Przełomowy, a jednak Zapomniany - Sztuka Marka Tobeya

Tego lata Kolekcja Peggy Guggenheim w Wenecji we Włoszech prezentuje pierwszą od ponad 20 lat dużą europejską retrospektywę obrazów Marka Tobeya. Wystawa zatytułowana Mark Tobey: Przędzenie światła obejmuje 66 ważnych dzieł stworzonych przez Tobeya od późnych lat 20. XX wieku do wczesnych lat 70. XX wieku. Wybrany zbiór prac stara się podkreślić różne etapy rozwoju Tobeya w jego karierze, gdy poszukiwał sposobów wyrażenia uniwersalności ludzkiego istnienia. Po rozpoczęciu kariery jako ilustrator komercyjny i portrecista, w wieku około 30 lat przeszedł do malarstwa. Zaczął od prac figuratywnych, ale wkrótce zaangażował się w modernistyczną dyskusję o tym, jak rozwijać nowe estetyczne punkty widzenia. Jego ostateczne osiągnięcia w tym zakresie były ogromne, co tym bardziej dziwi, że dziś tak wiele osób całkowicie zapomniało o Tobeyu lub nigdy o nim nie słyszało. Jeszcze niedawno uważano go za jednego z najważniejszych i najbardziej wpływowych malarzy na świecie. Ten fakt sprawia, że czas i miejsce obecnej wystawy są szczególnie trafne. Jej termin pokrywa się z Biennale w Wenecji 2017, co jest subtelnym przypomnieniem, że to właśnie na poprzednim Biennale w Wenecji w 1958 roku Mark Tobey zapisał się w historii. Tobey reprezentował Stany Zjednoczone na tym wydarzeniu obok Marka Rothko. Choć Rothko cieszy się dziś znacznie większą sławą w Stanach Zjednoczonych, to obraz Tobeya zatytułowany Capricorn zdobył w 1958 roku Nagrodę Miasta Wenecji za malarstwo — po raz pierwszy, nawiasem mówiąc, od inauguracyjnego Biennale w Wenecji w 1895 roku złota nagroda trafiła do amerykańskiego malarza.

Otwartość umysłu

Mark Tobey urodził się w amerykańskim miasteczku Centerville w stanie Wisconsin w 1890 roku. Choć wkrótce opuścił Wisconsin, z sentymentem wspominał ten region i często nawiązywał do jego krajobrazów w swoich wczesnych obrazach. W przeciwieństwie do wielu amerykańskich malarzy abstrakcyjnych swojego pokolenia, którzy woleli mieszkać i pracować wyłącznie w Nowym Jorku, przez większość dorosłego życia Mark Tobey wybrał życie i pracę w Seattle. To być może ten losowy wybór przyczynił się do wolności i otwartości umysłu, które zdefiniowały jego rozwój jako artysty. Inny częsty mieszkaniec Seattle, mistrz sztuk walki Bruce Lee, miał podobne podejście do życia jak Mark Tobey. Lee stworzył styl walki zwany Jeet Kun Do, który opisał jako „styl bez stylu”, co oznacza, że wojownik powinien odrzucać dogmaty i być otwarty na naukę wszystkiego, co możliwe, zachowując to, co działa, i odrzucając to, co nie. „Styl bez stylu” wywodzi się z nauk, które Lee poznał podczas studiowania zen, i jest uderzająco podobny do podejścia, które Mark Tobey rozwinął wobec malarstwa wiele lat wcześniej.

Tobey po raz pierwszy podróżował do Azji w latach 30. XX wieku. Podróż ta miała miejsce w czasie, gdy jako malarz zmagał się z problemem przestrzeni. Nie mógł zdecydować, czy próbować osiągnąć głębię i wymiar w swoich pracach, czy też porzucić to i zamiast tego przyjąć płaskość. Podczas wizyty w Japonii, Szanghaju i Hongkongu zdobył nowe, głębokie zrozumienie różnych sposobów, w jakie azjatyccy artyści traktowali przestrzeń w swojej twórczości na przestrzeni dziejów. Wcześniej nauczył się technik chińskiej kaligrafii podczas pobytu w Seattle w latach 20., ale ta podróż otworzyła go na pełniejsze zrozumienie, jak pismo i symbole wpisują się w szersze estetyczne podejścia sztuki azjatyckiej. To olśnienie uświadomiło Tobeyowi, że nie powinien ograniczać się do studiowania sposobu tworzenia sztuki w swojej kulturze, lecz raczej otworzyć się na naukę wszystkiego, co możliwe, o sposobach tworzenia sztuki we wszystkich różnych kulturach.

Mark Tobey - Krystalizacje, 1944, Iris and B. Gerald Cantor Center for Visual Arts na Uniwersytecie Stanforda, Fundusz Mabel Ashley Kizer, dar Mellity i Rexa Vaughana oraz Fundusz Zakupów Sztuki Nowoczesnej i Współczesnej

Malarstwo na całej powierzchni

Krótko po powrocie z Azji Tobey stworzył jeden ze swoich najbardziej wpływowych obrazów, zatytułowany Broadway. Jest to nieco figuratywne wyrażenie kształtów, kolorów i świateł słynnej ulicy w Nowym Jorku. Jednak podejście do kompozycji jest transformujące. Składa się z setek drobnych, gestualnych, białych znaków. Podobieństwo do pisma jest wyraźne, ale znaki nie tworzą żadnych konkretnych słów ani nie przedstawiają bezpośrednio rzeczywistych kształtów. Są sugestywne i poetyckie. Obraz ten jest dziś uważany za prekursor stylu estetycznego, który Mark Tobey kontynuował na różne sposoby przez całą swoją karierę, nazywanego przez niego „białym pismem”.

Broadway namalowano w 1936 roku. W kolejnych latach Tobey rozwijał podejście, które zdefiniowało tę pracę. Abstrahował swoje kaligraficzne znaki do niepoznania i wkrótce porzucił wszelkie kształty figuratywne. Skupił się na przekazywaniu uczuć, a nie tylko obrazów. Co najważniejsze, zadbał o pokrycie całej powierzchni swoich płócien kompozycjami, które nie faworyzowały żadnego konkretnego obszaru. Pomysł ten został później podkreślony przez krytyka sztuki Clementa Greenberga, gdy opisywał „obrazy na całej powierzchni”, które tworzył Jackson Pollock w latach 40. XX wieku. Jednak to Mark Tobey, którego obrazy Pollock widział wiele lat wcześniej, był pionierem tego podejścia.

Mark Tobey - Przędzenie światła, 1942, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku

Szkoła bez szkoły

Mark Tobey z pewnością znał Jacksona Pollocka i wszystkich innych artystów z Nowojorskiej Szkoły. Prace Tobeya zostały pokazane na wystawie Czternaście Amerykanów w 1946 roku w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, na której obecni byli także Arshile Gorky i Robert Motherwell. Jednak podczas gdy ci nowojorscy artyści i ich orędownik Greenberg podkreślali mit, że są częścią powstania rodzaju sztuki właściwie amerykańskiej, Tobey odrzucał takie pojmowanie. Twierdził, że sztuka nie powinna być definiowana w tak wąskich kategoriach ani ograniczana przez drobne pojęcia takie jak nacjonalizm, polityka, kultura czy geografia. Odmawiał utożsamiania się z ideą Nowojorskiej Szkoły, mimo że jego prace wyraźnie były prekursorami idei jej członków.

Zamiast tego Tobey przyjął podejście podobne do tego, które później opisał Bruce Lee. Nazwijmy to Szkołą bez Szkoły. Tobey podróżował, czytał, eksperymentował, poznawał jak najwięcej różnych podejść, a następnie zachowywał to, co działało, i porzucał to, co nie. Studiował nawet zen i opanował japońską technikę malarską Sumi-e (czarny tusz). Jego otwartość i poszukiwania są widoczne w wyborze prac pokazanych na wystawie Mark Tobey: Przędzenie światła, która obejmuje także niektóre jego dzieła Sumi-e oraz różne obrazy wyewoluowane z tej techniki, takie jak Odbicia miasta, które bezpośrednio wykorzystuje rozchlapania czarnego tuszu, oraz Baronowie drewna, które delikatniej nawiązują do Sumi-e w sposób bardziej związany z białym pismem.

Mark Tobey - Dzika Polana, 1959, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, Kolekcja Sidneya i Harriet Janis

Uniwersalny język estetyczny

Poza jego pogardą dla nacjonalistycznych czy regionalnych etykiet, innym ważnym powodem, dla którego niektórzy krytycy uważają, że Mark Tobey został ostatecznie zapomniany przez wielu historyków sztuki amerykańskiej, jest jego wyraźna duchowość. Nie oznacza to, że amerykański świat sztuki jest miejscem bez duchowości: oczywiście tak nie jest. Jednak szczególny rodzaj duchowości, który wyznawał Mark Tobey, stawiał go w opozycji do niemal wszystkich — od artystów, kuratorów, galerzystów i krytyków po osoby spoza świata sztuki. Tobey należał do wiary zwanej Bahá'í. Głównym przekonaniem monoteistycznej religii Bahá'í jest trwały szacunek dla wartości i godności wszystkich ludzkich religii, a celem jej wyznawców jest trwały pokój poprzez jedność wszystkich ludzi. Może to nie brzmieć kontrowersyjnie dla rozsądnej osoby, ale religia ta również twierdzi, że wszystkie religie pochodzą z jednego boskiego źródła, a wszyscy prorocy są równymi przejawami tego samego bóstwa, co przeczy podstawowym zasadom niemal każdej głównej religii, zwłaszcza chrześcijaństwa, judaizmu i islamu.

Jeśli chodzi o amerykański świat sztuki, można mówić o duchu, jak czynili to Wassily Kandinsky i Piet Mondrian; można mówić o uniwersalności, jak robiły to Agnes Martin i wielu innych; i można mówić o transcendencji i kontemplacji, jak czynił to Mark Rothko. Ale słowo religia budzi lęk. Amerykańskie instytucje unikają rzeczy, które mogłyby zagrozić ich interesom. I choć dziś może być inaczej, w połowie XX wieku otwarte religijne programy nie były zwykle uważane za dobre dla biznesu. Jednak Mark Tobey nigdy się tym nie przejmował. Nie wahał się mówić o swoich przekonaniach religijnych i często wyrażał, że jego celem jest użycie sztuki jako sposobu na stworzenie uniwersalnego języka, który mógłby pomóc ludzkości osiągnąć jedność i pokój. Oczywiście, czy to jest powód, dla którego został pominięty w USA, to tylko spekulacje. Na szczęście, mimo lekceważenia w ojczyźnie, Tobey cieszył się długą i owocną karierą gdzie indziej, zwłaszcza w Europie, gdzie był ceniony za życia i gdzie dziś uważa się go za twórcę ruchów takich jak tachizm i Art Informel. Mark Tobey: Przędzenie światła jest wystawiona w Kolekcji Peggy Guggenheim w Wenecji we Włoszech do 10 września 2017 roku.

Mark Tobey - Świat, 1959, Kolekcja prywatna, Nowy Jork

Zdjęcie główne: Mark Tobey - Bez tytułu, rysunek Sumi (szczegół), 1944, Kolekcja Marthy Jackson w Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Autor: Phillip Barcio