Jak obrazy Paula Klee zainspirowały amerykańskich artystów
Często mówi się, że ekspresjonizm abstrakcyjny był pierwszym w pełni amerykańskim ruchem artystycznym. Rzekomo stanowił on pierwszy raz, gdy amerykańscy artyści, reprezentowani przez członków Szkoły Nowojorskiej, uwolnili się od europejskich wpływów, by wypracować własny, niepowtarzalny głos estetyczny. Jednak długie przyjrzenie się obrazom Paula Klee, malowanym na przestrzeni trzech dekad poprzedzających powstanie Szkoły Nowojorskiej, ujawnia, że być może ekspresjoniści abstrakcyjni nie byli tak wolni od wpływów Starego Kontynentu, jak sugerują podręczniki historii sztuki. Po raz pierwszy Centrum Paula Klee w Bernie w Szwajcarii podejmuje próbę poważnej naukowej analizy licznych sposobów, w jakie amerykańscy artyści powojennego okresu byli inspirowani twórczością Paula Klee. Aby rozpocząć to badanie, centrum niedawno otworzyło wystawę 10 Amerykanów po Pawle Klee. Obok obrazów Klee prezentowane są znakomite przykłady dzieł Jacksona Pollocka, Marka Tobeya, Kennetha Noland, Williama Baziotesa, Adolpha Gottlieba, Normana Lewisa, Roberta Motherwella, Gene’a Davisa, Theodorosa Stamosa i Bradleya Walkera Tomlina. To nie tylko wyjątkowa okazja, by zobaczyć prace jednych z najbardziej wpływowych amerykańskich malarzy XX wieku, ale jak mówią kuratorzy Centrum Paula Klee, ta przełomowa wystawa stanowi także
„wymowne i imponujące świadectwo tego, jak bardzo ci artyści inspirowali się artystycznymi koncepcjami i praktykami Klee.”
Pionier abstrakcyjnej awangardy
Urodzony w Bernie w Szwajcarii w 1879 roku, Paul Klee wcale nie był artystą z natury. Zapisy z jego dziennika, który skrupulatnie prowadził od 1897 do 1918 roku, pokazują, że uważał się za fatalnego w rozumieniu koloru i już na wczesnym etapie był przekonany, że jako artysta jest skazany na niepowodzenie. Jednak do 1911 roku, po latach nauki i wielu nieudanych próbach, jego nastawienie i losy całkowicie się zmieniły. W tym roku poznał Wassily’ego Kandinsky’ego i został przyjęty do awangardowej Grupy Błękitnego Jeźdźca. Klee inspirował się bystrością umysłu i estetycznymi ideami Kandinsky’ego. Choć zachował nieco unikalne podejście estetyczne, szybko stał się wpływowym współtwórcą filozoficznego rozwoju grupy.
Nadeszła jednak I wojna światowa. Jak wielu jego kolegów artystów, Klee został przymusowo powołany do armii pruskiej. Choć nigdy nie musiał walczyć na froncie, wojna zabrała życie wielu jego przyjaciołom i dramatycznie zmieniła jego spojrzenie na sztukę. Klee mówił: „Im bardziej ten świat staje się okropny, tym bardziej sztuka staje się abstrakcyjna.” Po wojnie poświęcił się jeszcze bardziej abstrakcji jako sposobowi ukazywania tego, co uniwersalne i czyste. „Sztuka nie odtwarza widzialnego,” mówił. „Czyni widzialnym.” Z takim pionierskim nastawieniem w centrum swoich eksperymentów szybko zdobył szeroką sławę jako przywódca powojennej europejskiej awangardy.
Paul Klee - Ogień przy pełni księżyca, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / VG Bild-Kunst, Bonn
Powrót do Bern
Oczywista pasja i geniusz, które Klee okazywał, sprawiły, że był czczony wśród swoich rówieśników, a w latach 30. XX wieku stał się także wpływowym nauczycielem młodszego pokolenia. Był cenionym profesorem na Akademii w Düsseldorfie w latach 1931–1933, a także jednym z czołowych wykładowców słynnego Bauhausu. Jednak gdy w 1933 roku Republika Weimarska upadła, a Europa znów stanęła na krawędzi wojny, Klee znalazł się na liście artystów prześladowanych przez rodzącą się partię nazistowską. Uciekł z Niemiec i powrócił do Szwajcarii. Tymczasem wielu jego handlarzy sztuki wyemigrowało do Stanów Zjednoczonych. Choć Klee prawie nie sprzedawał swoich prac w Europie od 1933 roku aż do śmierci w 1940, jego dealerzy nadal sprzedawali wiele jego obrazów w USA. W latach 30. i 40. odbywało się wiele wystaw Klee w Stanach Zjednoczonych.
Wielu członków Szkoły Nowojorskiej otwarcie mówiło o inspiracji, jaką czerpali z obrazów Paula Klee. Podobnie jak Klee, ci artyści niedawno wyszli z przerażającej wojny światowej i szukali nowych sposobów wyrażenia niewyrażalnego. Choć nie kopiowali bezpośrednio jego stylu wizualnego, metody, jakich Klee używał do tworzenia swoich obrazów, zachęcały ich do poszukiwań bardziej ponadczasowego, pradawnego i czystego sposobu tworzenia sztuki. Do wielu innowacji przypisywanych Paulowi Klee, które bezpośrednio wpłynęły na amerykańską powojenną awangardę, należą automatyzm (rysowanie nieświadome, technika później przejęta przez surrealistów), prymitywizm (powrót do najwcześniejszych, pierwotnych metod tworzenia sztuki, później przyjęty przez zwolenników Sztuki Brut) oraz reduktywizm (redukcja uniwersalnych symboli do ich najprostszej formy, czego Klee nauczył się od wczesnych artystów abstrakcyjnych takich jak Kandinsky i Malevich).
Paul Klee - Obraz z Boudoir, 1922, kopia olejna i akwarela na papierze na kartonie, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / VG Bild-Kunst, Bonn
Rysunek automatyczny
Wystawa 10 Amerykanów po Pawle Klee doskonale wybiera prace amerykańskich artystów, które ilustrują trzy koncepcje najczęściej kojarzone z Klee. W dziedzinie rysunku automatycznego prezentowane są dzieła Jacksona Pollocka, Bradleya Walkera Tomlina oraz Marka Tobeya. Kompozycja nr 16 (1948) Pollocka wyróżnia się żywą paletą barw. Pociągnięcia gesturalne białych linii mieszają się z eksplodującymi plamami żółci i dramatycznymi wirami czerni, wszystko na tle głębokiego niebieskiego morza. Obraz doskonale reprezentuje metodę rysunku automatycznego, z którą pracował Klee, a którą Pollock sławnie wykorzystał, tworząc swoje ikoniczne „plamiste” obrazy. Numer 12 (1949) Tomlina ukazuje użycie rysunku automatycznego poprzez gesturalne znaki, kaligraficzne, liniowe formy oraz szerokie, intuicyjne czarne pociągnięcia pędzla. After the Imprint (1961) Marka Tobeya to eksplodująca, wypełniona od rogu do rogu kompozycja pełna intuicyjnych znaków, ukazująca podświadomy niepokój, nerwową energię i liryczny wyraz.
Mark Tobey - After the Imprint, 1961, gwasz na kartonie do rysowania, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Waszyngton, DC, zakupione w 1962, © 2017, ProLitteris
Prymitwizm
Przedstawiając prymitywizm, czyli powrót do pradawnego, pierwotnego tworzenia sztuki, na wystawie 10 Amerykanów po Pawle Klee znajdują się prace Roberta Motherwella, Theodorosa Stamosa i Williama Baziotesa. Abstrakcja na turkusie (1945) Motherwella będzie prawdziwym objawieniem dla miłośników tego malarza, którzy nie znają jego wcześniejszych dzieł. Motherwell zdobył sławę dzięki odważnym, czarnym, biomorficznym, melancholijnym gesturalnym abstrakcjom. Ten obraz jest żywo kolorowy i niemal kapryśny, ale jego prymitywne formy i faktury jasno wskazują kierunek, jaki obrał w późniejszych pracach. Ohne Titel (1945) Theodorosa Stamosa to być może najbardziej figuratywne dzieło na wystawie. Prymitywna abstrakcja przypominająca krajobraz wyspy, przywodzi na myśl malowidła jaskiniowe. Pierrot (1947) Williama Baziotesa, jak sugeruje tytuł, nawiązuje do klasycznej francuskiej postaci pantomimy o tej samej nazwie. Uproszczone, prymitywne formy w obrazie redukują postać do jej istotnych elementów i przedstawiają ją w sposób wysoce uproszczony, a jednocześnie bardzo wyrazisty.
Robert Motherwell - Abstrakcja na turkusie, 1945, olej, emalia, piasek i węgiel na kartonie płóciennym, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris
Reduktywizm
Przedstawiając reduktywizm, czyli redukcję istotnych, uniwersalnych symboli do ich najprostszych form, na wystawie 10 Amerykanów po Pawle Klee znajdują się prace Adolpha Gottlieba, Kennetha Noland, Gene’a Davisa i Normana Lewisa. Dwa obrazy Labirynt #1 (1950) i Widzący (1950) Adolpha Gottlieba są pod wieloma względami bardzo bliskie wczesnym reduktywnym abstrakcyjnym pracom samego Paula Klee. Pracując na tle siatki, prezentują zbiór abstrakcyjnych, zredukowanych symbolicznych form zmieszanych z elementami geometrycznymi i figuratywnymi odniesieniami. Ich zniszczone powierzchnie i gesturalne podkłady tworzą złożoność i głębię, które przeczą prostocie wielu bardziej wyeksponowanych elementów kompozycji. W ogrodzie (1952) Kennetha Noland prowadzi fascynujący dialog z dziełami Gottlieba. Zawiera dramatyczne X niemal w samym centrum płótna, otoczone ukośnymi liniami, które mogą symbolizować złamaną siatkę lub prymitywne znaki instrukcyjne. Choć uproszczony, kontrast i harmonia kolorów w tym obrazie nadają mu zaskakującą głębię i blask.
Deszczowy taniec I (1960) Gene’a Davisa to doskonały przykład kompozycji reduktywnej. Trudno powiedzieć, że ten konkretny obraz był bezpośrednio inspirowany Paulem Klee. Jego czyste kolory i wysoce wyselekcjonowane, liniowe, geometryczne obrazy stawiają go daleko od pozostałych dzieł na tej wystawie. Jednak zdecydowanie nawiązuje do wczesnych artystów abstrakcyjnych, takich jak Malevich, którzy inspirowali Klee, oraz artystów takich jak Mondrian, którzy również badali reduktywne aspekty linii, prostokątów i czystych pól barw. Wreszcie, promenade (1950) Normana Lewisa wypełnia ważną lukę na wystawie. Łącząc elementy reduktywizmu, prymitywizmu i rysunku automatycznego, rozstrzyga kwestię ewolucji wpływu Paula Klee. W swojej złożoności, energii i ekscytacji ta kompozycja wyróżnia się spośród innych jako coś w pełni amerykańskiego i w pełni nowatorskiego. Bez wątpienia jest inspirowana ideami, które Klee pomógł rozwinąć, a jednocześnie reprezentuje kolejny krok, który wszyscy ci amerykańscy malarze starali się uczynić.
Wystawa 10 Amerykanów po Pawle Klee jest dostępna do oglądania do 7 stycznia 2018 roku w Centrum Paula Klee w Bernie, Szwajcaria.
Zdjęcie główne: Kenneth Noland - W ogrodzie, 1952, olej na płycie pilśniowej, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Waszyngton, DC, zakupione w 1952, © 2017, Prolitteris.
