Obserwowanie abstrakcyjnego malarstwa Gerharda Richtera

Co jest bardziej prawdziwe: fotografia czy uczucie? Fotografie są może bardziej obiektywne, podczas gdy uczucia mogą być bardziej abstrakcyjne. Ale oba są prawdziwe. Niektórzy malarze w poszukiwaniu prawdy poświęcają się wyłącznie realizmowi. Inni dostrzegają uniwersalne prawdy tylko w abstrakcji. Dla Gerharda Richtera malarstwo abstrakcyjne i realistyczne zawierają niezliczone możliwości. Wielodyscyplinarne dzieło, które Richter stworzył w trakcie ponad 60-letniej kariery zawodowej, zawiera mniej więcej równą liczbę prac realistycznych i abstrakcyjnych. Jego obrazy abstrakcyjne przekazują uczucia, które są niezaprzeczalnie proste i prawdziwe, podczas gdy jego prace realistyczne rodzą więcej pytań niż odpowiedzi. Oba komunikują na różnych poziomach, a jednak oba wyrażają podstawowe idee, które Richter badał przez całe życie. Rozpatrywane razem, dzieło Richtera jest ucieleśnieniem jego wyznaczonego celu jako malarza: „połączyć w żywy i trwały sposób najbardziej różne i najbardziej sprzeczne elementy w jak największej wolności.”

Nierealistyczny realizm

Gerhard Richter rozpoczął swoje życie w epoce totalitarnej kontroli. Urodził się w niemieckiej rodzinie w Dreźnie w 1932 roku. Republika Weimarska upadała, a naziści przejmowali władzę. Jego ojciec i wujowie zostali zmuszeni do służby wojskowej podczas II wojny światowej. Wujowie zginęli na froncie. Jego ciotka zmarła z głodu w szpitalu psychiatrycznym w ramach nazistowskiego eksperymentu eugenicznego. Ojciec przeżył wojnę, ale fakt jego służby spowodował utratę pracy nauczyciela, gdy Sowieci przejęli kontrolę nad Niemcami Wschodnimi.

Zdezorientowany i zaniepokojony swoim otoczeniem, Richter nie był entuzjastycznie nastawiony do życia, a zwłaszcza do szkoły. Jednak to zmieniło się po zakończeniu wojny. Dzięki nagłemu dostępowi do licznych książek o sztuce i filozofii, które pojawiły się, gdy Sowieci „wyzwolili” biblioteki mieszczańskich rezydencji w jego mieście, Richter rozwinął wewnętrzną chęć poznawania świata. Czytał wszystko, co mógł zdobyć, a w 1951 roku, mając 19 lat, zapisał się do akademii sztuk pięknych w Dreźnie. Niestety, jedyna edukacja artystyczna, jaką tam otrzymał, była nastawiona na realizm socjalistyczny. Choć taka sztuka miała być realistyczna, Richter wiedział od młodości, że totalitaryzm nie ma nic wspólnego z rzeczywistością.

Gerhard Richter - Phantom Interceptors, 1964. Olej na płótnie. 140 x 190 cm. Kolekcja Froehlich, Stuttgart. © Gerhard Richter

Przełom w Düsseldorfie

Pomimo niechęci artysty do stylu realizmu socjalistycznego, Richter ciężko pracował i był wyjątkowym studentem. Jednak dostrzegł też, że Niemcy Wschodnie stają się z roku na rok coraz bardziej restrykcyjne. W 1961 roku uciekł do Niemiec Zachodnich, zaledwie kilka miesięcy przed rozpoczęciem budowy Muru Berlińskiego. Osiedlił się w Düsseldorfie, a choć ukończył już studia artystyczne, zapisał się na akademię sztuk pięknych w Düsseldorfie, która przyciągała niektórych z najbardziej postępowych artystów tamtego czasu. Było to centrum malarstwa informel, a także lokalny ośrodek ruchu Fluxus dzięki Josephowi Beuysowi, który został profesorem niedługo po zapisaniu się Richtera. Wśród jego kolegów ze studiów byli Blinky Palermo, Konrad Fischer i Sigmar Polke.

To właśnie na akademii w Düsseldorfie Gerhard Richter zaczął rozwijać swoje główne idee. Odkrył wartość eksperymentowania, atrakcyjność pracy wielodyscyplinarnej oraz możliwości abstrakcji. Nauczył się także wartości humoru i znaczenia tworzenia dzieł nasyconych energią i duchem. Być może najważniejsze, to tam rozwinął fascynację fotografią. Skupił się szczególnie na badaniu, czy rzeczywistość proponowana przez fotografię jest prawdziwa, czy raczej jest częściową i zmanipulowaną fałszą.

Gerhard Richter - Bez tytułu, 1987. © Gerhard Richter (po lewej) / Gerhard Richter - Obraz abstrakcyjny, 1994. © Gerhard Richter (po prawej)

Rozmyte fotografie

Richter po raz pierwszy zbadał naturę fotograficznej rzeczywistości w serii obrazów przypominających rozmyte kopie fotografii. Oparł te obrazy na rzeczywistych fotografiach znalezionych w prasie lub innych archiwach fotograficznych. Malował obrazy w uproszczonej szarej palecie, a następnie przeciągał gąbką lub raklą po powierzchni obrazu, aby rozmyć obraz. Rozmyte obrazy fotograficzne osiągały dwa cele. Elegancko wyrażały ulotność tak zwanego obiektywnego świata, idealizowanego przez fotografię. Jednocześnie podkreślały wartość malarstwa jako środka wyrazu w czasach, gdy inne formy sztuki powodowały, że wielu zaczynało wątpić w jego przyszłą istotność.

Trzecim efektem tych rozmytych obrazów fotograficznych było zbliżenie Richtera do całkowitej abstrakcji. Zachęcony formalnymi elementami pracy, takimi jak ekspresyjna siła szarej palety kolorów i wizualny wpływ poziomych śladów pozostawionych przez efekt rozmycia, rozpoczął dwie nowe serie obrazów nieprzedstawiających, które badały formalne elementy koloru i linii. Pierwszą była seria Color Chart, w której dzielił płótna na określone siatki, wypełniając każde pole kolorem. Drugą była seria monochromów w odcieniach szarości, które nazwał Obrazami Szarymi.

Gerhard Richter - Lesende (Czytająca), 1994. Olej na lnie. 72,39 cm x 101,92 cm. Kolekcja Muzeum Sztuki Współczesnej w San Francisco (SFMOMA), San Francisco, USA. © Gerhard Richter

Przeformułowanie abstrakcji

Kolejny przełom dla Richtera nastąpił w serii prac, które nazwał Inpaintings. Prace te zaczynały się jako obrazy przedstawiające, na przykład, krajobraz lub scenę miejską. Następnie malował po obrazie przedstawiającym, aż całkowicie go zacierał i wydawał się całkowicie abstrakcyjny. Podobnie jak wcześniejsze rozmyte obrazy fotograficzne, te prace kwestionowały naturę rzeczywistości i abstrakcji oraz badały, gdzie właściwie przebiega granica między nimi. Lata później ponownie powrócił do tego pomysłu w swoich obrazach nakładanych, serii fotografii częściowo pokrytych abstrakcyjnymi znakami, które badają względną siłę realizmu i abstrakcji, gdy współistnieją na tym samym obrazie.

Te prace dotyczą prawd ukrytych i jawnych. Poruszają kwestie przejrzystości i nieprzejrzystości. Zachęcają nas do postrzegania ich nie tylko jako obiektów estetycznych, ale także jako przedmiotów refleksji. Te trzy pojęcia — przejrzystość, nieprzejrzystość i refleksja — stały się podstawą kolejnej ważnej ewolucji w twórczości Richtera. Stworzył serię obiektów ze szklanymi szybami, które subtelnie odbijały otaczające obrazy. Następnie stworzył serię monochromatycznych luster malowanych, które oferowały na swoich powierzchniach nałożone malarskie odbicia rzeczywistości.

Gerhard Richter - 180 Colors. © Gerhard Richter

/blogs/magazine/the-story-of-the-abstract-landscape-in-art

Niepewność jest ciekawa

Przez ostatnie trzy dekady Richter poświęcił wiele czasu powrotowi do malarstwa. Kontynuował badanie relacji kolorów w kilku nowych seriach obrazów. Niektóre z nich to pola kolorów mieszające się ze sobą za pomocą jego charakterystycznej techniki rakli lub gąbki. Inne przywodzą na myśl biomorficzne procesy przypominające zorze polarne lub plamy oleju. Jeszcze inne, jak jego niedawne obrazy liniowe, przypominają czysto formalne studia geometrii i powtórzeń oraz innych podstawowych zagadnień.

To od nas zależy, co dzieło znaczy. Sam Richter zwykle zaczyna proces nie wiedząc dokładnie, czego szuka, i często dopiero po ukształtowaniu się eksperymentów wie, co osiągnął. To właśnie ten stan niepewności daje mu inspirację. Duch eksperymentowania tworzy nieoczekiwane rezultaty, które są dla niego bardziej ekscytujące niż z góry przyjęte założenia. „Powinieneś mieć pewien stopień niepewności lub zdziwienia,” mówi Richter. „Ciekawiej jest być niepewnym.”

Zdjęcie wyróżniające: Gerhard Richter - Obraz abstrakcyjny 780-1. © Gerhard Richter
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio