Łączenie Abstrakcji i Figury - Sztuka Alberta Oehlena

Na pierwszy rzut oka wiele obrazów Alberta Oehlen wygląda skomplikowanie, jak wizualny odpowiednik hałasu. Łączą one elementy figuralne z elementami czysto abstrakcyjnymi. Zawierają szeroki i nieustannie ewoluujący zestaw procesów, materiałów i technik. Kiedy skupiamy się na tych odmiennych elementach, kompozycje mogą wydawać się czasami niezgodne i nieharmonijne. Ale gdy spojrzymy na nie z szerszej perspektywy, nie jako ostateczne wizualne stwierdzenia, lecz jako bodźce do głębszej estetycznej reakcji, w jego obrazach wyłania się poczucie harmonii. Oehlen był uczniem Sigmara Polke, niemieckiego malarza, fotografa i profesora, który kwestionował granice między figuracją a abstrakcją. Jest również byłym współlokatorem Martina Kippenbergera, niemieckiego artysty multimedialnego, znanego z badania, jak obiektywny świat krzyżuje się z abstrakcją. A także jest długoletnim przyjacielem Christophera Woola, malarza, który łączy odważne, oparte na tekście przesłania z abstrakcją w sposób, który tworzy wyraźne granice między tymi dwoma, jednocześnie sugerując, że są one tym samym. W sposób, w jaki łączy figurację i abstrakcję, dorobek Oehlena dzieli wyraźne dziedzictwo z dorobkiem tych trzech innych artystów. Ale dzieli także jedną inną ważną, mniej oczywistą podobieństwo: jest prostszy, niż wygląda.

Ewolucja Alberta Oehlena

Albert Oehlen urodził się w 1954 roku w Krefeld, w Niemczech, na północny zachód od Düsseldorfu. Wychował się w artystycznej rodzinie. Ojciec Oehlen był artystą, a jego brat Markus, dwa lata młodszy, stał się uznawanym artystą pop-artowym, pracującym w dziedzinach malarstwa i rzeźby. Albert powiedział, że zawsze wiedział, że zostanie artystą, jakby to było coś, co brał za pewnik. Jednak wybór, aby skupić się na malarstwie, a zwłaszcza na malarstwie abstrakcyjnym, był czymś, co przyszło do niego stopniowo w czasie.

Oehlen ukończył studia na Uniwersytecie Sztuk Pięknych w Hamburgu w 1978 roku. Po szkole eksperymentował z różnymi formami ekspresji, w tym z muzyką. Jednak to po przeprowadzce z Niemiec do Hiszpanii, gdzie dzielił dom z Martin Kippenbergerem, odkrył swój głos jako malarz abstrakcyjny. W wywiadzie dla Interview Magazine w 2009 roku Oehlen mówi, że wykorzystał tę okazję, aby zmienić swoje podejście do sztuki. „Chciałem zacząć coś nowego, o czym marzyłem od dłuższego czasu, a było to malarstwo abstrakcyjne,” powiedział Oehlen, „i wykorzystałem szansę, aby zacząć to tam [w Hiszpanii], co było bardzo dobre, ponieważ byliśmy bardzo odizolowani. Byliśmy tylko Martin i ja w tym domu, więc mogłeś popełniać błędy i obserwować, jak reaguje druga osoba.”

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

Nieprzewidywalność malarstwa

Posiadanie swobody do eksperymentowania i popełniania błędów wpoili Oehlenowi znaczenie niepewności w jego sztuce. Istnieje wrodzone podekscytowanie w niepewności co do tego, jak coś się skończy. Jest żywotna siła, która popycha artystę do manifestowania nieznanego lub nieobmyślanego. Jednak potencjalną wadą całkowitej swobody eksperymentowania jest to, że może ona paraliżować. Gdzie zacząć, jeśli nie ma się pojęcia, dokąd się zmierza? Aby dać sobie wystarczającą strukturę, by pozostać skupionym, a jednocześnie cieszyć się swobodą eksperymentowania, Oehlen zaczął wymyślać proste zasady dla siebie w studiu.

Te arbitralne zasady nie mają innego celu, jak tylko wyzwanie go w jego procesie, tworzenie nieprzewidywalności i konfliktów. Czasami ogranicza swoje prace do jednego odcienia. Innym razem narzuca sobie ograniczenie, aby po prostu działać wolniej. Jedną z ulubionych arbitralnych zasad Ohlen’a, którą dzielił się ze swoimi uczniami podczas nauczania w Kunstakademie Düsseldorf, było: „Zmień materiał. Ponieważ wiele decyzji, których nie jesteś świadomy. Zaczyna się, gdy idziesz na zakupy po materiały artystyczne. Podejmujesz decyzje, a one są zawsze takie same, jak rodzaj pędzli, które kupujesz. A jeśli jesteś zmuszony coś zmienić, to daje to niepewność pracy, która jest bardzo pomocna. Sprawia, że odkrywasz, czego naprawdę potrzebujesz."

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

Nic nie jest brzydkie

Przez dziesięciolecia eksperymentowania i stawiania sobie arbitralnych ograniczeń Oehlen doszedł do zabawnego wniosku. Z powodu unikalnych cech fizycznych, jakie posiadają dzieła, niewiele można zrobić, aby sprawić, że obraz będzie brzydki. Był czas, kiedy idea złego malarstwa była na myśli wielu kuratorów i artystów, w tym Oehlena. Rozważano różne definicje złego malarstwa. Niektórzy uważali, że ma to związek z procesem. Inni wierzyli, że jest to fundamentalne dla kompozycji lub estetycznych cech dzieła.

Oehlen ciężko pracował nad pojęciem tworzenia złych obrazów w taki sam sposób, w jaki muzyk może stworzyć utwór, którego nie da się słuchać. Odkrył jednak, że ktoś może uznać każdy obraz za piękny, ponieważ ludzie po prostu mają visceralną atrakcję do wrodzonego piękna farby na powierzchni. Niezależnie od tematu, niezależnie od poziomu umiejętności artysty, niezależnie od kompozycji i niezależnie od procesu, można argumentować, że żaden obraz nie jest zły, ponieważ coś dobrego można w nim znaleźć, jeśli tylko będziemy gotowi spojrzeć.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

Wyzwalacze wizualne

Dojrzała praca, którą Albert Oehlen tworzy dzisiaj, odzwierciedla sposób myślenia malarza, który po prostu kocha angażować się w swoją pracę. Jest różnorodny w doborze materiałów i technik, dając sobie możliwości rozwoju i ewolucji. Czasami tworzy kolaże, a następnie maluje na ich powierzchni, używając do kolażu mieszanki tandetnych reklam billboardowych i wydruków atramentowych. Czasami używa farby w sprayu, czasami olejów, czasami rozmazuje farbę po powierzchni w zamazaniu. Radość dla niego jako artysty wyraźnie pochodzi z odpowiedniej mieszanki eksperymentów i zasad, innymi słowy, z procesu.

Dla widzów może być łatwo się pogubić w niezliczonych warstwach, stylach i odniesieniach w dziełach Oehlena. Ale jak wspomnieliśmy wcześniej, upraszczając sposób, w jaki na nie patrzymy, możemy zbliżyć się do zrozumienia ich wartości. Sposobem na uproszczenie ich jest postrzeganie ich nie jako dzieł zawierających znaczenie do rozwikłania, ale jako wizualnych bodźców. Odsuń się i spójrz na nie jako na ujawnienie procesu, i pozwól im wywołać emocję lub myśl. Obrazy figuratywne, tekst, kolory, znaki czy fizyczne pozostałości naszej kultury razem składają się na uczucie, które w dużej mierze zależy od nas. Obraz nie jest końcem historii. Gdyby tak było, rzeczywiście byłoby to mylące. Ale to tylko początek.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

Wygładź hałas

Wizualnie, prace Alberta Oehlen zostały zgrupowane z różnymi ruchami artystycznymi, takimi jak Neoekspresjonizm i Neue Wilde. Neoekspresjoniści odegrali kluczową rolę w ponownym wprowadzeniu figury w obliczu ruchów takich jak Ekspresjonizm Abstrakcyjny, Minimalizm i Sztuka Konceptualna. Neue Wilde, czyli dzika młodzież, łączyła abstrakcyjne i figuralne obrazy z żywymi kolorami i emocjonalnymi pociągnięciami pędzla. Na pierwszy rzut oka prace Oehlen często wydają się zawierać oba te elementy. Ale Oehlen zyskał także inny przydomek: wolny radykał. Ten tytuł zawdzięcza Oehlenowi, który upiera się, że nie należy do żadnego ruchu, a każda z jego prac powinna być rozpatrywana osobno i według własnej propozycji estetycznej.

Czym dokładnie są propozycje Oehlena, to otwarta rozmowa, której nie potrafi w pełni wyjaśnić nawet Oehlen. Wszystko, co jest oczywiste, to to, że stopniowo rozwijał unikalną wizję estetyczną, która wciąż ewoluuje. Używa wszelkich dostępnych mu narzędzi wizualnych, aby stworzyć coś, co wywoła uczucie w widzach. To wszystko jest piękne i dobre, przynajmniej w niektórych naszych umysłach. Ludzie mogą powiedzieć, że im się podoba lub że im się nie podoba. I co z tego? Nie można tego zrozumieć poprzez analizy faktów. Wszystko, co możemy powiedzieć na pewno, to to, że hałas etykiet, osądów i krytyki estetycznej naprawdę tylko przeszkadza w jego pracy. Jak niezliczone elementy, które Oehlen łączy w swoich dziełach, to wszystko jest hałasem. Poprzez swój nieprzewidywalny i otwarty proces, Oehlen po prostu stara się tworzyć dobre obrazy. Bierze skomplikowane elementy wizualnej atmosfery i wygładza je. Im bardziej możemy uprościć sposób, w jaki patrzymy na jego prace, tym prostsze się stają, a tym łatwiej jest dostrzec je jako piękne.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

Obraz wyróżniony: Albert Oehlen - Bez tytułu (szczegół), 1993. Olej na płótnie. © Albert Oehlen
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio