Czy możemy znaleźć element abstrakcyjny w niemieckiej sztuce ekspresjonistycznej?

Ciemny. Lękliwy. Przerażający. Prymitywny. Surowy. To niektóre z słów, których ludzie używają, aby opisać niemiecką ekspresjonistyczną sztukę. Aby zobrazować, co mają na myśli, wyobraź sobie Krzyk, słynny obraz wielokrotnie odtwarzany przez norweskiego artystę Edvarda Muncha od 1893 roku. Ten zniekształcony, emocjonalny, przeraźliwie piękny obraz ucieleśnia wiele powodów, dla których Munch był główną inspiracją dla niemieckich malarzy ekspresjonistycznych. Kim byli ci artyści i co skłoniło ich do rozwoju tak ponurej estetyki? Może ciekawszym pytaniem byłoby, czy ich estetyka jest naprawdę tak ponura, jak się wydaje. Wiele osób uważa obrazy niemieckich ekspresjonistów za nawiedzające i sugestywne. Niektórzy nawet uważają je za odkrywające ludzkiego ducha. Być może w niemieckiej sztuce ekspresjonistycznej istnieją abstrakcyjne elementy, które, gdybyśmy mogli z nimi interagować, mogłyby prowadzić nas do głębszego zrozumienia znaczenia tych dzieł. Niewiele ruchów artystycznych miało tak duży wpływ jak ekspresjonizm, którego tendencje wielokrotnie pojawiały się w innych ruchach w nowoczesnej historii sztuki. Jeśli możemy poszerzyć nasze zrozumienie niuansów i źródeł tego fascynującego ruchu, możemy również lepiej zrozumieć ekspresjonizm abstrakcyjny, neoekspresjonizm i niektóre obecne rozwój w sztuce współczesnej. Może nawet będziemy w stanie nauczyć się czegoś istotnego o sobie.

Tak bardzo romantyczne

Ekspresjonizm niemiecki był ruchem artystycznym XX wieku, datowanym na lata 1905-1920. Aby jednak zrozumieć jego korzenie, musimy spojrzeć nieco dalej wstecz. Wiele z najgłębszych zmian w historii sztuki zachodniej zaczęło się w połowie XIX wieku. Powód można podsumować w dwóch słowach: Rewolucja Przemysłowa. Przed około 1760 rokiem większość ludzi w zachodnim świecie prowadziła życie wiejskie lub rzemieślnicze. Pracowali albo na ziemi, albo w rzemiośle, które nie było zmechanizowane. Jednak w ciągu 90-letniego okresu między mniej więcej 1760 a 1850 rokiem, ta długoletnia rzeczywistość życia zmieniła się dramatycznie dzięki szybkiemu postępowi technologii i maszyn.

W połowie XIX wieku zmiany w procesach chemicznych i produkcyjnych sprawiły, że większość siły roboczej w rolnictwie i rzemiośle stała się nieaktualna. Jednak działalność przemysłowa w miastach rosła w sposób wykładniczy. W stopniu nigdy wcześniej nie widzianym, populacja przeniosła się z obszarów wiejskich do miast, a wraz z tym styl życia typowego człowieka zmienił się w radykalny sposób. Były korzyści, takie jak czysta woda oraz przystępne ceny żywności i odzieży, ale także wyzwania, takie jak zanieczyszczenie i przeludnienie. Najbardziej zakłócające było egoistyczne nastawienie miejskiego życia, które zmieniło sposób, w jaki przeciętni ludzie odnosili się do siebie.

Egon Schiele - Self-Portrait with Black Vase and Spread Fingers, 1911, 34 x 27.5 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Artystyczne Wrażenia

Pierwszy ruch artystyczny wyłaniający się z rewolucji przemysłowej to romantyzm. Powstał, gdy dziesiątki milionów nowych mieszkańców miast zdały sobie sprawę, że pragną sielskich, agrarnych sposobów życia swoich przodków. Artyści romantyczni przedstawiali piękno świata naturalnego i elegancję minionych czasów. Po romantykach przyszli impresjoniści. Ci artyści również koncentrowali się na dość idyllicznych tematach, ale stylistycznie zrobili odważne kroki w kierunku tego, co ostatecznie stało się abstrakcją. Zamiast malować precyzyjnie realistyczne obrazy, używali nowych technik i wyolbrzymiali swoje palety kolorów, aby pięknie i mistrzowsko oddać wrażenie swoich tematów, ze szczególnym naciskiem na uchwycenie cech światła.

Ale na przełomie wieku pojawiła się kolejna generacja artystów, która nie miała żadnego związku z agrarną przeszłością i nie pragnęła kontynuować istniejących tradycji estetycznych. Byli to dzieci dzieci Rewolucji Przemysłowej. Byli całkowicie odizolowani od jakiegokolwiek idealistycznego świata, który impresjoniści, nie mówiąc już o romantykach, starali się reprezentować. Ci artyści byli pełni lęku. Ich obrazy nie przedstawiały obiektywnego zewnętrznego świata. Raczej wyrażały subiektywny wewnętrzny świat emocji i doświadczeń życiowych.

Oskar Kokoschka - Panna Młoda Wiatru, 1913 - 1914, Olej na płótnie, 181 cm × 220 cm (71 in × 87 in), Kunstmuseum Basel

Ekspresjoniści niemieccy

Te subiektywne doświadczenia życiowe były zdominowane przez lęk, strach, oderwanie od natury i alienację od innych ludzi. Ponieważ to doświadczenie było wszechobecne w zindustrializowanym świecie, różne wersje tendencji ekspresjonistycznej manifestowały się w różnych krajach, mniej więcej w tym samym czasie. Niemniej jednak, gdy większość historyków odnosi się do ekspresjonizmu, najpierw mają na myśli niemiecki ekspresjonizm, ponieważ artyści, którzy ustanowili większość ważnych trendów estetycznych tego ruchu, żyli lub pracowali w Niemczech w szczytowym okresie.

Kiedy szukamy abstrakcyjnych tendencji w twórczości niemieckich ekspresjonistów, pomocne jest przeanalizowanie dwóch malarzy, którzy mieli na nich największy wpływ. Pierwszym, jak wspomnieliśmy wcześniej, był Edvard Munch. Jego bujny, ciemny, dramatyczny i wysoce sugestywny styl malarski uchwycił wyalienowaną wrażliwość życia miejskiego na przełomie wieku. Jego wyolbrzymione gesty i ekstremalna paleta kolorów wzbudzały emocje u widzów i łączyły ich z uczuciami malarza. Gustav Klimt był drugim malarzem, który inspirował ekspresjonistów, ale uczynił to w inny sposób. Klimt był pod wpływem symbolistów. W swojej twórczości używał mitycznych, koszmarnych postaci i wplatał mroczne, symboliczne obrazy. Jego płótna zawierały duże pola abstrakcyjnych obrazów, a elementy figuralne były rażąco zniekształcone, aby maksymalizować dramat i emocje.

Gustav Klimt - The Three Ages of Woman, 1905, Oil on canvas, 1.8m x 1.8m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, Italy

Most

Dwie główne szkoły niemieckiego ekspresjonizmu ostatecznie się wyłoniły, a ich wpływy odzwierciedlały różnorodne inspiracje Munch'a i Klimta. Pierwsza z nich to grupa czterech aspirujących malarzy: Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff i Fritz Bleyl, którzy nazwali się Mostem. Ich nazwa została zainspirowana cytatem z książki Tak mówił Zaratustra: Książka dla wszystkich i nikogo autorstwa Friedricha Nietzschego, który brzmi: „Co jest wielkie w człowieku, to że jest mostem, a nie celem.”

Zniekształcona figura i ekstremalne palety kolorów zjednoczyły artystów z Grupy Brücke; bezpośrednie wpływy Edvarda Muncha. Postacie w drzeworytach Ericha Heckela są odizolowane, stoickie i odłączone. Ich brutalne twarze wydają się zwierzęce. Wyglądają jak chodzące szkielety. W szokujących, neonowych, miejskich krajobrazach Ernsta Kirchnera wszystkie postacie są odizolowane, anonimowe, samotne w swojej walce, z wyjątkiem prostytutek, które wydają się szczęśliwe, ale które reprezentują ostateczną komercjalizację i zniszczenie ludzkiego ducha.

Ernst Ludwig Kirchner - Ulica, Berlin, 1913, Olej na płótnie, 47 1/2 x 35 7/8 in, 120.6 x 91.1 cm, Kolekcja MoMA

Błękitni Jeźdźcy

Inna główna grupa niemieckich ekspresjonistów nazywała się Niebieski Jeździec. W jej skład wchodzili Wassily Kandinsky, Franz Marc i Paul Klee, wśród kilku innych. Nazwano ją na cześć postaci z obrazu Kandinsky'ego zatytułowanego Ostatni Sąd. Obraz został odrzucony z wystawy z powodu swojej abstrakcyjnej treści, dlatego Kandinsky przywołał ten obraz jako symboliczne odniesienie.

W obrazie, Niebieski Jeździec symbolizował przejście od obiektywnego do mistycznego świata, co Kandinsky postrzegał jako analogiczne do przejścia, które on i inni próbowali osiągnąć swoją sztuką. Malarze Niebieskiego Jeźdźca polegali mniej na formie i figuracji, a bardziej na cechach formalnych, takich jak kolor, aby przekazać stany emocjonalne. Ich kompozycje były dramatyczne, żywe i chaotyczne. Komunikowały poczucie przemocy i lęku, ale także sugerowały kosmiczną wspaniałość i leżące u podstaw harmonii duchowego królestwa.

Wassily Kandinsky - Ostateczny Wyrok, 1912, Olej na płótnie, Kolekcja prywatna

Abstrakcja w ekspresjonizmie

Wyraźnie wielu niemieckich ekspresjonistów w pełni przyjęło abstrakcję w swojej pracy. Rozwiedli kolor, formę i linię z obiektywnej reprezentacji, używając ich do przekazywania stanów emocjonalnych i wywoływania emocjonalnych reakcji u widzów. Ale co możemy powiedzieć, że jest abstrakcyjne w bardziej figuratywnej pracy ekspresjonistycznej? Jednym z abstrakcyjnych elementów jest z pewnością redukcyjna jakość ich obrazów. Wszystko, co nie jest konieczne do kompozycji, znika. To bezpośrednio wyraża niepokój wczesnego XX wieku. Przemysł i wojna sprawiły, że wielu ludzi czuło, że ludzkość to tylko masa anonimowych, groteskowych, cieniowych ludzi. Każdy, kto był zbędny, wydawał się znikać. Może to właśnie mają na myśli ludzie, gdy mówią, że sztuka niemieckiego ekspresjonizmu jest ciemna, niepokojąca, przerażająca, prymitywna lub prosta.

Ale inny abstrakcyjny element niemieckiego ekspresjonizmu wysyła przeciwny komunikat. Ten element emanuje z wirujących pociągnięć pędzla i zakodowanej, symbolicznej ikonografii. Tak wiele postaci w tych obrazach wydaje się pochłoniętych światem bez znaczenia. Są w ruchu, ale otoczone niepewnością. A jednak są emocjonalne. To coś komunikuje, choć tylko w sposób abstrakcyjny. Mówi, że emocje jednej osoby mają znaczenie. Niezależnie od tego, czy to emocje malarza, jak w obrazach Wassily'ego Kandinsky'ego i Franza Marca, czy emocje postaci w dziele, jak w obrazach Edvarda Muncha, Ericha Heckela i Ernsta Kirchnera, ekspresjoniści komunikowali, że mimo tendencji nowoczesności do sprawiania, że czujemy się zdehumanizowani, indywidualny ludzki duch ma znaczenie. To jest nieugiętość. To przekonanie, że wyrażanie siebie jest zawsze istotne. To, co inspirowało ekspresjonistów abstrakcyjnych i neoekspresjonistów, i co nadal inspiruje artystów dzisiaj. I to, co Ernst Kirchner miał na myśli, mówiąc o ekspresjonistach: "Każdy, kto bezpośrednio i szczerze oddaje to, co go popycha do tworzenia, jest jednym z nas."

Obraz wyróżniony: Edvard Munch - Krzyk, 1893, olej, tempera i pastel na tekturze, 91 cm × 73,5 cm, 36 in × 28,9 in, Narodowa Galeria, Oslo, Norwegia
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio