Georg Herold i Luminous West w Kunstmuseum Bonn

Większość ludzi prawdopodobnie zaklasyfikowałaby Georga Herolda jako członka tzw. „starszego pokolenia”. W końcu ma 70 lat. A tak naprawdę, siedem lat temu Kunstmuseum Bonn oficjalnie obdarzyło Herolda tą niefortunną i nieco bezsensowną etykietą, gdy włączyli go do ambitnej wystawy grupowej zatytułowanej Luminous West. Wystawa ta prezentowała prace 33 artystów, z których wszyscy pochodzili z regionu Nadrenii / Nadrenii Północnej-Westfalii w Niemczech. Celem wystawy było ustanowienie spójnej wizji dziedzictwa estetycznego tej części Niemiec oraz powiązanie go z przewidywaniem, co przyszłość tego regionu może przynieść. Aby zrealizować to monumentalne zadanie, muzeum przyjęło unikalne podejście kuratorskie. Po pierwsze, powierzyli swojemu pięcioosobowemu zespołowi akademickiemu zadanie wybrania 19 artystów, którzy reprezentowali, ich zdaniem, „starsze pokolenie”. Zespół rozpoczął od tego, co nazwali „historycznym rdzeniem” regionu, który składał się z pięciu artystów: Josepha Beuysa, Sigmara Polke, Imiego Knoebela, Gerharda Richtera i Blinky'ego Palerma. Następnie wybrali 14 kolejnych „starszych” artystów, wśród nich Georga Herolda. Następnie muzeum zaprosiło tych tzw. „starszych” artystów, lub przynajmniej tych, którzy wciąż żyli, do polecenia artystów z „młodszego pokolenia”, których prace ich zdaniem zasługiwały na włączenie do wystawy. Ponieważ wówczas miał 63 lata, wydaje się, że nie jest to żadna obraza, że Georg Herold został wybrany jako przedstawiciel starszego pokolenia. Niemniej jednak, coś w tej etykiecie wydaje się niewłaściwe. Nie tak dawno temu Herold był zupełnie nowy na scenie. A do dziś jego prace pozostają fascynujące, świeże, dowcipne, bezczelne i prowokujące – w wielu przypadkach znacznie bardziej niż prace chronologicznie młodszych artystów, którzy rzekomo reprezentowali przyszłość w Luminous West. Ten fakt wyraźnie uwidacznia nowa monograficzna wystawa Georga Herolda, która obecnie jest prezentowana w tej samej przestrzeni, Kunstmuseum Bonn. Prace pozostają dynamiczne i nadal reprezentują najnowsze osiągnięcia. Zastanawia mnie, czy może wiek biologiczny nie powinien być jedynym miernikiem „starości” w sztuce. Jak pokazuje Herold, czasami to właśnie z upływem czasu najlepsze pomysły i najpotężniejsze dzieła wyłaniają się z artysty, a pełne znaczenie i potencjał wcześniejszych prac w końcu się ujawnia.

Późne wejście

Georg Herold urodził się w 1947 roku w Jenie, w Niemczech, w uniwersyteckim mieście liczącym około 100 000 mieszkańców. Jego wczesne kształcenie odbyło się jako praktykant kowala, po czym uczęszczał na uniwersytet i zaczął poważnie studiować, aby zostać artystą. Najpierw studiował na Uniwersytecie Sztuki i Projektowania w Halle, w mieście Halle, niedaleko miejsca, gdzie dorastał. Następnie przeniósł się do południowej części kraju, do Monachium, gdzie uczęszczał do Akademii Sztuk Pięknych od 1974 do 1976 roku. Potem udał się na północ do Hamburga, gdzie studiował na Uniwersytecie Sztuk Pięknych pod kierunkiem Sigmara Polke od 1977 do 1981 roku. Podczas pobytu w Hamburgu, Herold nawiązał znajomość z kilkoma innymi artystami-studentami, wśród których na szczególną uwagę zasługiwali Martin Kippenberger oraz Albert Oehlen, którzy już zaczęli zdobywać uznanie dzięki swojemu punkowemu podejściu do tworzenia sztuki.

Razem z tymi nowymi dzikimi, Herold zyskał miano jednego z wyłaniających się „złych chłopców” niemieckiej sceny artystycznej lat 80. Kiedy ukończył uniwersytet, miał 34 lata. Niemniej jednak, uważano go za część nowego, młodego i bezczelnego pokolenia. Jeden z „złych chłopców” nie przetrwał długo. Kippenberger zmarł w 1997 roku w wieku 44 lat, ale w swojej krótkiej karierze zdołał wywrzeć ogromny wpływ na świat sztuki i niemal samodzielnie zredefiniował, co to znaczy być współczesnym artystą. Oehlen jest nadal aktywny jako artysta i nauczyciel. Jego abstrakcyjne obrazy są uwielbiane, a jego badania nad procesem okazały się niezwykle wpływowe dla nowo powstających pokoleń artystów. A potem jest Herold, najstarszy z „złych chłopców”. Najdłużej dojrzewał, a w pewnym sensie najdłużej opierał się kategoryzacji. Jak kiedyś powiedział: „Zamierzam osiągnąć stan, który jest niejednoznaczny i pozwala na wszelkiego rodzaju interpretacje.” Wierny temu celowi, jego twórczość wymyka się wszelkim kategoryzacjom, a żadne pojedyncze dzieło w jej obrębie nie zostało jeszcze skutecznie zdiagnozowane.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

Trzymanie się tego

Pierwsze dzieło sztuki, za które Georg Herold jest zapamiętany, to cienka deska drewna, typ używany w budownictwie, przykręcona do ściany. Nazwał tę pracę Präsentation der ersten Latte, czyli Prezentacja pierwszej deski. Dzieło powstało w 1977 roku, gdy był jeszcze w szkole, na zadanie w klasie prowadzonej przez Sigmara Polke. Praca była, w ścisłych formalnych kategoriach, niezaprzeczalna. Reprezentowała linię i formę. Jako obiekt trójwymiarowy wiszący na ścianie, kwestionowała role malarstwa i rzeźby. Była zarówno minimalna, jak i konceptualna. Jej tytuł sugerował coś ceremonialnego. Jej historia jako materiału sugerowała, że była komponentem czegoś większego, co miało nadejść. Jej status jako obiektu znalezionego przywoływał Marcela Duchampa i Roberta Rauschenberga. Ale było w tym także coś kapryśnego, a może coś absurdalnego.

Ale z czasem tytuł tego pierwszego dzieła okazał się proroczy. Herold wielokrotnie wracał do materiału desek budowlanych. Używał ich w większych rzeźbach, wieszał je na ścianie w różnych konfiguracjach, wykorzystywał jako podpory dla obrazów i innych dzieł, a także jako surowce do budowy serii przejmujących, figuralnych rzeźb. Aby skonstruować te formy, Herold łączy deski budowlane za pomocą nici i śrub. Następnie naciąga płótno na związane deski, tworząc rodzaj kokonu nad formą ludzkiego ciała. Pozwala, aby płótno wyschło i skurczyło się z czasem, a następnie maluje i lakieruje formę. W niektórych przypadkach wykonuje ograniczone edycje odlewów z brązu tych form. W kontekście jego wczesnej pracy w tej klasie z Sigmarem Polke, te figuralne formy są poetyckie w swojej głębi potencjalnych znaczeń. Ale nawet bez znajomości ich materialnej istoty, ich obecność wywołuje szereg emocji, od cierpienia po zmysłowość. Są zarówno humanizujące, jak i dehumanizujące, i przywołują niezliczone interpretacje, od obrazów tańca po obrazy śmierci.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

Kawior i cegły

Innym dziełem, z którego Herold stał się znany, jest seria obrazów, w których ikra rybia jest używana jako główny medium. Te abstrakcyjne obrazy z kawioru mają spokojną, naturalną jakość w stylu koreańskich obrazów dansaekhwa. Są niemal monochromatyczne, lekko teksturowane i piękne. Ale to ich medium budzi pytania. Miliony, a może miliardy jaj rybnych, które posłużyły do ich stworzenia, oznaczają, że są dosłownymi polami śmierci. Potencjalnie reprezentują dosłowny zmarnowany potencjał. Z drugiej strony, kawior to tylko jedzenie, i to niekoniecznie niezbędne jedzenie. To drogi luksus. Potencjalnie jest wiele do omówienia na temat jakiejkolwiek wiadomości, jaką te obrazy wysyłają o handlu, sztuce i wyzysku. Z drugiej strony, może nie ma nic do powiedzenia. Może to po prostu ładne obrazy.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

Innym materiałem, do którego Herold często wraca, są cegły. Przypina cegły bezpośrednio do rozciągniętych powierzchni płócien swoich obrazów. Waga cegieł często ciągnie w dół powierzchnię, rozciągając ją i tworząc zmarszczki oraz fale w tkaninie. Wygląd jest często jak częściowo zrujnowane dzieło sztuki. W dziele tkwi napięcie, gdy widzowie obserwują i zastanawiają się, czy cegły ostatecznie spadną. Te prace wydają się być katastrofami czekającymi na to, by się wydarzyć. Są również fascynującymi badaniami materialności, tekstury, wymiarowości i przestrzeni. Są zabawne, a w pewnym sensie mają nawet kpiący sposób bycia. Są także subliminalnie niejednoznaczne. Istnieje wielka przepaść między tym, co nam pokazują, a tym, co nam mówią. Z drugiej strony, są po prostu konstrukcją, kolejnym krokiem naprzód od prezentacji pierwszej deski. Co najważniejsze, są świeże. Stanowią ciągły dowód na to, że Georg Herold nie jest artystą, który zasługuje na to, by być określanym jako część jakiejkolwiek starszej generacji. Z szacunkiem, w rzeczywistości żaden żyjący artysta nie jest.

Georg Herold w Kunstmuseum Bonn jest wystawiane do 7 stycznia 2018.

Obraz wyróżniający: Georg Herold - Herrenperspektive (Perspektywa mężczyzn), 2002, Rzeźba z łaty dachowe, szkło i sznurek, 235 x 60 x 365 cm, zdjęcie © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Muzeum Arpa Bahnhof Rolandseck, zdjęcie: Galerie Grässlin

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio