Czy możemy znaleźć element abstrakcyjny w niemieckiej sztuce ekspresjonistycznej?

Ciemne. Pełne niepokoju. Przerażające. Pierwotne. Surowe. To niektóre z określeń, których ludzie używają, opisując niemiecką ekspresjonistyczną sztukę. Aby zobrazować, co mają na myśli, wyobraź sobie Krzyk, słynny obraz wielokrotnie odtwarzany przez norweskiego artystę Edvarda Muncha od 1893 roku. Ten zniekształcony, pełen emocji, przerażająco piękny obraz ucieleśnia wiele powodów, dla których Munch był główną inspiracją dla niemieckich malarzy ekspresjonistycznych. Kim więc byli ci artyści i co skłoniło ich do rozwinięcia tak złowrogiej estetyki? Może ciekawszym pytaniem byłoby, czy ich estetyka jest naprawdę tak złowroga, jak się wydaje. Wielu ludzi uważa obrazy niemieckich ekspresjonistów za nawiedzające i poruszające. Niektórzy nawet uważają, że odsłaniają one ludzkiego ducha. Być może w niemieckiej sztuce ekspresjonistycznej są elementy abstrakcyjne, które, gdybyśmy mogli z nimi obcować, mogłyby prowadzić nas do głębszego zrozumienia znaczenia tych dzieł. Niewiele ruchów artystycznych miało tak duży wpływ jak ekspresjonizm, którego tendencje wielokrotnie pojawiały się w innych nurtach w historii sztuki nowoczesnej. Jeśli poszerzymy nasze rozumienie niuansów i źródeł tego fascynującego ruchu, możemy lepiej zrozumieć także ekspresjonizm abstrakcyjny, neoekspresjonizm oraz niektóre współczesne kierunki w sztuce. Możemy nawet nauczyć się czegoś istotnego o nas samych.

Tak bardzo romantyczny

Niemiecki ekspresjonizm był ruchem artystycznym XX wieku, trwającym mniej więcej od 1905 do 1920 roku. Aby jednak zrozumieć jego korzenie, musimy się cofnąć nieco dalej. Wiele z najgłębszych przemian w historii sztuki zachodniej rozpoczęło się w połowie XIX wieku. Przyczynę można ująć w dwóch słowach: rewolucja przemysłowa. Przed około 1760 rokiem większość ludzi na Zachodzie prowadziła życie wiejskie lub rzemieślnicze. Pracowali na roli lub w zawodach niemaszynowych. Jednak w ciągu około 90 lat, między 1760 a 1850 rokiem, ta długoletnia rzeczywistość życia zmieniła się radykalnie dzięki szybkiemu rozwojowi technologii i maszyn.

Do połowy XIX wieku zmiany w procesach chemicznych i produkcyjnych sprawiły, że większość siły roboczej rolniczej i rzemieślniczej stała się zbędna. Jednocześnie działalność przemysłowa w miastach rosła wykładniczo. W stopniu nigdy wcześniej niespotykanym ludność przeniosła się ze wsi do miast, a wraz z tym zmienił się radykalnie styl życia przeciętnego człowieka. Były korzyści, takie jak czysta woda oraz przystępne cenowo jedzenie i ubrania, ale także wyzwania, jak zanieczyszczenie i przeludnienie. Najbardziej burzliwa była egocentryczność miejskiego życia, która zmieniła sposób, w jaki zwykli ludzie odnosili się do siebie nawzajem.

Egon Schiele - Autoportret z czarnym wazonem i rozłożonymi palcami, 1911, 34 x 27,5 cm, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń, Austria

Artystyczne wrażenia

Pierwszym ruchem artystycznym wyłaniającym się z rewolucji przemysłowej był romantyzm. Powstał, gdy dziesiątki milionów nowych mieszczan uświadomiły sobie, że tęsknią za sielskimi, rolniczymi zwyczajami swoich przodków. Romantyczni artyści ukazywali piękno świata przyrody i wdzięk minionych czasów. Po romantykach przyszli impresjoniści. Ci artyści również skupiali się na nieco idyllicznych tematach, ale stylistycznie podjęli odważne kroki w kierunku tego, co ostatecznie stało się abstrakcją. Zamiast malować precyzyjnie realistyczne obrazy, stosowali nowe techniki i wyolbrzymiali palety barw, aby pięknie i mistrzowsko oddać wrażenie swoich tematów, ze szczególnym naciskiem na uchwycenie jakości światła.

Jednak na przełomie wieku pojawiło się kolejne pokolenie artystów, które nie miało żadnego związku z rolniczą przeszłością i nie pragnęło kontynuować istniejących tradycji estetycznych. Były to dzieci dzieci rewolucji przemysłowej. Byli całkowicie wyobcowani z idealistycznego świata, który impresjoniści, nie mówiąc już o romantykach, starali się przedstawiać. Ci artyści byli pełni niepokoju. Ich obrazy nie ukazywały obiektywnego świata zewnętrznego. Wyrażały raczej subiektywny, wewnętrzny świat emocji i doświadczeń życiowych.

Oskar Kokoschka - Panna młoda wiatru, 1913 - 1914, olej na płótnie, 181 cm × 220 cm, Kunstmuseum Basel

Niemieccy ekspresjoniści

Te subiektywne doświadczenia życiowe były zdominowane przez niepokój, strach, oderwanie od natury i wyobcowanie z innych ludzi. Ponieważ to doświadczenie było powszechne w całym uprzemysłowionym świecie, różne wersje tendencji ekspresjonistycznej pojawiły się w różnych krajach mniej więcej w tym samym czasie. Niemniej jednak, gdy większość historyków mówi o ekspresjonizmie, ma na myśli przede wszystkim niemiecki ekspresjonizm, ponieważ artyści, którzy ustanowili większość ważnych trendów estetycznych tego ruchu, żyli lub pracowali w Niemczech w szczytowym okresie.

Szukając abstrakcyjnych tendencji w dziełach tych niemieckich ekspresjonistów, warto przeanalizować dwóch malarzy, którzy wywarli na nich największy wpływ. Pierwszym, jak wspomnieliśmy wcześniej, był Edvard Munch. Jego bujny, ciemny, dramatyczny i bardzo sugestywny styl malarski uchwycił wyobcowaną wrażliwość życia miejskiego na przełomie wieku. Jego przesadzone gesty i skrajna paleta barw wzbudzały emocje u widzów i łączyły ich z uczuciami malarza. Drugim malarzem, który inspirował ekspresjonistów, był Gustav Klimt, ale w inny sposób. Klimt był pod wpływem symbolistów. W swoich pracach używał mitycznych, koszmarnych postaci i wprowadzał mroczne, symboliczne obrazy. Jego płótna zawierały duże pola abstrakcyjnych obrazów, a elementy figuratywne były mocno zniekształcone, by maksymalizować dramatyzm i emocje.

Gustav Klimt - Trzy wieki kobiety, 1905, olej na płótnie, 1,8 m x 1,8 m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rzym, Włochy

Most

Ostatecznie wyłoniły się dwie główne szkoły niemieckiego ekspresjonizmu, które odzwierciedlały różne wpływy Muncha i Klimta. Pierwszą była grupa czterech początkujących malarzy: Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff i Fritz Bleyl, którzy nazwali się Mostem. Ich nazwa została zaczerpnięta z cytatu z książki Tak mówił Zaratustra: Księga dla wszystkich i dla nikogo Friedricha Nietzschego, który brzmi: „Wielkie w człowieku jest to, że jest mostem, a nie celem.”

Zniekształcona figuracja i skrajne palety barw łączyły artystów Mostu; bezpośrednie wpływy Edvarda Muncha. Postaci w drzeworytach Ericha Heckla są odizolowane, stoickie i odłączone. Ich surowe twarze wydają się zwierzęce. Wyglądają jak chodzące szkielety. W szokujących, neonowych, miejskich pejzażach Ernsta Kirchnera wszystkie postaci są odizolowane, anonimowe, samotne w swojej walce, z wyjątkiem prostytutek, które wydają się szczęśliwe, ale reprezentują ostateczną komercjalizację i zniszczenie ludzkiego ducha.

Ernst Ludwig Kirchner - Ulica, Berlin, 1913, olej na płótnie, 120,6 x 91,1 cm, kolekcja MoMA

Niebiescy Jeźdźcy

Drugą główną grupą niemieckich ekspresjonistów byli Niebiescy Jeźdźcy. W skład grupy wchodzili Wassily Kandinsky, Franz Marc i Paul Klee oraz kilku innych. Nazwa pochodziła od postaci z obrazu Kandinsky’ego zatytułowanego Ostatni sąd. Obraz został odrzucony z wystawy ze względu na abstrakcyjną treść, więc Kandinsky użył go jako symbolicznego odniesienia.

Na obrazie Niebieski Jeździec symbolizował przejście od świata obiektywnego do mistycznego, które Kandinsky widział jako analogiczne do przejścia, które on i inni próbowali osiągnąć swoją sztuką. Malarze Niebieskiego Jeźdźca mniej polegali na formie i figuracji, a bardziej na cechach formalnych, takich jak kolor, aby przekazać stany emocjonalne. Ich kompozycje były dramatyczne, żywe i chaotyczne. Przekazywały poczucie przemocy i niepokoju, ale także sugerowały kosmiczny blask i ukryte harmonie sfery duchowej.

Wassily Kandinsky - Ostatni sąd, 1912, olej na płótnie, kolekcja prywatna

Abstrakcja w ekspresjonizmie

Wyraźnie wielu niemieckich ekspresjonistów w pełni przyjęło abstrakcję w swojej twórczości. Oddzielili kolor, formę i linię od obiektywnej reprezentacji, używając ich do przekazywania stanów emocjonalnych i wywoływania emocjonalnych reakcji u widzów. Ale co możemy powiedzieć o abstrakcyjnym w bardziej figuratywnej twórczości ekspresjonistów? Jednym z abstrakcyjnych elementów jest z pewnością redukcyjna cecha ich obrazów. Wszystko, co nie jest niezbędne do kompozycji, zostaje pominięte. To bezpośrednio wyraża niepokój początku XX wieku. Przemysł i wojna sprawiły, że wielu ludzi czuło, iż ludzkość to tylko masa anonimowych, groteskowych, cieniopodobnych postaci. Każdy niepotrzebny zdawał się znikać. Być może to właśnie mają na myśli ludzie, mówiąc, że niemiecka sztuka ekspresjonistyczna jest ciemna, pełna niepokoju, przerażająca, pierwotna lub surowa.

Ale inny abstrakcyjny element niemieckiego ekspresjonizmu przekazuje przeciwny przekaz. Ten element emanuje z wirujących pociągnięć pędzla i zakodowanych, symbolicznych obrazów. Wiele postaci na tych obrazach zdaje się być pochłoniętych przez świat bez znaczenia. Są w ruchu, ale otoczone niepewnością. A jednak są pełne emocji. To coś przekazuje, choć tylko abstrakcyjnie. Mówi, że emocje pojedynczej osoby mają znaczenie. Niezależnie od tego, czy jest to emocja malarza, jak w obrazach Wassily’ego Kandinsky’ego i Franza Marca, czy emocje postaci na obrazie, jak u Edvarda Muncha, Ericha Heckla i Ernsta Kirchnera, ekspresjoniści przekazywali, że mimo tendencji nowoczesności do odczłowieczania nas, indywidualny duch ludzki ma znaczenie. To jest niezłomność. To wiara, że wyrażanie siebie zawsze ma sens. To zainspirowało ekspresjonistów abstrakcyjnych i neoekspresjonistów, i nadal inspiruje artystów dzisiaj. I to właśnie miał na myśli Ernst Kirchner, mówiąc o ekspresjonistach: „Każdy, kto bezpośrednio i szczerze oddaje to, co go popycha do tworzenia, jest jednym z nas.”

Zdjęcie główne: Edvard Munch - Krzyk, 1893, olej, tempera i pastel na tekturze, 91 cm × 73,5 cm, Galeria Narodowa, Oslo, Norwegia
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio