Przełomowy, a jednak Zapomniany - Sztuka Marka Tobeya
Tego lata Kolekcja Peggy Guggenheim w Wenecji, Włochy, prezentuje pierwszą dużą europejską retrospektywę malarstwa Marka Tobeya od ponad 20 lat. Wystawa nosi tytuł Mark Tobey: Threading Light i obejmuje 66 głównych dzieł stworzonych przez Tobeya od końca lat 20. XX wieku do początku lat 70. XX wieku. Wybór prac ma na celu podkreślenie różnych ewolucji, przez które przeszedł Tobey w swojej karierze, poszukując sposobów na wyrażenie uniwersalności ludzkiego istnienia. Po rozpoczęciu kariery jako ilustrator komercyjny i artysta portrecista, przeszedł do malarstwa w swoich latach 30. Zaczął od pracy figuratywnej, ale szybko zaangażował się w modernistyczną dyskusję na temat rozwoju nowych punktów widzenia estetycznego. Jego ostateczne osiągnięcia w tym zakresie były ogromne, co czyni jeszcze bardziej dziwnym fakt, że tak wiele osób dzisiaj całkowicie zapomniało o Tobeyu lub nigdy o nim nie słyszało. Niedawno był uważany za jednego z najważniejszych i najbardziej wpływowych malarzy na świecie. Ten fakt sprawia, że czas i miejsce tej obecnej wystawy są szczególnie odpowiednie. Jej trwanie jest zsynchronizowane z Biennale w Wenecji 2017, co jest subtelnym przypomnieniem, że to na poprzednim Biennale w Wenecji w 1958 roku Mark Tobey przeszedł do historii. Tobey reprezentował Stany Zjednoczone na tej wystawie obok Marka Rothko. Ale podczas gdy Rothko cieszy się znacznie większą sławą dzisiaj w Stanach Zjednoczonych, to obraz Tobeya zatytułowany Capricorn zdobył w 1958 roku Nagrodę Miasta Wenecji za malarstwo — po raz pierwszy, nawiasem mówiąc, od inauguracyjnego Biennale w Wenecji w 1895 roku, kiedy złota nagroda trafiła do amerykańskiego malarza.
Otwarty umysł
Mark Tobey urodził się w amerykańskim miasteczku Centerville w Wisconsin w 1890 roku. Choć szybko opuścił Wisconsin, z sentymentem je wspominał i często odnosił się do jego krajobrazów w swoich wczesnych obrazach. Jednak w przeciwieństwie do wielu amerykańskich malarzy abstrakcyjnych z jego pokolenia, którzy preferowali życie i pracę wyłącznie w Nowym Jorku, przez dużą część swojego dorosłego życia Mark Tobey zdecydował się mieszkać i pracować w Seattle. To być może ta przełomowa decyzja doprowadziła do dużej swobody i otwartości umysłu, które zdefiniowały jego rozwój jako artysty. Inny częsty mieszkaniec Seattle, sztukmistrz Bruce Lee, miał podobne podejście do życia jak Mark Tobey. Lee założył podejście do walki zwane Jeet Kun Do, które opisał jako „styl bez stylu”, co oznacza, że wojownik powinien odrzucić dogmaty i być otwarty na naukę wszystkiego, co możliwe, a następnie zatrzymać to, co działa, i odrzucić to, co nie działa. „Styl bez stylu” wyrosło z nauk, które Lee po raz pierwszy poznał podczas studiowania buddyzmu zen, i jest uderzająco podobne do podejścia, które Mark Tobey rozwinął w stosunku do malarstwa wiele lat wcześniej.
Tobey po raz pierwszy podróżował do Azji w latach 30. XX wieku. Ta podróż miała miejsce w czasie, gdy zmagał się jako malarz z tym, co zrobić z przestrzenią. Nie mógł zdecydować, czy spróbować osiągnąć głębię i wymiarowość w swoich pracach, czy też porzucić to i zamiast tego przyjąć płaskość. Podczas wizyty w Japonii, Szanghaju i Hongkongu zyskał nowe i głębokie zrozumienie różnych sposobów, w jakie azjatyccy artyści traktowali przestrzeń w swojej twórczości na przestrzeni historii. Wcześniej już nauczył się technik chińskiej kaligrafii podczas życia w Seattle w latach 20. XX wieku, ale ta podróż ujawniła mu pełniejsze zrozumienie, jak pisanie i symbolika wpisują się w szersze podejścia estetyczne sztuki azjatyckiej. To olśnienie otworzyło Tobeya na myśl, że nie powinien tylko badać, w jaki sposób jego kultura tworzy sztukę, ale raczej powinien otworzyć się na naukę wszystkiego, co możliwe, o tym, jak różne kultury tworzą sztukę.
Mark Tobey - Krystalizacje, 1944, Iris i B. Gerald Cantor Center for Visual Arts na Uniwersytecie Stanforda, Fundusz Mabel Ashley Kizer, Dar Mellity i Rexa Vaughana oraz Fundusz Zakupów Sztuki Nowoczesnej i Współczesnej
Całościowe malowanie
Krótko po powrocie z Azji, Tobey stworzył jeden ze swoich najbardziej wpływowych obrazów, zatytułowany Broadway. Jest to w pewnym sensie figuratywne wyrażenie kształtów, kolorów i świateł słynnej ulicy w Nowym Jorku. Ale jest transformacyjne w swoim podejściu. Kompozycja składa się z setek małych, gesturalnych, białych znaków. Podobieństwo do pisma jest wyraźne, ale oznaczenia nie tworzą nic konkretnego, ani nie reprezentują bezpośrednio kształtów ze świata rzeczywistego. Są sugestywne i poetyckie. Obraz jest dziś postrzegany jako prekursor estetycznego stylu, który Mark Tobey kontynuował w różny sposób przez całą swoją karierę, nazywając go "białym pisaniem."
Broadway został namalowany w 1936 roku. W kolejnych latach Tobey kontynuował rozwijanie podejścia, które zdefiniowało to dzieło. Abstrahował swoje kaligraficzne znaki do niepoznania i wkrótce porzucił wszelkie figuralne kształty. Zobowiązał się do komunikowania uczuć bardziej niż tylko obrazów. Co najważniejsze, podkreślił, że pokrywał całą powierzchnię swoich płócien kompozycjami, które nie faworyzowały żadnego konkretnego obszaru powierzchni. Ta idea została później podkreślona przez krytyka sztuki Clementa Greenberga, gdy opisał „obrazy całkowite”, które Jackson Pollock tworzył w latach 40. XX wieku. Ale to Mark Tobey, którego obrazy Pollock widział lata wcześniej, był pionierem tego podejścia.
Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork
Szkoła Bez Szkoły
Mark Tobey z pewnością znał Jacksona Pollocka i wszystkich innych artystów Nowojorskiej Szkoły. Prace Tobeya zostały uwzględnione w wystawie w 1946 roku Czternastu Amerykanów w Nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, wystawie, która obejmowała również Arshile'a Gorky'ego i Roberta Motherwella. Ale podczas gdy ci nowojorscy artyści i ich zwolennik Greenberg przyjęli mit, że są częścią powstania rodzaju sztuki, która jest z natury amerykańska, Tobey odrzucił tę koncepcję. Nalegał, że sztuka nie powinna być definiowana w tak wąskich kategoriach ani ograniczana przez drobne pojęcia, takie jak nacjonalizm, polityka, kultura czy geografia. Odmówił utożsamiania się z ideą Nowojorskiej Szkoły, mimo że jego prace były tak wyraźnie prekursorami idei jej członków.
Zamiast tego, Tobey przyjął podejście, które później opisał Bruce Lee. Nazwij to Szkołą Bez Szkoły. Tobey podróżował, czytał, eksperymentował, uczył się jak najwięcej różnych podejść, a następnie zatrzymywał to, co działało, i porzucał to, co nie. Studiował nawet buddyzm zen i opanował japońskie malarstwo Sumi-e (czarny tusz). Jego otwartość i poszukiwania są widoczne w wyborze prac zawartych w Mark Tobey: Threading Light, które zawiera nawet niektóre z jego prac Sumi-e, a także różne obrazy, które ewoluowały z tej techniki, takie jak City Reflections, które bezpośrednio włącza rozpryskaną czarną farbę, oraz Lumber Barons, które w bardziej subtelny sposób odnosi się do Sumi-e w sposób bardziej związany z białym pisaniem.
Mark Tobey - Dzika Łąka, 1959, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, NY, Kolekcja Sidney'a i Harriet Janis
Uniwersalny Język Estetyczny
Oprócz jego pogardy dla narodowych lub regionalnych etykiet, innym głównym powodem, dla którego niektórzy krytycy uważają, że Mark Tobey został ostatecznie zapomniany przez wielu pisarzy historii sztuki amerykańskiej, jest jego wyraźna duchowość. Nie można powiedzieć, że amerykański świat sztuki jest miejscem bez duchowości: to oczywiście nieprawda. Ale szczególny rodzaj duchowości, który wyznawał Mark Tobey, stawiał go w opozycji do niemal wszystkich, od artystów, kuratorów, właścicieli galerii i krytyków po ludzi spoza świata sztuki. Tobey należał do wiary znanej jako Bahá'í. Podstawowym przekonaniem monoteistycznej religii Bahá'í jest trwały szacunek dla wartości i godności wszystkich religii ludzkich, a celem jej członków jest trwały pokój poprzez jedność wszystkich ludzi. To może nie brzmieć kontrowersyjnie dla rozsądnej osoby, ale religia ta również twierdzi, że wszystkie religie pochodzą z jednego boskiego źródła, a wszyscy prorocy są równymi przejawami tego samego bóstwa, co stoi w sprzeczności z podstawowymi zasadami niemal każdej głównej religii, szczególnie chrześcijaństwa, judaizmu i islamu.
Jeśli chodzi o amerykański świat sztuki, dobrze jest mówić o duchu, tak jak z pewnością robił to Wassily Kandinsky i Piet Mondrian; dobrze jest mówić o uniwersalności, tak jak robiła to Agnes Martin i wielu innych; i wspaniale jest mówić o transcendencji i kontemplacji, jak czynił to Mark Rothko. Ale słowo religia przeraża ludzi. Amerykańskie instytucje unikają rzeczy, które mogą zagrozić im komercyjnie. I chociaż teraz może być inaczej, w połowie XX wieku otwarte agendy religijne nie były ogólnie uważane za dobre dla interesów. Ale Mark Tobey nigdy się tym nie przejmował. Nie wahał się poruszać swoich przekonań religijnych, a dość często wyrażał, że jego celem jest wykorzystanie swojej sztuki jako sposobu na przyczynienie się do stworzenia uniwersalnego języka, który mógłby pomóc ludzkości osiągnąć jedność i pokój. Ale oczywiście, czy to jest powód, dla którego został zignorowany w USA, to tylko spekulacje. Na szczęście, pomimo zlekceważenia przez swoją ojczyznę, Tobey cieszył się długą i owocną karierą gdzie indziej, szczególnie w Europie, gdzie był czczony za życia i gdzie dziś uważany jest za protoplastę ruchów takich jak Tachisme i Art Informel. Mark Tobey: Threading Light jest wystawiana w Kolekcji Peggy Guggenheim w Wenecji, Włochy, do 10 września 2017.
Mark Tobey - Świat, 1959, Kolekcja Prywatna, Nowy Jork
Obraz wyróżniający: Mark Tobey - Bez tytułu, Rysunek sumi (szczegół), 1944, Kolekcja Marthy Jackson w Galerii Sztuki Albright-Knox, Buffalo, NY
Autor: Phillip Barcio
