Uchwycenie Przemijania Czasu - Fotografia Hiroshi Sugimoto

Wystawy dualne trwające do 22 grudnia w paryskiej i londyńskiej lokalizacji Marian Goodman Gallery badają twórczość Hiroshi Sugimoto, uznanego fotografa, rzeźbiarza i artysty konceptualnego, którego prace poruszają tajemnice ludzkiej percepcji. Wystawa w Londynie, zatytułowana Snow White, koncentruje się na jednym zbiorze fotografii, nad którym Sugimoto pracuje od 1978 roku, zwanym serią Teatr. Każde zdjęcie w tej serii przedstawia kino z ekranem w centrum obrazu. Ekran świeci jasno, jak srebrne światło. Aby zrobić te zdjęcia, Sugimoto ustawia aparat wielkoformatowy, otwiera migawkę, a następnie trzyma migawkę otwartą przez cały czas trwania filmu, rejestrując każdą klatkę filmu na jednej klatce filmu. Fotografie uchwycają upływ czasu i stawiają pytania o to, co jest prawdziwe, a co fikcyjne. Tymczasem wystawa w Paryżu, zatytułowana Surface Tension, koncentruje się na dwóch innych zbiorach prac, nad którymi Sugimoto pracował. Pierwszy to jego seria Seascape, którą rozwija od 1980 roku. W tej serii Sugimoto robi zdjęcia spokojnych mórz na całym świecie. Każde zdjęcie jest doskonale zrównoważone—połowa wody i połowa powietrza, z linią horyzontu w środku obrazu. Obok zdjęć Seascape można zobaczyć pięć rzeźb z serii Pięć Elementów. Te rzeźby składają się z pięciu geometrycznych kształtów, symbolizujących ziemię, wodę, ogień, powietrze i pustkę. Każda rzeźba zawiera kulę, symbolizującą wodę, a każda kula zawiera fotografię z serii Seascape. Obie te wystawy są obowiązkowe do zobaczenia. Ale jak w przypadku wielu wystaw Sugimoto, tylko muska się powierzchnię ogromnego dorobku, jaki ten artysta stworzył. Więc jeśli nie znasz jego pracy, oto kilka innych z wielu stron Hiroshi Sugimoto.

Zobacz jak kamera

Hiroshi Sugimoto urodził się w Tokio w 1948 roku. Jako dziecko nauczył się robić zdjęcia, ale nie uważał fotografii za karierę aż do znacznie później. Studiował ekonomię na Uniwersytecie Świętego Pawła w Japonii. Jednak cztery lata po ukończeniu studiów, Sugimoto przeprowadził się do Los Angeles i zapisał się na studia podyplomowe w Art Center College of Design. I w tym samym roku miał objawienie dotyczące artystycznego potencjału fotografii do ujawniania ukrytych prawd o świecie. Jego objawienie miało miejsce podczas podróży do Nowego Jorku, podczas której odwiedził Amerykańskie Muzeum Historii Naturalnej. Muzeum jest znane z dioram, w których przedstawione są modele ludzi i zwierząt w naturalnej wielkości z różnych okresów historycznych wśród artefaktów ich epoki. W tle każdej dioramy znajduje się albo fotografia, albo obraz natury, dodający dwuwymiarowy element do sceny, który jest oczywiście sztuczny i zazwyczaj nieco kiczowaty.

Patrząc na jeden z tych dioram, Sugimoto przypadkowo zamknął jedno oko. To sprawiło, że nagle zdał sobie sprawę, że patrząc na coś tylko jednym okiem, spłaszczał całą scenę, sprawiając, że wyglądała tak, jakby została sfotografowana obiektywem aparatu. Patrzenie na dioramę w ten sposób sprawiło, że całość wyglądała bardziej realistycznie. Sugimoto wrócił więc do muzeum ze swoim aparatem i zrobił czarno-białe zdjęcia dioram. Co zaskakujące, zdjęcia spłaszczyły wszystkie elementy dioram, nie tylko tło, a sceny nabrały niesamowitej rzeczywistości. Jego seria Diorama stała się pierwszą z wielu serii prac, które od tego czasu realizował, polegających na ponownym fotografowaniu czegoś lub robieniu zdjęć czegoś, co jest fałszywe, takiego jak figury w muzeach woskowych. Kiedy zapytanow wywiadzie z 2014 roku z dyrektorem Muzeum Getty Timothy'm Potts'em o jego fascynację tym procesem, Sugimoto powiedział: “Fotografia to robienie kopii rzeczywistości, ale kiedy jest fotografowana dwa razy, wraca z powrotem do rzeczywistości. To moja teoria.”

Hiroshi Sugimoto - Kegon Waterfall, 1976, Gelatin silver print, Neg. #00.001, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20200)

Na co patrzysz

Sugimoto kontynuował swoją serię Diorama swoimi pierwszymi fotografiami Teatru. Podobnie jak seria Diorama, seria Teatru stawia pytanie, czy to, co widać na fotografii, jest prawdziwe. Jeśli oglądamy hollywoodzki film, wiemy, że nie oglądamy czegoś, co naprawdę się wydarzyło. Jest to napisane, więc jest fałszywe, prawda? A jednak te fotografie, które robi Sugimoto, zawierające wizualne informacje z całych filmów, uchwycają coś, co naprawdę się wydarzyło—projekcję filmu. Fotografie uchwycają rzeczywistość, co podkreśla wersja serii Drive-In Theater, która rejestruje smugi światła na niebie za ekranem, gdy samoloty przelatują w trakcie filmu. Więc czy to, co widzimy, jest prawdziwe czy fałszywe? Jasne, srebrne światło w centrum obrazu to nie tylko światło— to historia. I chociaż była napisana, to się wydarzyło. Jak zauważa Sugimoto, w jakiś sposób sfotografowanie tego dwa razy sprawia, że staje się to znowu prawdziwe.

Po rozpoczęciu swojej serii Teatr, Sugimoto przystąpił do serii Morski Krajobraz. Obrazy w tej serii są, mówiąc formalnie, geometryczne i abstrakcyjne. Gdy są oglądane w grupach, obrazy przyjmują również typologiczną obecność w tradycji Bernda i Hilli Becher. Chociaż nie są to zdjęcia zdjęć, jak miało to miejsce w jego wcześniejszych seriach Diorama i Teatr, pełnią jednak podobną funkcję. Sugimoto pokazuje nam zdjęcia różnych rzeczy, które wyglądają tak samo. Pokazuje je nam, jak wyglądają o różnych porach dnia i w różnych warunkach atmosferycznych. Są oczywiście różne. Ale są również oczywiście takie same. Powietrze i woda są tylko częścią fizycznego świata. Ale przyjmują również abstrakcyjną jakość. Morze staje się symbolem. I znów możemy zapytać, na co patrzymy. Czy te obrazy przedstawiają rzeczywisty świat, czy też rozpuściły się w alegorii lub metaforze?

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

Obrazy świata

Sugimoto nazywa to zjawisko realności rozpuszczającej się w nierealności, i odwrotnie, w swojej pracy, „metodą testową do badania percepcji ludzkiej”. I kontynuował tę metodę testową na kilka fascynujących sposobów przez dekady. W latach 90. podróżował z powrotem do Japonii i, po przebrnięciu przez siedem lat biurokracji, otrzymał pozwolenie na sfotografowanie starożytnej instalacji wewnątrz buddyjskiej świątyni zwanej „Tysiąc Rąk Miłosiernego Bodhisattwy Avalokiteśwary”. Instalacja przedstawia liczne rzeźbiarskie przedstawienie Buddy jako fizycznej manifestacji życia po śmierci. Sugimoto fotografował instalację o różnych porach dnia, ukazując cienie i światło oświetlające różne elementy w różnych momentach. Powstała seria, Morze Buddy, jest abstrakcyjnym badaniem formy i czasu.

W swojej serii Architektura, również rozpoczętej w latach 90., Sugimoto wykonuje całkowicie rozmyte obrazy ikonicznych form architektonicznych, takich jak wieże World Trade Center i Wieża Eiffla. Tymczasem w swojej serii „Pochwała Cienia” zapala świecę każdej nocy przy otwartym oknie i wykonuje pojedynczą ekspozycję jej palącej się przez cały czas z otwartą migawką w aparacie, aż świeca się wypali lub zgaśnie. W serii Sosny wykonał rozmyte obrazy idealnych sosen w Japońskim Pałacu Cesarskim, a następnie skomponował je w surrealistyczne kompozycje porównywalne do 16-wiecznych Shorinzu „Ekranów Sosnowego Lasu”. Wszystkie te serie ukazują rzeczywistość w rozmyty, marzycielski sposób. Wszystkie charakteryzują się długimi ekspozycjami. Przenoszą nas w czasie i pozwalają połączyć się z pradawnymi, uniwersalnymi wizjami architektury, światła i natury. Pomagają nam postrzegać te rzeczy zarówno jako wspomnienia, jak i idee.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

Świat w czerni i bieli

Oprócz każdego z tych już wspomnianych obszarów pracy, Sugimoto ma także kilka innych serii, nad którymi pracuje, z których każda trwa latami, jeśli nie dziesięcioleciami. Oprócz swojej pracy fotograficznej, tworzy również rzeźby, angażuje się w występy i tworzy prace specyficzne dla miejsca. Wszystkie te rzeczy, które robi, wydają się różne i być może niepowiązane, ale w ich sercu można je wszystkie zrozumieć przy użyciu tego samego rozumowania, którego Sugimoto używa, gdy odpowiada na pytanie, dlaczego tak często wybiera robienie zdjęć w czerni i bieli. Jego odpowiedź na to pytanie brzmi: „Wiarygodność jest lepsza w czerni i bieli niż w kolorze."

Kolorowe fotografie nigdy nie oddają naszego prawdziwego doświadczenia koloru. Wybierając czarno-białe, tworzy obrazy, które są bardziej abstrakcyjne i bardziej uniwersalne. To jest wariacja japońskiego konceptu honka-dori, czyli naśladowania pracy innego artysty. Sugimoto przedstawia to, co już istnieje w różnych formach, ale doskonała kopia nie jest możliwa, a także nie jest preferowana. Pokazuje nam więc rzeczywistość w formie abstrakcyjnej. Odnosi się do naszych wspomnień i naszej wspólnej przeszłości. Jak to ujął, „przyjmuje melodię”, aby wywołać coś podobnego i uniwersalnego, co mam nadzieję, że każdy może zrozumieć.

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

Obraz wyróżniający: Hiroshi Sugimoto - Teatr Paramount, Newark, 2015 Rycina żelatynowo-srebrna, Neg. #36.002, Obraz: 47 x 58 3/4 in. (119,4 x 149,2 cm), Ramka: 60 11/16 x 71 3/4 in., (154,2 x 182,2 cm), Edycja 5, (20220)

Wszystkie obrazy © Hiroshi Sugimoto, dzięki uprzejmości artysty i Marian Goodman Gallery

Autor: Phillip Barcio