Późny abstrakcyjny ekspresjonizm w dziełach Sama Francisa

Niektórzy twierdzą, że dla prawdziwych artystów tworzenie sztuki nie jest wyborem; to przymus. Tworzą dzieła niezależnie od tego, czy otrzymują za to zapłatę, czy są ignorowani. Innymi słowy, artyści tworzą, ponieważ nie potrafią nie tworzyć. Choć brzmi to poważnie, Sam Francis uważał, że związek między artystami a tworzeniem sztuki jest jeszcze bardziej intensywny. Postrzegał tworzenie sztuki nie jako coś, co artysta robi, lecz jako coś, co po prostu jest, ponieważ artysta istnieje. Powiedział: „artysta jest swoim dziełem i przestaje być człowiekiem.” Dla Francisa oddzielenie sztuki od artysty było tak samo niemożliwe, jak oddzielenie deszczu od chmury. Deszcz to chmura. Sztuka to artysta. Nie ma rozdzielenia. Są jednością.

Ciemność to tylko kolor

Patrząc wstecz na historię Abstrakcyjnego Ekspresjonizmu, szybko staje się jasne, że artyści związani z początkami tego nurtu byli głęboko pod wpływem lęków swoich czasów. Byli pokoleniem naznaczonym cierpieniem i poświęceniem, nawiedzanym przez okropności wojny i strach przed bombą atomową. Poprzez swoje dzieła usilnie próbowali nawiązać kontakt z podświadomością i wyrazić swoje wewnętrzne stany bytu. Ciemność ich czasów często jest widoczna w ich sztuce, zarówno w palecie barw, jak i w niepokoju gestów, form, faktur czy kompozycji. Jednak te same dzieła są także objawiające, prowadząc widzów do doświadczenia transcendentnych, kontemplacyjnych stanów świadomości. Czy więc naprawdę wyrażają ciemność?

Sam Francis jest kojarzony z drugim pokoleniem abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Zyskał sławę po włączeniu do wystawy 12 Amerykańskich Artystów w MoMA w 1956 roku, tym samym roku, w którym zmarł Jackson Pollock, czołowa postać wczesnego nurtu. Francis zaczął malować w szpitalu podczas rekonwalescencji po urazie kręgosłupa, którego doznał jako pilot myśliwski w czasie II wojny światowej. Po wojnie wrócił na studia w swojej rodzinnej Kalifornii, zdobywając tytuł magistra na UC Berkeley w 1950 roku. Tam poznał kilku malarzy pierwszego pokolenia abstrakcyjnego ekspresjonizmu, w tym Marka Rothko, który wówczas wykładał w California School of Fine Arts w San Francisco. Francis czerpał inspirację z ich skupienia na byciu i stawaniu się oraz z ich zaangażowania w poszukiwanie autentycznego ja.

Sam Francis - Bez tytułu, 1959, gwasz na papierze, 11,5 x 36 cm. © Fundacja Sam Francis

Związek ciemności i światła

Dla Sama Francisa ciemność i światło nie były siłami przeciwstawnymi. Były siłami uzupełniającymi się, a może nawet zmiennymi przejawami tej samej cechy. Powiedział kiedyś: „wzrost światła powoduje wzrost ciemności.” Czy miał na myśli, że światło i ciemność są jednością? A może mówił o tym, jak światło rzuca cień, czyli im jaśniejsze światło, tym ciemniejszy cień rzuca? A może odnosił się do oświecenia i metafizycznego wpływu uświadomienia sobie, że im więcej się uczymy, tym bardziej zdajemy sobie sprawę, jak mało wiemy?

Mógł nie mieć na myśli żadnej z tych rzeczy. Powiedział też: „Kolor rodzi się z przenikania światła i ciemności.” Możliwe więc, że mówił po prostu o kontrastach i o tym, jak biała przestrzeń na płótnie wyraża ciemność farby. W każdym razie jego wypowiedzi oferują przynajmniej subtelny punkt widzenia, z którego można interpretować pozorną ciemność nurtu abstrakcyjnego ekspresjonizmu w ogóle. Dają też punkt wyjścia do zrozumienia, jak sam zmierzył się z ciemnością, światłem i kolorem w swoich obrazach.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © Fundacja Sam Francis

12 Amerykańskich Malarzy

Francis pokazał siedem obrazów na swojej przełomowej wystawie grupowej w MoMA. Były ogromne. Najmniejszy miał ponad sześć stóp wysokości, a największy ponad dwanaście stóp na dziesięć stóp. Wszystkie obrazy nosiły nazwy kolorów: Blue Black, Yellow, Big Red, Black in Red, Red in Red, Gray, oraz Deep Orange on Black. Każdy z tych obrazów miał wspólną estetykę, która ustanowiła Francisa jako malarza o wyraźnym stylu wizualnym. Składały się z warstw biomorficznych form wzbogaconych o niepowstrzymane kapanie farby.

Te płótna otaczają widzów kompozycjami. Głos dzieł redefiniuje słowo kompozycja, skupiając się mniej na układzie elementów estetycznych, a bardziej na tym, co znaczy czuć się złożonym. Emitują poczucie kontroli, pewności i harmonii. Przekazują wrażenie, że wszystko, co konieczne do zrozumienia obrazu, mieści się w przestrzeni płótna. A jednak ich zmysłowa, osobista natura zaprasza nas do głębszego odkrywania tego, co jeszcze pozostaje ukryte.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, olej na płótnie. © Fundacja Sam Francis

Ograniczenie

Ledwie Sam Francis stał się znany ze swojego unikalnego stylu, poszedł dalej. Poszerzył swoją paletę barw o żywe, czyste kolory. Eksplorował wiele podejść do kompozycji, w tym biomorficzne przedstawienia w serii prac zwanej Blue Balls, które zawierają wyraźne niebieskie kule, inspirowane jego walką z chorobą nerek. W połowie lat 60. wypracował kolejny wyraźny idiom estetyczny, charakteryzujący się kolorowymi pociągnięciami pędzla na krawędziach obrazów otaczających niemal pustą białą przestrzeń w środku.

Te prace mówią bezpośrednio i z wdziękiem o pojęciach, które Francis wyrażał na temat jasności i ciemności. Zwiększona biała przestrzeń, czyli jasność, wzmacnia wyraz ciemności przekazywanej przez kolor. Kolor jest zminimalizowany, a jednak definiuje obraz. Te obrazy przeczą wszechobecnej naturze wielu dzieł abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Mówią o nicości i sile niuansu oraz zwracają uwagę na to, co nie jest wyrażone.

Sam Francis - Bez tytułu, 1965, gwasz na papierze (po lewej) oraz Sam Francis - Bez tytułu (SF-106A), 1969, litografia (po prawej). © Fundacja Sam Francis

Bez ograniczeń

Przez większość swojej kariery Francis unikał nowojorskiej sceny artystycznej, woląc żyć i pracować w Paryżu, Tokio i Kalifornii. Nie był ograniczony modami. Stosował techniki związane z malarstwem akcji, takie jak kapanie, wylewanie i rozpryskiwanie farby, a także używał barwienia i tradycyjnych pędzli. Tworzył odbitki, litografie i monotypie, pracując na różnych materiałach i powierzchniach. Nieustannie rozwijał swój styl kompozycyjny. W latach 70. i 80. często włączał do swoich obrazów formy geometryczne, a czasem nawet malował geometryczne prace o ostrych krawędziach.

Najczęściej pamiętany jest z jaskrawo kolorowych obrazów rozpryskowych, które tworzył w latach 80. Ich stosowanie technik dawno porzuconych przez wielu innych malarzy jego pokolenia wyróżniało je zdecydowanie. Ich prymitywne cechy rozmawiały z neoekspresjonistycznymi dziełami malarzy takich jak Basquiat. Paleta kolorów nawiązywała do Pop Artu i chicagowskich imagistów. A ich obrazowość przywoływała historię sztuki abstrakcyjnej, przypominając malarzy takich jak Miro, Calder i Gorky.

Sam Francis - Bez tytułu, 1983, monotypia (po lewej) oraz Sam Francis - Bez tytułu (SF-330), 1988, litografia na papierze czerpanym (po prawej). © Fundacja Sam Francis

Poza drugie pokolenie

Sam Francis nigdy nie przestawał się rozwijać artystycznie. Nawet po utracie sprawności prawej ręki tuż przed śmiercią nauczył się malować lewą i tworzył dużą nową serię dzieł aż do końca życia. Pomimo zmiany stylu estetycznego nigdy nie porzucił podstawowych zasad abstrakcyjnego ekspresjonizmu. W swojej oddaniu mu, jednocześnie zasadniczo przekształcił to, czym abstrakcyjny ekspresjonizm mógł być. Nie zmienił go, zachował jego integralne elementy. Nigdy nie przestał malować intuicyjnie, łączyć się z własnym wewnętrznym stanem bytu i traktować płótno jako arenę, na której odbywa się wydarzenie. Ale też dodał do definicji. To, co dodał, najlepiej podsumowuje jego własny opis malarstwa: „Malarstwo to piękno przestrzeni i siła ograniczenia.”

Wszystko zawarte jest w czterech słowach: piękno, przestrzeń, siła i ograniczenie. Sam Francis bez wstydu dążył do piękna. Przyjął zarówno ograniczenia, jak i możliwości wyraźnie określonej przestrzeni. Uznawał i brał na siebie osobistą odpowiedzialność za pierwotną rzeczywistość ludzkiego dążenia do siły. I wreszcie wyrażał pewność i bezpieczeństwo tkwiące w poczuciu, że coś zostało ograniczone. Porównaj to z tym, co kiedyś powiedział Jackson Pollock o malarstwie: „Obraz ma własne życie. Staram się pozwolić mu się wyrazić.” Oprócz wszystkiego, czym były ich dzieła, Pollock i pierwsze pokolenie abstrakcyjnych ekspresjonistów byli nieograniczeni w eksperymentach. Trzymali dzikiego tygrysa za ogon, podekscytowani, by odkryć, co zrobi dalej, całkowicie otwarci na możliwości i przede wszystkim zaangażowani, by utrzymać go jak najdłużej dzikim. Sam Francis pomógł oswoić tygrysa. W ten sposób dał też kolejnym pokoleniom artystów pozwolenie na definiowanie, czym dla nich jest abstrakcyjny ekspresjonizm.

Zdjęcie główne:Sam Francis - Bez tytułu, 1962, akryl i gwasz na papierze. © Fundacja Sam Francis
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio