Odnajdywanie abstrakcji w neoekspresjonizmie

Badanie Neoekspresjonizmu może prowadzić w głąb króliczej nory. Istnieje niezliczona ilość wyjaśnień tego ruchu artystycznego z końca XX wieku. Każde z nich wydaje się różnić w swoim spojrzeniu, często w sprzecznych sposób, jakby nie istniała zgoda co do tego, czym Neoekspresjonizm naprawdę jest lub był. Niektórzy mówią, że zaczęło się w Niemczech; inni mówią, że we Włoszech; jeszcze inni, że w Stanach Zjednoczonych. Niektórzy twierdzą, że zaczęło się w latach 60.; inni mówią, że w latach 70. Niektórzy nazywają to naturalnym przedłużeniem niemieckiego ekspresjonizmu i ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Inni nazywają to reakcją przeciwko minimalizmowi. Jeszcze inni twierdzą, że nie był to autentyczny ruch artystyczny, lecz wynalazek rynku sztuki. Jednym punktem, co do którego prawie wszyscy się zgadzają, jest to, że Neoekspresjonizm był jednym z ostatnich mierzalnych globalnych ruchów artystycznych, które miały miejsce przed nadejściem tego, co powszechnie nazywamy postmodernizmem, kiedy to pluralizm artystyczny zyskał na znaczeniu, a cała wiedza i znaczenie zaczęły być postrzegane jako subiektywne. Oprócz tego, nasze zainteresowanie Neoekspresjonizmem leży wyłącznie w sztuce: w jej asocjacyjnych abstrakcyjnych cechach i w sposobie, w jaki przetrwała pytania o swoją wartość.

Prawda o ruchach artystycznych

Jeśli chodzi o pojęcie, że Neoekspresjonizm był wynalazkiem rynku sztuki, chcemy wyjaśnić, że był on dokładnie tak samo realny jak każda inna ruch w sztuce. Jedną z zabawnych kontrowersji dotyczących historii sztuki jest to, czy jakiekolwiek tzw. ruchy kiedykolwiek naprawdę istniały. Mit ruchu sugeruje, że w pewnych okresach czasu ważni artyści tworzyli tylko jeden rodzaj sztuki, a każdy artysta, który w tym czasie nie tworzył tego rodzaju sztuki, był uważany za nieistotnego. I chociaż może być prawdą, że w pewnych okresach czasu tylko niektóre style sztuki były popularne w akademickim świecie i na rynku, każdy, kto spojrzy poza te nisze w prawdziwy świat, szybko zdaje sobie sprawę, że wiele różnych rodzajów sztuki było nieprzerwanie tworzonych przez artystów wszędzie.

Niemniej jednak dzielimy historię sztuki na ruchy, mimo że możemy udowodnić, że Wassily Kandinsky i Kazimir Malevich nie wynaleźli abstrakcji, Jackson Pollock nie wynalazł malarstwa plakatowego, Paul Bilhaud nie namalował pierwszej monochromatycznej powierzchni dwuwymiarowej, a Julian Schnabel nie był pierwszym artystą, który stworzył mozaikę z potłuczonego talerza. Artyści zajmowali się wszystkimi tymi praktykami przez tysiące lat. Ale w pewnym momencie stały się one na nowo istotne. Jakiś krytyk, kurator, nauczyciel, sprzedawca sztuki lub kolekcjoner sztuki dostrzegł, że to, co robił jeden z tych artystów, było szczególnie ważne dla ich czasów i opisał oraz nazwał ich pozycję; nie dlatego, że było to całkowicie nowe, ale dlatego, że w tamtym momencie coś w tym wydawało się pomocne ludziom w ich poszukiwaniach tożsamości i sensu.

Julian Schnabel - Blue Nude with Sword, 1979, Oil, plates, bondo on wood, 96 x 108 in, © 2018 Julian Schnabel

Zdefiniowany neoekspresjonizm

Dokładne cechy, które sprawiły, że prace neoekspresjonistyczne wyróżniały się jako nowo istotne w swoim czasie, są trudne do opisania. Tendencje związane z tym ruchem pojawiły się jednocześnie w wielu różnych krajach, a każdy z zaangażowanych artystów miał wyraźnie osobisty styl. Niektórzy byli bardziej abstrakcyjni, a inni hiperrealistyczni. W Stanach Zjednoczonych ruch reprezentowali artyści tak różnorodni jak Jean-Michel Basquiat, Philip Guston i Julian Schnabel. W Włoszech, gdzie znany był pod terminem Transavanguardia, obejmował artystów takich jak Enzo Cucchi, Mimmo Paladino i Francesco Clemente. We Francji, gdzie ruch nazywano Figuration Libre, znaleźli się Remi Blanchard, Hervé Di Rosa i François Boisrond.

Ale najbardziej wpływowym neoekspresjonistą był Niemiec. Malarz Georg Baselitz uważany jest za ojca tego ruchu, a z jego prac możemy zyskać pewne pojęcie o tym, co stało się uznawane za cechy charakterystyczne stylu neoekspresjonistycznego. Te cechy obejmują powrót do bezpośredniego wyrażania realistycznego świata, odrzucenie tradycyjnych teorii kompozycji, połączenie ekspresjonistycznej figuracji i abstrakcyjnych gestualnych technik, prymitywną estetykę, skupienie na wyrażaniu tęsknoty i lęku oraz odnowioną akceptację idei opowiadania historii w sztuce.

Jean-Michel Basquiat - Fallen Angel, 1981, Acrylic and mixed media on canvas, © 2018 The Estate of Jean-Michel Basquiat

Korzenie neoekspresjonizmu

Nazwa Neoekspresjonizm odnosi się do figuracji i użycia farby, które przyjęli artyści niemieckiego ekspresjonizmu na przełomie wieku, tacy jak Edvard Munch i Vincent van Gogh. Artyści ci opracowali styl malarski, który charakteryzował się zniekształconymi obrazami, prymitywnymi technikami malarskimi i nierealistycznymi kolorami. Zamiast starać się tworzyć obrazy, które naśladowałyby rzeczywistość, niemieccy ekspresjoniści próbowali wyrazić coś głębszego o ludzkiej egzystencji: coś wewnętrznego, emocjonalnego, psychologicznego, uniwersalnego i abstrakcyjnego.

Zamiast pokazywać, jak wyglądała osoba na moście na początku XX wieku, Krzyk Edvarda Muncha wyraża terror, niepokój i zamęt poranka epoki przemysłowej. Artyści neoekspresjonistyczni, tacy jak Baselitz, Schnabel i Guston, podjęli podobne podejście, ale uczynili je istotnym dla zupełnie innego czasu. Wyrazili niepokoje i terror epoki globalizacji, technologii, podróży kosmicznych, nieustannej wojny, urbanizacji, niekończących się konfliktów społecznych, eksplozji populacji oraz ogólnego poczucia bezsensu jednostki w hałaśliwej, nadmiernie stymulowanej kulturze.

Philip Guston - Painter in Bed, 1973, Oil on canvas, 59 5/8" x 8' 8 1/4", 151.4 x 264.8 cm, MoMA Collection, Gift of Edward R. Broida, © 2018 The Estate of Philip Guston

Abstrakcja w neoekspresjonizmie

Ponieważ obrazowanie Neoekspresjonizmu jest często figuratywne, można je łatwo zignorować jako źródło abstrakcji. Jednak jednym z trwałych dziedzictw Neoekspresjonizmu jest to, że poszerzył nasze zrozumienie tego, czym może być sztuka abstrakcyjna. Niemiecki artysta ekspresjonistyczny Ernst Ludwig Kirchner kiedyś opisał, co oznacza być ekspresjonistą. Powiedział: „Każdy, kto bezpośrednio i szczerze oddaje to, co go popycha do tworzenia, jest jednym z nas.” Podczas gdy niektóre ruchy sztuki abstrakcyjnej, takie jak sztuka konkretna, dążyły do bycia bezpośrednimi, większość wczesnej sztuki abstrakcyjnej dążyła do pozycji otwartej lub niejednoznacznej. Neoekspresjonizm zdołał być zarówno otwarty, jak i bezpośredni. Włączył szeroki zakres tematów i technik oraz udowodnił, że figuracja może być również odczytywana jako abstrakcyjna.

Jednym z najczęściej komunikowanych abstrakcyjnych pomysłów w dziełach neoekspresjonistycznych jest pojęcie upadku nowoczesności w starożytność. Elementy prymitywizmu łączą się z nowoczesnym symbolem, wskazując na jednoczesne przyciąganie w stronę przeszłości i przyszłości. W obrazie Cordoba włoskiego artysty Transavanguardia Mimmo Paladino widzimy dwie postacie zmagające się w klaustrofobicznej, niepokojącej przestrzeni wypełnionej odniesieniami do sztuki starożytnej, sztuki ekspresjonistycznej i abstrakcji. Obraz zawiera abstrakcyjne formy geometryczne, pola kolorów, monochromatyczne odniesienia, przekazując poczucie uwięzienia w czasie otoczonego mitami przeszłości, bez innej opcji jak walka.

Mimmo Paladino - Cordoba, 1984, olej na płótnie, 300,0 x 400,0 cm, Kolekcja Galerii Sztuki NSW, © Mimmo Paladino

Abstrakcja przez skojarzenie

Jednym z najskuteczniejszych sposobów, w jakie malarze neoekspresjonistyczni wykorzystywali abstrakcję, było posługiwanie się asocjacją. Zasadniczo asocjacja to moment, w którym pozwalamy naszym umysłom podążać za jedną myślą do drugiej w nieliniowy sposób, co prowadzi do powstania idei, które są osobiste i nieprzewidywalne. W życiu losowe asocjacje mogą wystąpić w każdej chwili, wywołane nieskończonymi doznaniami sensorycznymi.

Malarze neoekspresjonistyczni używali abstrakcji asocjacyjnej, aby zasugerować głębsze interakcje z ich sztuką. Patrząc na ich obrazy, wywoływane są skojarzenia przez kolory, tekstury, kształty, obrazy i symbole, tworząc narracyjne lub mitologiczne odniesienia w dziele. Abstrakcja asocjacyjna usuwa pojęcie, że aby dzieło sztuki mogło być uznane za abstrakcyjne, musi być nieobiektywne. Powiększa pojęcie abstrakcji i pokazuje, że nawet w dużej mierze realistyczny obraz może wywoływać skojarzenia, które mogą być postrzegane jako abstrakcyjne.

Koniec opowieści

Patrząc wstecz na narodziny Modernizmu, niektórzy mogliby powiedzieć, że sposób myślenia tych wczesnych Modernistów wydaje się uroczy. Cała idea, że świat może być odnowiony przez artystów, brzmi trochę utopijnie i naiwne. Ale Moderniści wierzyli w narrację historii i w to, że możliwe jest zmienienie świata w sposób, który nie był wcześniej próbowany. Wierzyli również, że nowość i zmiana koniecznie prowadzą do lepszego świata. To była ta dominująca narracja, że historia jest liniowa i logiczna oraz że można ją rozwijać w postępowy sposób, która doprowadziła do Modernizmu i do każdego ruchu artystycznego, który stał się jego częścią.

Wielu ludzi uważa, że Neoekspresjonizm to koniec tej historii. Łączył aspekty wielu wcześniejszych ruchów. Łączył abstrakcję i figurację. Powracał do przeszłości, zamiast ściśle starać się być nowym. I przedstawiał przekonujący argument, że tak naprawdę istnieje niewiele, jeśli w ogóle, różnic między teraźniejszością a przeszłością. Pokazał, że każda podział i postęp związany z modernizmem mógł być fałszywy. Nauczył nas, że sztuka jest bezpośrednia, że sztuka jest ekspresyjna i że sztuka jest zasadniczo abstrakcyjna. W ten sposób zakończył dzieło modernizmu. Torował drogę dla pluralizmu, który widzimy w dzisiejszym świecie sztuki, oraz dla idei, że każdy ruch artystyczny i każda estetyczna pozycja mogą potencjalnie istnieć jednocześnie i być równie istotne w każdym czasie.

Obraz wyróżniony: Georg Baselitz - Chór Brucke (szczegół), 1983, Olej na płótnie, © Georg Baselitz
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio