprecedensowa okazja, aby zobaczyć prace niektórych z najbardziej wpływowych amerykańskich malarzy XX wieku, ale w słowach kuratorów Centrum Paula Klee, ta przełomowa wystawa również nosi.

„elokwentne i imponujące świadectwo tego, w jakim stopniu ci artyści byli inspirowani artystycznymi koncepcjami i praktykami Klee'a.”

Pionier Abstrakcyjnej Awangardy

Urodzony w Bernie w Szwajcarii w 1879 roku, Paul Klee wcale nie był naturalnym artystą. Zapisy z jego dziennika, który skrupulatnie prowadził od 1897 do 1918 roku, ujawniają, że uważał się za strasznego nieudacznika w rozumieniu koloru i był pewien, że od początku jest skazany na niepowodzenie jako artysta. Jednak w 1911 roku, po latach nauki i wielu fałszywych startach, jego nastawienie i fortuna całkowicie się zmieniły. To był rok, w którym poznał Wassily'ego Kandinsky'ego i został przyjęty jako członek awangardowej grupy Blue Rider. Klee był zainspirowany mentalną zwinnością i estetycznymi pomysłami Kandinsky'ego. I chociaż zachował nieco unikalne podejście estetyczne, Klee szybko stał się wpływowym współtwórcą filozoficznego rozwoju grupy.

Ale potem nadeszła I wojna światowa. Jak wielu jego kolegów artystów, Klee został przymusowo powołany do armii pruskiej. Choć Klee nigdy nie musiał walczyć na pierwszej linii frontu, wojna odebrała życie wielu jego przyjaciołom i dramatycznie zmieniła sposób, w jaki postrzegał sztukę. Klee jest cytowany jako mówiący: „Im bardziej okropny staje się ten świat, tym bardziej sztuka staje się abstrakcyjna.” Po wojnie stał się bardziej oddany niż kiedykolwiek abstrakcji jako sposobowi ujawniania tego, co jest uniwersalne i czyste. „Sztuka nie reprodukuje widocznego,” powiedział. „Ona czyni widocznym.” Z tym pionierskim podejściem w sercu swoich eksperymentów szybko zdobył szeroką reputację jako lider europejskiej awangardy po I wojnie światowej.

Paul Klee - Ogień przy Pełni Księżyca, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / VG Bild-Kunst, Bonn

Powrót do Berna

Oczywista pasja i geniusz, które Klee wykazywał, sprawiły, że był czczony wśród swoich rówieśników, a do lat 30. XX wieku ugruntował swoją pozycję jako wpływowy nauczyciel młodszego pokolenia. Pełnił funkcję cenionego profesora w Akademii w Düsseldorfie od 1931 do 1933 roku, a oczywiście był również jednym z wiodących wykładowców w słynnym Bauhausie. Jednak gdy Republika Weimarska dobiegła końca w 1933 roku, a Europa znów wydawała się na skraju wojny, Klee znalazł się na liście artystów, którzy byli celem nowo powstającej partii nazistowskiej. Uciekł z Niemiec i wrócił do Szwajcarii. W międzyczasie wielu jego dealerów sztuki uciekło do Stanów Zjednoczonych. Chociaż Klee sprzedał prawie żadnej pracy w Europie od 1933 roku aż do swojej śmierci w 1940 roku, jego dealerzy nadal sprzedawali wiele jego obrazów w USA. A przez całe lata 30. i 40. odbywało się wiele wystaw Klee'a w Stanach.

Wielu członków Nowojorskiej Szkoły otwarcie mówiło o inspiracji, jaką czerpali z obrazów Paula Klee. Podobnie jak Klee, ci artyści również niedawno wyszli z przerażającej wojny światowej i szukali nowych sposobów na wyrażenie niewyrażalnego. Choć być może nie kopiowali bezpośrednio jego stylu wizualnego, metody, które Klee stosował w swoich obrazach, zachęcały ich w poszukiwaniu bardziej ponadczasowego, pierwotnego i czystego sposobu tworzenia sztuki. Wśród wielu innowacji, za które Paul Klee jest uważany i które bezpośrednio wpłynęły na amerykański awangardę po II wojnie światowej, znajdują się automatyzm (rysowanie nieświadome, technika później przyjęta przez surrealistów), prymitywizm (powracanie do najwcześniejszych, najbardziej pierwotnych metod tworzenia sztuki, później przyjętych przez zwolenników Art Brut), oraz redukcjonizm (ograniczanie uniwersalnych symboli do ich najprostszej natury, czego Klee nauczył się od wczesnych artystów abstrakcyjnych takich jak Kandinsky i Malevich).

Paul Klee - Obraz Tiree du Boudoir, 1922, Kopia w oleju i akwareli na papierze na kartonie, 13 1/10 × 19 3/10 cali, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / VG Bild-Kunst, Bonn

Rysowanie automatyczne

Wystawa 10 Amerykanów po Paul Klee doskonale wybiera prace amerykańskich artystów, które ilustrują trzy koncepcje najczęściej kojarzone z Klee. W dziedzinie rysunku automatycznego zaprezentowane są prace Jacksona Pollocka, Bradleya Walkera Tomlina oraz Marka Tobeya. Kompozycja nr 16 (1948) Pollocka wyróżnia się swoją żywą paletą. Uderzenia gesturalnych białych linii przeplatają się z wybuchowymi plamami żółci i dramatycznymi wirami czerni, wszystko na tle głębokiego niebieskiego morza. Obraz doskonale reprezentuje metodę rysunku automatycznego, z którą pracował Klee, a którą Pollock słynnie wykorzystywał przy innowacji swoich ikonicznych obrazów „plamowych”. Numer 12 (1949) Tomlina demonstruje użycie rysunku automatycznego poprzez gesturalne oznaczenia, kaligraficzne, liniowe formy oraz szerokie, intuicyjne, czarne pociągnięcia pędzla. Po Imprincie (1961) Marka Tobeya to wybuchowa, wszechobecna kompozycja wypełniona od rogu do rogu intuicyjnymi oznaczeniami, ujawniającymi podświadomy niepokój, nerwową energię i liryczną ekspresję.

Mark Tobey - Po odcisku, 1961, Gouache na kartonie, 99,7 x 69,5 cm, Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, DC, Nabyty w 1962, © 2017, ProLitteris

Prymitywizm

Demonstrując prymitywizm, czyli powrót do starożytnego, pierwotnego tworzenia sztuki, w 10 Amerykanów po Paul Klee, znajdują się prace Roberta Motherwella, Theodorosa Stamosa i Williama Baziotesa. Abstrakcja na turkusie (1945) autorstwa Motherwella będzie absolutnym objawieniem dla fanów tego malarza, którzy nie znają jego wcześniejszych prac. Motherwell zyskał reputację dzięki swoim odważnym, czarnym, biomorficznym, melancholijnym gesturalnym abstrakcjom. Ten obraz jest żywo kolorowy i niemal kapryśny, ale jego prymitywne formy i tekstury są wyraźnymi wskaźnikami kierunku, w jakim podążał w swoich późniejszych pracach. Ohne Titel (1945) autorstwa Theodorosa Stamosa jest być może najbardziej figuralnym dziełem na wystawie. Prymitywna abstrakcja przypominająca krajobraz wyspy, praca ta przywołuje obrazy malowideł jaskiniowych. Pierrot (1947) autorstwa Williama Baziotesa, jak sugeruje jego tytuł, nawiązuje do klasycznej francuskiej postaci pantomimy o tej samej nazwie. Uproszczone, prymitywne formy w obrazach redukują postać do jej podstawowych elementów i przedstawiają ją w sposób wysoce uproszczony, a jednocześnie bardzo ekspresyjny.

Robert Motherwell - Abstrakcja na turkusie, 1945, olej, farba emaliowa, piasek i węgiel na tekturze malarskiej, 61 x 50 cm, Fundacja Dedalus, Inc., © Fundacja Dedalus, Inc. / 2017, ProLitteris

Reduktywizm

Demonstrując redukcjonizm, czyli redukcję istotnych, uniwersalnych symboli do ich najprostszych form, w 10 Amerykanów po Paul Klee znajdują się prace Adolpha Gottlieba, Kennetha Nolana, Gene'a Davisa i Normana Lewisa. Dwa obrazy Labirynt #1 (1950) i Wieszcz (1950) autorstwa Adolpha Gottlieba są pod wieloma względami bardzo bliskie wczesnej redukcyjnej pracy abstrakcyjnej Paula Klee. Pracując na tle siatki, prezentują zestaw abstrakcyjnych, uproszczonych form symbolicznych połączonych z elementami geometrycznymi i odniesieniami figuralnymi. Ich zniszczone powierzchnie i gesturalne podwarstwy tworzą złożoność i głębię, które przeczą prostocie wielu bardziej wyrazistych elementów kompozycji. W Ogrodzie (1952) autorstwa Kennetha Nolana prowadzi fascynującą rozmowę z pracami Gottlieba. Zawiera dramatyczne X prawie w samym centrum płótna, otoczone ukośnymi liniami, które być może odnoszą się do złamanej siatki lub może do prymitywnych oznaczeń instruktażowych. Choć uproszczone, napięcie kolorów w tym obrazie nadaje mu zaskakującą głębię i świetlistość.

"Rain Dance I (1960)" autorstwa Gene'a Davisa jest doskonałym przykładem kompozycji redukcyjnej. Trudno powiedzieć, że ten konkretny obraz był bezpośrednio inspirowany Paulem Klee. Jego czyste kolory i wysoce destylowane, liniowe, geometryczne obrazy umieszczają go daleko od wszystkich innych prac w tej wystawie. Ale z pewnością nawiązuje do wczesnych artystów abstrakcyjnych, takich jak Malevich, którzy inspirowali Klee, oraz artystów takich jak Mondrian, którzy również badali redukcyjne aspekty linii, prostokątów i czystych pól koloru. Wreszcie, "promenade (1950)" autorstwa Normana Lewisa wypełnia istotną lukę w wystawie. Włączając elementy redukcjonizmu, prymitywizmu i automatycznego rysunku, rozwiązuje kwestię ewolucji wpływu Paula Klee. W swojej złożoności, energii i ekscytacji, ta kompozycja wyróżnia się spośród innych jako coś czysto amerykańskiego i czysto ukierunkowanego na przyszłość. Bez wątpienia jest pod wpływem idei, które Klee pomógł rozwinąć, a jednocześnie reprezentuje następny krok poza tym, który wszyscy ci amerykańscy malarze starali się uczynić.

Wystawa '10 Amerykanów po Paul Klee' jest czynna do 7 stycznia 2018 roku w Centrum Paula Klee w Bernie, Szwajcaria.

Obraz wyróżniony: Kenneth Noland - W ogrodzie, 1952, olej na płycie pilśniowej, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Waszyngton, DC, nabyty w 1952, © 2017, Prolitteris