Georg Herold i Luminous West w Kunstmuseum Bonn

Większość osób prawdopodobnie zaklasyfikowałaby Georga Herolda jako przedstawiciela tak zwanego „starszego pokolenia”. W końcu ma 70 lat. W rzeczywistości siedem lat temu Kunstmuseum Bonn oficjalnie przypisało Heroldowi tę niefortunną i nieco pozbawioną znaczenia etykietę, włączając go do ambitnej wystawy zbiorowej zatytułowanej The Luminous West. Wystawa prezentowała prace 33 artystów, z których wszyscy pochodzili z regionu Nadrenii / Nadrenii Północnej-Westfalii w Niemczech. Celem ekspozycji było stworzenie spójnej wizji dziedzictwa estetycznego tej części Niemiec i powiązanie jej z prognostyczną analizą tego, co może czekać region w przyszłości. Aby zrealizować to monumentalne zadanie, muzeum przyjęło wyjątkowe podejście kuratorskie. Najpierw powierzyło pięcioosobowemu zespołowi akademickiemu wybór 19 artystów reprezentujących, jak to określono, „starsze pokolenie”. Zespół rozpoczął od tak zwanego „historycznego rdzenia” regionu, na który składało się pięciu artystów: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter i Blinky Palermo. Następnie wybrano kolejnych 14 „starszych” artystów, wśród nich Georga Herolda. Później muzeum poprosiło tych tak zwanych „starszych” artystów — a przynajmniej tych, którzy wciąż żyli — o wskazanie artystów z „młodszego pokolenia”, których prace ich zdaniem zasługiwały na uwzględnienie w wystawie. Ponieważ Herold miał wówczas 63 lata, być może nie należy uznawać za zniewagę faktu, że wybrano go jako przedstawiciela starszego pokolenia. Mimo to coś w tym określeniu wydaje się niewłaściwe. Nie tak dawno temu Herold był zupełnie nową postacią na scenie artystycznej. Do dziś jego twórczość pozostaje fascynująca, świeża, dowcipna, bezkompromisowa i prowokacyjna — w wielu przypadkach znacznie bardziej niż twórczość chronologicznie młodszych artystów, którzy rzekomo reprezentowali przyszłość w The Luminous West. Fakt ten wyraźnie pokazuje nowa monograficzna wystawa Georga Herolda, prezentowana obecnie w tej samej przestrzeni — Kunstmuseum Bonn. Prace wciąż są dynamiczne i nadal reprezentują najbardziej awangardowy nurt. Zastanawiam się, czy wiek biologiczny powinien być jedyną miarą „starości” w sztuce. Jak pokazuje Herold, czasem dopiero wraz z upływem czasu z artysty wyłaniają się najlepsze pomysły i najpotężniejsze dzieła, a pełne znaczenie i potencjał wcześniejszych prac zostają wreszcie ujawnione.

Późny debiut

Georg Herold urodził się w 1947 roku w Jenie w Niemczech, uniwersyteckim mieście liczącym około 100 tysięcy mieszkańców. Początkowo kształcił się jako czeladnik kowalski, a następnie podjął studia i zaczął poważnie przygotowywać się do kariery artysty. Najpierw studiował na Uniwersytecie Sztuki i Wzornictwa w Halle, w mieście Halle, niedaleko miejsca, w którym dorastał. Później przeniósł się na południe kraju, do Monachium, gdzie w latach 1974–1976 uczęszczał do Akademii Sztuk Pięknych. Następnie udał się na północ, do Hamburga, gdzie w latach 1977–1981 studiował w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych pod kierunkiem Sigmara Polke. Podczas pobytu w Hamburgu Herold poznał kilku innych studentów-artystów, przede wszystkim Martina Kippenbergera i Alberta Oehlena, którzy zdążyli już zdobyć rozgłos dzięki punkowemu podejściu do tworzenia sztuki.

Wraz z tymi nowymi buntownikami Herold został zaliczony do grona wyłaniających się „złych chłopców” niemieckiej sceny artystycznej lat 80. Gdy ukończył studia, miał 34 lata. Mimo to uważano go za część nowego, młodego i bezczelnego pokolenia. Jeden z „złych chłopców” nie przetrwał długo. Kippenberger zmarł w 1997 roku w wieku 44 lat, lecz podczas swojej krótkiej kariery zyskał ogromny wpływ na świat sztuki i niemal własnoręcznie na nowo zdefiniował znaczenie bycia współczesnym artystą. Oehlen do dziś pozostaje aktywnym artystą i nauczycielem. Jego abstrakcyjne obrazy są uwielbiane, a badania nad procesem twórczym okazały się niezwykle wpływowe dla kolejnych pokoleń artystów. I wreszcie jest Herold, najstarszy z „złych chłopców”. Najdłużej dojrzewał artystycznie i pod wieloma względami najdłużej opierał się kategoryzacji. Jak kiedyś powiedział: „zamierzam osiągnąć stan, który będzie niejednoznaczny i pozwoli na wszelkiego rodzaju interpretacje”. Zgodnie z tym zamierzeniem jego dorobek wymyka się wszelkiej kategoryzacji, a żadna pojedyncza praca w jego obrębie nie doczekała się jeszcze trafnej diagnozy.

Georg Herold – Bez tytułu (Kawior), 1990, kawior, lakier, tusz na płótnie, 31 1/2 × 43 1/4 cala, 80 × 109,9 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Magenta Plains, Nowy Jork

Trzymając się tego

Pierwszym dziełem, z którym kojarzony jest Georg Herold, była cienka drewniana listwa budowlana przykręcona do ściany. Artysta nazwał pracę Präsentation der ersten Latte, czyli Prezentacja pierwszej deski. Dzieło powstało w 1977 roku, gdy Herold wciąż studiował, jako zadanie na zajęciach prowadzonych przez Sigmara Polke. W ścisłym sensie formalnym praca była bezdyskusyjna. Reprezentowała linię i formę. Jako trójwymiarowy obiekt zawieszony na ścianie podważała role malarstwa i rzeźby. Była jednocześnie minimalistyczna i konceptualna. Jej tytuł sugerował coś ceremonialnego. Historia materiału wskazywała, że stanowi on element czegoś większego, co dopiero ma powstać. Status ready-made przywoływał Marcela Duchampa i Roberta Rauschenberga. A jednak było w niej także coś kapryśnego, a być może również absurdalnego.

Z czasem tytuł tego pierwszego dzieła okazał się proroczy. Herold wielokrotnie powracał do materiału, jakim są deski budowlane. Wykorzystywał je w większych rzeźbach, zawieszał na ścianie w różnych konfiguracjach, stosował jako podpory dla obrazów i innych prac, a także jako surowiec do budowy serii przejmujących rzeźb figuratywnych. Aby stworzyć te formy, Herold łączy deski budowlane za pomocą nici i śrub. Następnie naciąga płótno na związane patyki, tworząc coś w rodzaju kokonu wokół kształtu ludzkiego ciała. Pozwala płótnu wyschnąć i z czasem skurczyć się, po czym maluje i lakieruje formę. W niektórych przypadkach wykonuje następnie limitowane odlewy tych form z brązu. Oglądane w kontekście jego wczesnej pracy z zajęć u Sigmarem Polke, te figuratywne formy są poetyckie dzięki głębi potencjalnych znaczeń. Jednak nawet bez wiedzy o ich materialnej istocie ich obecność przywołuje całą gamę emocji — od cierpienia po zmysłowość. Są zarazem uczłowieczające i odczłowieczające, przywołując niezliczone interpretacje: od obrazów tańca po obrazy śmierci.

Georg Herold – Bez tytułu, 2011, łata, płótno, lakier, nić i śruby, 115 × 510 × 65 cm, zdjęcie © Saatchi Gallery, wszelkie prawa zastrzeżone

Kawior i cegły

Innym cyklem prac, z którym Herold stał się kojarzony, jest seria obrazów, w których ikra ryb służy jako główne medium. Te abstrakcyjne obrazy z kawiorem mają spokojny, naturalny charakter, przywodzący na myśl koreańskie obrazy dansaekhwa. Są niemal monochromatyczne, delikatnie fakturowane i piękne. To jednak ich medium rodzi pytania. Miliony, a być może miliardy jaj ryb, które wykorzystano do ich stworzenia, sprawiają, że są dosłownie polami śmierci. Potencjalnie przedstawiają dosłownie zmarnowany potencjał. Z drugiej strony kawior to po prostu jedzenie — i w dodatku nie całkiem niezbędne. To kosztowny luksus. Można by wiele dyskutować o tym, jaki przekaz obrazy te niosą na temat handlu, sztuki i eksploatacji. A może nie ma nic do powiedzenia. Może są po prostu ładnymi obrazami.

Georg Herold – Bez tytułu, 2011, kawior (numerowany), akryl, lakier na płótnie, 2 części, każda 350 × 203 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Galerie Bärbel Grässlin

Kolejnym materiałem, do którego Herold często powraca, są cegły. Przymocowuje je bezpośrednio do powierzchni rozciągniętych płócien swoich obrazów. Ciężar cegieł często ściąga powierzchnię w dół, rozciągając ją i tworząc zmarszczki oraz fale na tkaninie. Efekt często przypomina częściowo zniszczone dzieło sztuki. W pracy tkwi napięcie, gdy widzowie obserwują ją i zastanawiają się, czy cegły w końcu spadną. Te prace wyglądają jak katastrofy, które tylko czekają, by się wydarzyć. Są także fascynującymi studiami materialności, faktury, wymiarowości i przestrzeni. Są zabawne, a w pewnym sensie mają nawet szyderczy charakter. Są również wzniosłe w swojej niejednoznaczności. Między tym, co nam pokazują, a tym, co nam mówią, zieje ogromna przepaść. A jednak są po prostu konstrukcją, kolejnym krokiem naprzód od prezentacji pierwszej deski. Co najważniejsze, pozostają świeże. Są kolejnym dowodem na to, że Georg Herold nie jest artystą, którego należy określać jako przedstawiciela jakiegokolwiek starszego pokolenia. Z całym szacunkiem — w rzeczywistości żaden żyjący artysta nim nie jest.

Georg Herold w Kunstmuseum Bonn można oglądać do 7 stycznia 2018 roku.

Zdjęcie główne: Georg Herold – Herrenperspektive (Perspektywa mężczyzn), 2002, rzeźba z łat dachowych, szkła i sznurka, 235 × 60 × 365 cm, zdjęcie © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, zdjęcie: Galerie Grässlin

Wszystkie zdjęcia wykorzystano wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio