Późny abstrakcyjny ekspresjonizm w dziełach Sama Francisa

Niektórzy mówią, że dla prawdziwych artystów tworzenie sztuki nie jest wyborem; to przymus. Tworzą dzieła sztuki, niezależnie od tego, czy dostają za to zapłatę, nawet jeśli są ignorowani. Innymi słowy, artyści tworzą sztukę, ponieważ nie mogą nie tworzyć sztuki. Tak poważnie, jak to brzmi, Sam Francis uważał, że relacja między artystami a tworzeniem sztuki jest jeszcze bardziej intensywna. Postrzegał tworzenie sztuki nie jako coś, co artysta robi, ale jako coś, co po prostu jest, ponieważ artysta istnieje. Powiedział: „artysta jest swoją pracą i przestaje być człowiekiem.” Dla Francisa oddzielenie sztuki od artysty było tak samo niemożliwe, jak oddzielenie deszczu od chmury. Deszcz to chmura. Sztuka to artysta. Nie ma separacji. Są jednością.

Ciemność jest tylko kolorem

Patrząc wstecz na historię Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego, szybko staje się oczywiste, że artyści związani z wczesnymi dniami tego ruchu byli głęboko wpływani przez lęki swojego czasu. Byli przedstawicielami pokolenia zdefiniowanego przez cierpienie i poświęcenie, nawiedzanego przez horrors wojny i strach przed bombą atomową. Poprzez swoje dzieła sztuki usilnie próbowali połączyć się z podświadomością i wyrazić swoje wewnętrzne stany istnienia. Ciemność ich czasów często wydaje się oczywista w ich sztuce, zarówno w palecie kolorów, jak i w angst gestów, form, tekstur czy kompozycji. Ale te same prace są również objawiające, prowadząc widzów do doświadczenia transcendentnych, kontemplacyjnych stanów świadomości. Czy więc naprawdę wyrażają ciemność?

Sam Francis jest związany z drugą generacją ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Zyskał na znaczeniu po tym, jak został włączony do wystawy 12 Amerykańskich Artystów w MoMA w 1956 roku, w tym samym roku, w którym Jackson Pollock, wiodąca postać wczesnego ruchu, zmarł. Francis zaczął malować w szpitalu, podczas rekonwalescencji po urazie kręgosłupa, którego doznał, służąc jako pilot myśliwca w II wojnie światowej. Po wojnie wrócił do szkoły w swojej rodzinnej Kalifornii, zdobywając tytuł magistra na UC Berkeley w 1950 roku. Tam poznał kilku malarzy pierwszej generacji ekspresjonizmu abstrakcyjnego, w tym Marka Rothko, który wówczas uczył w Kalifornijskiej Szkole Sztuk Pięknych w San Francisco. Francis znalazł inspirację w skupieniu tych twórców na byciu i stawaniu się oraz w ich zaangażowaniu w poszukiwanie autentycznego ja. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

Małżeństwo Ciemności i Światła

Dla Sama Francisa ciemność i światło nie były przeciwstawnymi siłami. Były siłami komplementarnymi, a może nawet zmieniającymi się przejawami tej samej jakości. Kiedyś powiedział: „Wzrost światła powoduje wzrost ciemności.” Czy mówił, że światło i ciemność to jedno? A może mówił o tym, jak światło rzuca cień, co oznacza, że im jaśniejsze staje się światło, tym ciemniejszy cień rzuca? A może odnosił się do oświecenia i metafizycznego wpływu uświadomienia sobie, że im więcej się uczymy, tym bardziej zdajemy sobie sprawę, jak mało wiemy?

Mógł nie mieć na myśli żadnej z tych rzeczy. Powiedział również kiedyś: „Kolor rodzi się z przenikania światła i ciemności.” Więc możliwe, że po prostu mówił o kontrastach i o tym, jak biała przestrzeń na płótnie wyraża ciemność farby. W każdym razie jego komentarze przynajmniej oferują zniuansowaną perspektywę, z której można interpretować pozorną ciemność ruchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu w ogóle. I dają nam punkt wyjścia do zrozumienia, w jaki sposób zmierzył się z ciemnością, światłem i kolorem w swoich własnych obrazach.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 amerykańskich malarzy

Francis zaprezentował siedem obrazów na swojej grupowej wystawie w MoMA. Były one ogromne. Najmniejszy miał ponad sześć stóp wysokości, a największy miał ponad dwanaście stóp na dziesięć stóp. Obrazy nosiły nazwy związane z kolorami: Niebiesko-Czarny, Żółty, Duży Czerwony, Czarny na Czerwonym, Czerwony na Czerwonym, Szary, i Głęboki Pomarańczowy na Czarnym. Każdy z tych obrazów miał wspólną estetykę, co ustanowiło Francisa jako malarza z wyraźnym stylem wizualnym. Składały się z warstwowych form biomorficznych wzbogaconych o niepowstrzymane kapania.

Te płótna otaczają widzów w kompozycjach. Głos dzieł redefiniuje słowo kompozycja, koncentrując się mniej na układzie elementów estetycznych, a bardziej na tym, co oznacza czuć się skomponowanym. Emitują poczucie kontroli, pewności siebie i harmonii. Dają odczucie, że wszystko, co niezbędne do zrozumienia obrazu, zawarte jest w przestrzeni płótna. A jednak ich zmysłowa, osobista natura zaprasza nas do głębszej eksploracji tego, co jeszcze pozostaje ukryte wewnątrz.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

Powstrzymywanie

Gdy Sam Francis stał się znany ze swojego unikalnego estetycznego stylu, szybko go przekroczył. Rozszerzył swoją paletę kolorów, aby obejmowała żywą gamę jasnych, czystych kolorów. I zbadał wiele podejść do kompozycji, w tym biomorficzną reprezentację w serii prac zatytułowanej Blue Balls, która przedstawia wyraźne niebieskie kule inspirowane jego walką z chorobą nerek. W połowie lat 60. dotarł do innego wyraźnego idiomu estetycznego, charakteryzującego się kolorowymi pociągnięciami pędzla wokół krawędzi jego obrazów, otaczającymi niemal pustą białą przestrzeń wewnątrz.

"Te prace mówią bezpośrednio i elegancko o pojęciach, które Francis wyraził na temat lekkości i ciemności. Zwiększona biała przestrzeń, czyli lekkość, intensyfikuje wyrażenie ciemności, które jest przekazywane przez kolor. Kolor jest zminimalizowany, a jednak definiuje obraz. Te zdjęcia kwestionują wszechobecną naturę tak wielu prac abstrakcyjnych ekspresjonistów. Mówią o nicości i sile niuansu, zwracając uwagę na to, co nie jest wyrażane."

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

Bez ograniczeń

Przez większość swojej kariery Francis unikał nowojorskiej sceny artystycznej, wolał żyć i pracować w Paryżu, Tokio i Kalifornii. Nie był ograniczony przez trendy. Używał technik związanych z malarstwem akcyjnym, takich jak kapanie, wylewanie i rozpryskiwanie, a także stosował barwienie i pracował z tradycyjnymi pędzlami. Tworzył druki, litografie i monotypie, pracując z różnorodnymi mediami i powierzchniami. I nieustannie rozwijał swój styl kompozycyjny. W latach 70. i 80. często włączał formy geometryczne do swoich obrazów, a czasami nawet malował prace geometryczne o ostrych krawędziach.

Najczęściej pamięta się go za jaskrawo kolorowe obrazy plamiste, które stworzył w latach 80. Ich przywiązanie do technik, które dawno porzuciło wielu innych malarzy jego pokolenia, wyraźnie je wyróżniało. Ich prymitywne cechy prowadziły rozmowę z dziełami neoekspresjonistycznymi malarzy takich jak Basquiat. Ich paleta kolorów nawiązywała do Pop Artu i Chicago Imagists. A ich obrazowość przywoływała historię sztuki abstrakcyjnej, nawiązując do malarzy takich jak Miro, Calder i Gorky.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

Poza Drugą Generacją

Sam Francis nigdy nie przestał swojej osobistej ewolucji artystycznej. Nawet po tym, jak stracił sprawność prawej ręki tuż przed swoją śmiercią, nauczył się malować lewą ręką i zaangażował się w tworzenie dużej nowej serii prac, którą kontynuował aż do swojej śmierci. Pomimo zmiany swojego stylu estetycznego, nigdy nie porzucił podstawowych zasad ekspresjonizmu abstrakcyjnego. W swojej dedykacji do niego, jednak, fundamentalnie przekształcił to, czym mógł być ekspresjonizm abstrakcyjny. Nie można powiedzieć, że go zmienił. Utrzymał jego integralne elementy. Nigdy nie przestał malować intuicyjnie, łączyć się ze swoim wewnętrznym stanem istnienia i wchodzić w interakcję z płótnem jako areną, na której odbywa się wydarzenie. Ale także dodał do definicji. To, co dodał, jest ładnie podsumowane w jego własnym opisie tego, czym jest malarstwo: “Malarstwo dotyczy piękna przestrzeni i siły konteneru.”

Wszystko zawiera się w czterech słowach: piękno, przestrzeń, moc i ograniczenie. Sam Francis bez wstydu dążył do piękna. Przyjął zarówno ograniczenia, jak i możliwości zdefiniowanej przestrzeni. Uznawał i brał osobistą odpowiedzialność za pierwotną rzeczywistość ludzkiego dążenia do władzy. A na koniec wyrażał pewność i bezpieczeństwo inherentne w poczuciu, że coś zostało ograniczone. Porównaj to z tym, co kiedyś powiedział Jackson Pollock o malarstwie: „Obraz ma swoje własne życie. Staram się pozwolić mu się ujawnić.” Oprócz wszystkiego, czym zajmowała się ich praca, Pollock i pierwsza generacja ekspresjonistów abstrakcyjnych byli nieograniczeni w swoich eksperymentach. Trzymali dzikiego tygrysa za ogon, podekscytowani odkrywaniem, co może zrobić następnie, całkowicie otwarci na możliwości, a przede wszystkim zobowiązani do utrzymania go tak dzikim, jak to możliwe, tak długo, jak to możliwe. Sam Francis pomógł oswoić tygrysa. W ten sposób dał również kolejnym pokoleniom artystów pozwolenie na zdefiniowanie, co dla nich oznacza ekspresjonizm abstrakcyjny.

Obraz wyróżniony:Sam Francis - Bez tytułu, 1962, akryl i gwasz na papierze. © Fundacja Sama Francisa
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio