Uchwycenie Przemijania Czasu - Fotografia Hiroshi Sugimoto

Podwójne wystawy trwające do 22 grudnia w paryskiej i londyńskiej siedzibie Marian Goodman Gallery prezentują twórczość Hiroshiego Sugimoto, uznanego fotografa, rzeźbiarza i artysty konceptualnego, którego prace poruszają tajemnice ludzkiego postrzegania. Wystawa w Londynie, zatytułowana Snow White, skupia się na jednej serii fotografii, nad którą Sugimoto pracuje od 1978 roku, zwanej jego serią Teatr. Każde zdjęcie z tej serii przedstawia kino z ekranem w centrum obrazu. Ekran świeci jasno, niczym srebrne światło. Aby wykonać te zdjęcia, Sugimoto ustawia aparat wielkoformatowy, otwiera migawkę, a następnie utrzymuje ją otwartą przez cały czas trwania filmu, rejestrując każdą klatkę filmu na jednej klatce filmu fotograficznego. Fotografie uchwytują upływ czasu i stawiają pytania o to, co jest prawdziwe, a co fikcją. Tymczasem wystawa w Paryżu, zatytułowana Surface Tension, koncentruje się na dwóch innych seriach prac Sugimoto. Pierwsza to jego seria Morski pejzaż, nad którą pracuje od 1980 roku. W tej serii Sugimoto fotografuje spokojne morza na całym świecie. Każde zdjęcie jest idealnie wyważone — połowa to woda, połowa to powietrze, a linia horyzontu znajduje się na środku obrazu. Obok zdjęć z serii Morski pejzaż prezentowanych jest pięć rzeźb z serii Pięć żywiołów. Te rzeźby składają się z pięciu geometrycznych kształtów symbolizujących ziemię, wodę, ogień, powietrze i pustkę. Każda rzeźba zawiera kulę symbolizującą wodę, a w każdej kuli znajduje się fotografia z serii Morski pejzaż. Obie te wystawy są warte zobaczenia. Jednak jak to często bywa z wystawami Sugimoto, jedynie dotykają powierzchni ogromnego dorobku tego artysty. Jeśli więc nie znasz jego twórczości, oto kilka innych aspektów Hiroshiego Sugimoto.

Widzieć jak aparat

Hiroshi Sugimoto urodził się w Tokio w 1948 roku. Fotografować nauczył się jako dziecko, ale nie rozważał fotografii jako zawodu aż do późniejszych lat. Studiował ekonomię na Uniwersytecie Świętego Pawła w Japonii. Cztery lata po ukończeniu studiów przeprowadził się do Los Angeles i zapisał się na studia podyplomowe w Art Center College of Design. W tym samym roku doznał olśnienia dotyczącego artystycznego potencjału fotografii do ujawniania ukrytych prawd o świecie. To olśnienie nastąpiło podczas podróży do Nowego Jorku, kiedy odwiedził Amerykańskie Muzeum Historii Naturalnej. Muzeum słynie z dioram, w których modele ludzi i zwierząt w naturalnej wielkości z różnych epok są prezentowane wśród artefaktów z ich czasów. W tle każdej dioramy znajduje się fotografia lub obraz natury, dodając dwuwymiarowy element do sceny, który jest oczywiście sztuczny i zwykle nieco kiczowaty.

Patrząc na jedną z tych dioram, Sugimoto przypadkowo zamknął jedno oko. To sprawiło, że nagle zdał sobie sprawę, iż patrząc na coś jednym okiem spłaszcza całą scenę, sprawiając, że wygląda ona tak, jakby została sfotografowana obiektywem aparatu. Patrzenie na dioramę w ten sposób sprawiło, że całość wyglądała bardziej realistycznie. Sugimoto wrócił więc do muzeum z aparatem i wykonał czarno-białe fotografie dioram. Co zadziwiające, fotografie spłaszczyły wszystkie elementy dioram, nie tylko tło, a sceny nabrały niesamowitej realności. Jego seria Diorama stała się pierwszą z wielu serii, które później realizował, polegających na ponownym fotografowaniu czegoś lub fotografowaniu czegoś sztucznego, jak figury w muzeach woskowych. Zapytany w wywiadzie z 2014 roku z dyrektorem Muzeum Getty, Timothym Potts o fascynację tym procesem, Sugimoto powiedział: „Fotografia to tworzenie kopii rzeczywistości, ale gdy jest fotografowana dwukrotnie, wraca z powrotem do rzeczywistości. To moja teoria.”

Hiroshi Sugimoto - Wodospad Kegon, 1976, odbitka żelatynowo-srebrowa, negatyw nr 00.001, obraz: 119,4 x 149,2 cm, rama: 154,2 x 182,2 cm, edycja 5, (20200)

Co widzisz

Po serii Diorama Sugimoto rozpoczął pracę nad pierwszymi fotografiami z serii Teatr. Podobnie jak seria Diorama, seria Teatr stawia pytanie, czy to, co widoczne na fotografii, jest prawdziwe. Gdy oglądamy hollywoodzki film, wiemy, że nie oglądamy czegoś, co naprawdę się wydarzyło. To jest scenariusz, więc jest fałszywe, prawda? A jednak te fotografie Sugimoto, które zawierają wizualne informacje całych filmów, uchwytują coś, co naprawdę się wydarzyło — projekcję filmu. Fotografie rejestrują rzeczywistość, co podkreślają wersje serii Drive-In Theater, które uchwyciły smugi światła na niebie za ekranem, gdy samoloty przelatują podczas całego filmu. Czy więc to, co widzimy, jest prawdziwe czy fałszywe? Jasne, srebrne światło w centrum obrazu to nie tylko światło — to opowieść. I choć była zaplanowana, naprawdę się wydarzyła. Jak zauważa Sugimoto, w jakiś sposób podwójne sfotografowanie jej sprawia, że staje się ona znowu prawdziwa.

Po rozpoczęciu serii Teatr Sugimoto przystąpił do serii Morski pejzaż. Obrazy w tej serii są, formalnie rzecz biorąc, geometryczne i abstrakcyjne. W grupach obrazy te nabierają również typologicznej obecności w tradycji Bernda i Hilli Becherów. Chociaż nie są to zdjęcia zdjęć, jak w jego wcześniejszych seriach Diorama i Teatr, pełnią podobną funkcję. Sugimoto pokazuje nam zdjęcia różnych rzeczy, które wyglądają tak samo. Prezentuje je tak, jak wyglądają o różnych porach dnia i w różnych warunkach atmosferycznych. Oczywiście są różne. Ale są też oczywiście takie same. Powietrze i woda to tylko część świata fizycznego. Ale nabierają też cech abstrakcyjnych. Morze staje się symbolem. I znów możemy zapytać, co widzimy. Czy to obrazy prawdziwego świata, czy rozpuściły się w alegorii lub metaforze?

Hiroshi Sugimoto - Ocean Północno-Pacyficzny, Ohkurosaki, 2013, odbitka żelatynowo-srebrowa, negatyw nr 582, obraz: 119,4 x 149,2 cm, rama: 154,2 x 182,2 cm, edycja 5, (20192)

Obrazy świata

Sugimoto nazywa to zjawisko rozpuszczania się rzeczywistego w nierealne i odwrotnie w swojej pracy „metodą badania ludzkiego postrzegania”. I kontynuował tę metodę badawczą na wiele fascynujących sposobów przez dziesięciolecia. W latach 90. powrócił do Japonii i po siedmiu latach biurokratycznych trudności uzyskał pozwolenie na fotografowanie starożytnej instalacji w buddyjskiej świątyni zwanej „Tysiącramiennym Miłosiernym Bodhisattwą Awalokiteśwarą”. Instalacja przedstawia liczne rzeźby Buddy jako fizyczną manifestację życia pozagrobowego. Sugimoto fotografował instalację o różnych porach dnia, ukazując cienie i światło oświetlające różne elementy w różnym czasie. Powstała seria Morze Buddy to abstrakcyjne badanie formy i czasu.

W swojej serii Architektura, również rozpoczętej w latach 90., Sugimoto wykonuje całkowicie rozmyte zdjęcia ikonicznych form architektonicznych, takich jak wieże World Trade Center i Wieża Eiffla. Tymczasem w serii „Chwała cienia” co noc zapala świecę przy otwartym oknie i wykonuje jedno naświetlenie, utrzymując migawkę otwartą przez cały czas palenia się świecy, aż do jej wypalenia lub zgaszenia. W serii Drzewa sosnowe wykonał rozmyte zdjęcia idealnych sosen w Cesarskim Pałacu w Japonii, a następnie skomponował je w surrealistyczne kompozycje porównywalne do XVI-wiecznych Shorinzu „Ekranów sosnowych lasów”. Wszystkie te serie pokazują prawdziwy świat w rozmyty, oniryczny sposób. Wszystkie cechują się długimi czasami naświetlania. Cofają nas w czasie i pozwalają połączyć się z pradawnymi, uniwersalnymi wizjami architektury, światła i natury. Pomagają nam widzieć te rzeczy zarówno jako wspomnienia, jak i idee.

Hiroshi Sugimoto - Sala 37, Palais de Tokyo, Paryż, 2013, odbitka żelatynowo-srebrowa, negatyw nr 279, obraz: 119,4 x 149,2 cm, rama: 154,2 x 182,2 cm, edycja 5, (20218)

Świat w czerni i bieli

Oprócz wymienionych już serii Sugimoto pracuje nad kilkoma innymi, które trwają latami, jeśli nie dziesięcioleciami. Poza fotografią tworzy także rzeźby, występuje na scenie i realizuje prace site-specific. Wszystko to wydaje się różne i być może niepowiązane, ale w istocie można to wszystko zrozumieć dzięki temu samemu rozumowaniu, którego Sugimoto używa, odpowiadając na pytanie, dlaczego tak często wybiera fotografię czarno-białą. Jego odpowiedź brzmi: „Wiarygodność jest lepsza w czerni i bieli niż w kolorze.”

Kolorowe fotografie nigdy nie oddają naszego prawdziwego doświadczenia koloru. Wybierając czerń i biel, tworzy obrazy bardziej abstrakcyjne i bardziej uniwersalne. To wariacja japońskiej koncepcji honka-dori, czyli naśladowania dzieła innego artysty. Sugimoto przedstawia to, co już istnieje w różnych formach, ale idealna kopia nie jest możliwa, a także nie jest pożądana. Pokazuje więc rzeczywistość w formie abstrakcyjnej. Odnosi się do naszych wspomnień i wspólnej przeszłości. Jak sam mówi, „przejmuje melodię” jako sposób wywołania czegoś podobnego i uniwersalnego, co, miejmy nadzieję, każdy może zrozumieć.

Hiroshi Sugimoto - Morze Tasmańskie, Rocky Cape, 2016, odbitka żelatynowo-srebrowa, negatyw nr 584, obraz: 119,4 x 149,2 cm, rama: 154,2 x 182,2 cm, edycja 5, (20193)

Zdjęcie główne: Hiroshi Sugimoto - Paramount Theater, Newark, 2015, odbitka żelatynowo-srebrowa, negatyw nr 36.002, obraz: 119,4 x 149,2 cm, rama: 154,2 x 182,2 cm, edycja 5, (20220)

Wszystkie zdjęcia © Hiroshi Sugimoto, za zgodą artysty i Marian Goodman Gallery

Autor: Phillip Barcio