Georg Herold i Luminous West w Kunstmuseum Bonn
Większość ludzi prawdopodobnie zakwalifikowałaby Georga Herolda do tzw. „starszego pokolenia”. W końcu ma 70 lat. I faktycznie, siedem lat temu Kunstmuseum Bonn oficjalnie przypięło Heroldowi tę niefortunną i nieco bezsensowną etykietę, włączając go do ambitnej wystawy grupowej zatytułowanej The Luminous West. Na tej wystawie zaprezentowano prace 33 artystów, wszyscy pochodzący z regionu Nadrenii / Nadrenii Północnej-Westfalii w Niemczech. Celem pokazu było stworzenie spójnej wizji estetycznego dziedzictwa tej części Niemiec oraz powiązanie jej z przewidywaniami dotyczącymi przyszłości tego regionu. Aby zrealizować to monumentalne zadanie, muzeum przyjęło unikalne podejście kuratorskie. Po pierwsze, powierzyło pięcioosobowemu zespołowi naukowemu wybór 19 artystów, którzy według ich słów reprezentowali „starsze pokolenie”. Zespół zaczął od tego, co nazwali „historycznym rdzeniem” regionu, składającym się z pięciu artystów: Josepha Beuysa, Sigmara Polke, Imiego Knoebla, Gerharda Richtera i Blinky’ego Palermo. Następnie wybrali 14 kolejnych „starszych” artystów, wśród nich Georga Herolda. Następnie muzeum zaprosiło tych tak zwanych „starszych” artystów, a przynajmniej tych, którzy jeszcze żyli, do polecenia artystów z „młodszego pokolenia”, których prace ich zdaniem zasługiwały na włączenie do wystawy. Ponieważ wówczas miał 63 lata, być może nie jest to obraźliwe, że Georg Herold został wybrany jako przedstawiciel starszego pokolenia. Jednak mimo to coś w tym określeniu wydaje się nie na miejscu. Nie tak dawno Herold był nowicjuszem na scenie artystycznej. A do dziś jego prace pozostają fascynujące, świeże, dowcipne, bezczelne i prowokujące — w wielu przypadkach znacznie bardziej niż prace chronologicznie młodszych artystów, którzy rzekomo reprezentowali przyszłość w The Luminous West. Fakt ten wyraźnie uwidacznia nowa monograficzna wystawa Georga Herolda, obecnie prezentowana w tym samym miejscu, w Kunstmuseum Bonn. Jego twórczość pozostaje dynamiczna i nadal reprezentuje najnowsze trendy. Zastanawiam się, czy może wiek biologiczny nie powinien być jedynym miernikiem „starzenia się” w sztuce. Jak pokazuje Herold, to czasem z upływem lat z artysty wyłaniają się najlepsze pomysły i najsilniejsze dzieła, a pełne znaczenie i potencjał wcześniejszych prac zostaje wreszcie odkryte.
Późne wejście
Georg Herold urodził się w 1947 roku w Jenie w Niemczech, mieście uniwersyteckim liczącym około 100 000 mieszkańców. Jego wczesne wykształcenie to praktyka kowalska, po czym rozpoczął studia na poważnie, by zostać artystą. Najpierw studiował na Uniwersytecie Sztuki i Projektowania w Halle, w mieście Halle, niedaleko miejsca, gdzie dorastał. Następnie przeniósł się na południe kraju, do Monachium, gdzie uczęszczał do Akademii Sztuk Pięknych w latach 1974–1976. Potem udał się na północ, do Hamburga, gdzie studiował na Uniwersytecie Sztuk Pięknych pod kierunkiem Sigmara Polke w latach 1977–1981. Podczas pobytu w Hamburgu Herold poznał kilku innych studentów-artystów, wśród nich najbardziej znanych Martina Kippenbergera i Alberta Oehlena, którzy już zaczęli zdobywać sławę dzięki swojemu punkowemu podejściu do tworzenia sztuki.
Razem z tymi nowymi buntownikami Herold został okrzyknięty jednym z wyłaniających się „złych chłopców” niemieckiej sceny artystycznej lat 80. Kiedy ukończył studia, miał 34 lata. Mimo to uważano go za część nowego, młodego i bezczelnego pokolenia. Jeden z „złych chłopców” nie przetrwał długo. Kippenberger zmarł w 1997 roku w wieku 44 lat, ale w swojej krótkiej karierze wywarł ogromny wpływ na świat sztuki i niemal samodzielnie zrewolucjonizował pojęcie współczesnego artysty. Oehlen jest nadal aktywny jako artysta i nauczyciel. Jego abstrakcyjne obrazy są uwielbiane, a jego badania nad procesem twórczym okazały się niezwykle wpływowe dla kolejnych pokoleń artystów. A potem jest Herold, najstarszy z „złych chłopców”. Najdłużej dojrzewał i pod pewnymi względami najdłużej opierał się kategoryzacji. Jak sam powiedział: „zamierzam osiągnąć stan, który jest niejednoznaczny i pozwala na wszelkie interpretacje.” Wierny temu celowi, jego dorobek wymyka się wszelkim klasyfikacjom, a żadna pojedyncza praca w nim nie została jeszcze skutecznie zdiagnozowana.
Georg Herold - Bez tytułu (Kawior), 1990, kawior, lakier, tusz na płótnie, 80 × 109,9 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Magenta Plains, Nowy Jork
Wytrwałość
Pierwszą pracą, z której zapamiętano Georga Herolda, była cienka listwa drewniana, taka jak używana w budownictwie, przykręcona do ściany. Nazwał ją Präsentation der ersten Latte, czyli Prezentacja pierwszej listwy. Praca powstała w 1977 roku, gdy Herold był jeszcze na studiach, na zadanie w klasie prowadzonej przez Sigmara Polke. Formalnie rzecz biorąc, dzieło było niepodważalne. Reprezentowało linię i formę. Jako trójwymiarowy obiekt wiszący na ścianie, kwestionowało role malarstwa i rzeźby. Było zarówno minimalistyczne, jak i konceptualne. Tytuł sugerował coś uroczystego. Historia materiału wskazywała, że jest to element czegoś większego, co ma nadejść. Status obiektu znalezionego przywodził na myśl Marcela Duchampa i Roberta Rauschenberga. Było w nim też coś kapryśnego, a może nawet absurdalnego.
Z czasem tytuł tej pierwszej pracy okazał się proroczy. Herold wielokrotnie wracał do materiału listew budowlanych. Używał ich w większych rzeźbach, wieszał na ścianie w różnych konfiguracjach, wykorzystywał jako podparcie dla obrazów i innych dzieł, a także jako surowiec do tworzenia serii poruszających, figuratywnych rzeźb. Do budowy tych form Herold wiąże listwy budowlane nicią i śrubami. Następnie naciąga na związane patyki płótno, tworząc coś w rodzaju kokonów na kształt ludzkiego ciała. Pozwala płótnu wyschnąć i z czasem się skurczyć, a potem maluje i lakieruje formę. W niektórych przypadkach wykonuje limitowane odlewy z brązu tych form. W kontekście jego wczesnej pracy w klasie Sigmara Polke, te figuratywne formy są poetyckie w swojej głębi potencjalnych znaczeń. Nawet bez znajomości ich materialnej istoty, ich obecność wywołuje szeroki wachlarz emocji, od cierpienia po zmysłowość. Są zarówno humanizujące, jak i dehumanizujące, wywołując liczne interpretacje, od obrazów tańca po obrazy śmierci.
Georg Herold - Bez tytułu, 2011, listwa, płótno, lakier, nić i śruby, 115 x 510 x 65 cm, zdjęcie © Saatchi Gallery, wszelkie prawa zastrzeżone
Kawior i cegły
Innym cyklem prac, z którego Herold stał się znany, jest seria obrazów, w których ikra rybia jest używana jako główny materiał. Te abstrakcyjne obrazy z kawioru mają spokojny, naturalny charakter, podobny do koreańskich obrazów dansaekhwa. Są niemal monochromatyczne, delikatnie fakturowane i piękne. Jednak to właśnie ich materiał budzi pytania. Miliony, a może miliardy rybich jajek użytych do ich stworzenia oznaczają, że są one dosłownymi polami śmierci. Potencjalnie symbolizują dosłownie zmarnowany potencjał. Z drugiej strony kawior to po prostu jedzenie, i to niekoniecznie niezbędne. To kosztowny luksus. Można by wiele dyskutować o przesłaniu tych obrazów dotyczącego handlu, sztuki i wyzysku. A może nie ma nic do powiedzenia. Może to po prostu ładne obrazy.
Georg Herold - Bez tytułu, 2011, kawior (numerowany), akryl, lakier na płótnie, 2 części, każda 350 x 203 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Bärbel Grässlin
Innym materiałem, do którego Herold często wraca, są cegły. Przytwierdza je bezpośrednio do naciągniętych powierzchni płócien swoich obrazów. Ciężar cegieł często ciągnie powierzchnię w dół, rozciągając ją i tworząc fałdy oraz zmarszczki w tkaninie. Wygląd często przypomina częściowo zniszczone dzieło sztuki. W dziele tkwi napięcie, gdy widzowie obserwują i zastanawiają się, czy cegły w końcu nie spadną. Te prace wydają się katastrofami czekającymi na zdarzenie. Są też fascynującymi badaniami materii, faktury, wymiarowości i przestrzeni. Są zabawne, a w pewien sposób nawet drwiące. Są też niezwykle niejednoznaczne. Istnieje wielka przepaść między tym, co pokazują, a tym, co mówią. Z drugiej strony są tylko konstrukcją, kolejnym krokiem naprzód od prezentacji pierwszej listwy. Co najważniejsze, są świeże. Są dalszym dowodem na to, że Georg Herold nie jest artystą, którego należy określać jako część jakiegokolwiek starszego pokolenia. Z szacunkiem, w rzeczywistości żaden żyjący artysta nie zasługuje na to.
Georg Herold w Kunstmuseum Bonn jest prezentowany do 7 stycznia 2018 roku.
Zdjęcie główne: Georg Herold - Herrenperspektive (Męska perspektywa), 2002, rzeźba z łat dachowych, szkło i sznurek, 235 x 60 x 365 cm, zdjęcie © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, zdjęcie: Galerie Grässlin
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie do celów ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
