Charlotte Park, Abstrakcyjna Artystka, Którą Warto Poznać

Znalazłem znajome rzeczy w pracy Charlotte Park. W jej obrazach widzę niemal nieograniczoną niepokój i poszukiwanie, które w pewnych momentach zastępowane są ciszą lub spokojem, ale zawsze z pewnością. Park nie jest dzisiaj szczególnie znaną artystką, chociaż jej najbliżsi współpracownicy należą do najsłynniejszych artystów minionego wieku. Była żoną Jamesa Brooksa, którego prace znajdują się w Tate, MoMA i Smithsonian, wśród innych kolekcji instytucjonalnych. Park i Brooks mieszkali obok Jacksona Pollocka i Lee Krasner w Nowym Jorku. Kiedy Pollock i Krasner przeprowadzili się do Hamptons, Park i Brooks przejęli ich mieszkanie, a później podążyli za nimi na Long Island. Mimo że towarzyszyło jej społecznie dziesiątki innych utalentowanych malarzy, Park rozwinęła unikalny głos wizualny, który dla mnie jest natychmiastowo zrozumiały. Być może jest stosunkowo nieznana dzisiaj w porównaniu do swoich współczesnych, ponieważ wszyscy oni byli radośnie związani z ekspresjonizmem abstrakcyjnym. Chociaż wielu współczesnych krytyków sztuki i dealerów próbowało na siłę „odkryć” Park na nowo i wcisnąć jej prace w ten sam kontekst historyczny, nie czuję potrzeby pisania o Park jako części tego ruchu, tendencji, zjawiska, czy czegokolwiek to było lub jest. Park wydaje mi się, że była na osobistej artystycznej drodze, która podążała unikalną ewolucją. W przeciwieństwie do wielu jej rówieśników, którzy osiągnęli sukces krytyczny, a następnie skostnieli, Park osiągnęła szczyt późno w swojej karierze, jak mądry mędrzec, który w końcu dociera na szczyt góry, widząc wszystko, w końcu, w najmniejszej rzeczy. Podczas gdy ekspresjonizm abstrakcyjny zawsze wydaje mi się być o pewnym rodzaju „ja”, Park stworzyła zbiór prac, który wydaje się bardziej o „wszystkości”. Jej obrazy nie tylko mapują jej indywidualność, ale także jej człowieczeństwo—jej ewolucję od poszukiwacza do wewnętrznego spokoju.

Postać w izolacji

Urodzona w Concord w Massachusetts w 1918 roku, Park uzyskała dyplom artystyczny na Uniwersytecie Yale w 1939 roku. Pracowała dla Biura Służb Strategicznych (OSS), które później stało się CIA, podczas II wojny światowej, a po wojnie przeprowadziła się do Nowego Jorku z Brooksem. W powojennej Manhattanie ona i Brooks znaleźli się w samym centrum jednej z najbardziej dynamicznych awangard artystycznych na świecie. Jednak jedynym aspektem tej sceny, który wydaje się przenikać do prac Park z tamtego okresu, jest skupienie na abstrakcji. Jej obrazy zdradzają niewielkie zainteresowanie głównymi zagadnieniami jej współczesnych, takimi jak podświadomość, automatyczne rysowanie, transcendentalizm czy tworzenie mitów. Park nie wydaje się postrzegać siebie, jak Pollock, jako wcielenie natury. Zamiast tego malowała jak artystka zainteresowana zadawaniem fundamentalnych pytań o to, czym jest malarstwo i czy naprawdę nadaje się do wyrażania całości ludzkiego doświadczenia.

Charlotte Park - Słońce, 1950. Olej na papierze naklejonym na płótno. 18 x 24 cali. (45,7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Wczesne obrazy, takie jak „Masque” (1950), „Słońce” (1950) i „Odejście” (1955), sugerują kogoś, kto zdaje się próbować malować tłumy—stłoczone, biomorficzne formy uwięzione w grze pchania i ciągnięcia. Same formy w tych obrazach nie są naprawdę tematem. Raczej to relacje między nimi a ich otoczeniem wydają się ważne. W rozszerzonej serii głównie czarnych obrazów, które zaczęła tworzyć w latach 50., Park wydawała się próbować przebić przez plastikowe rzeczywistości, aby odkryć coś za powierzchnią. Złość i frustracja wydają się być zakorzenione w tych szorstkich wizualnych wybuchach. Emocje, alegoria i metafora próbują się wyrazić, ale obrazy wydają się niemal niewystarczające, aby przekazać ich przesłania. Jednym stwierdzeniem, które te obrazy udaje się powtarzać w kółko, jest to, że ktokolwiek je namalował, czuje się samotny.

Charlotte Park - Bez tytułu, 1985. Akryl na papierze. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks i Fundacja Charlotte Park. Dzięki Berry Campbell Gallery

Znalezienie siatki

Niektórzy pisarze opierają się wezwaniu do opowiadania historii, jakkolwiek dziwnie to może brzmieć. Po prostu chcą pisać, bez struktury, bez oczekiwań. Historia może być klatką, która odbiera pisarzowi wiele kreatywnych swobód. Niektórzy malarze czują to samo w odniesieniu do siatki. Konieczność tworzenia tzw. kompozycji, które przestrzegają istniejących formatów wizualnych, jest źródłem prawdziwej frustracji dla artysty, który po prostu chce malować. Lęk obecny w jej pracy przez większość jej kariery sugeruje, że Park była intymnie zaznajomiona z tą walką. W latach 50. i 60. oraz na początku lat 70. jej prace walczą z granicami ramy, podważając wpływ siatki, odrzucając tradycyjne pojęcia harmonii i równowagi oraz ignorując pojęcia strategii kompozycyjnej „wszystko na raz”, przyjętej przez wielu jej współczesnych. Wiele obrazów, które stworzyła w tej pierwszej połowie swojej kariery, wcale nie wydaje mi się obrazami – wydają się walkami: walkami z przestrzenią; walkami ze światłem; walkami z materialnością; walkami z tym, co Polinezyjczycy nazywają mana: energią, która gromadzi się we wszystkich rzeczach.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Akryl na płótnie. 18 x 18 cali (45,7 x 45,7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park wkładała energię w swoje obrazy. Przenosiła coś animowanego z siebie, lub z siebie, w rzecz nieożywioną, obraz. Ta walka jednak nagle się skończyła, około połowy lat 70., kiedy Park podjęła nieoczekiwaną estetyczną odskocznię – w stronę Pieta Mondriana i dziedzictwa Neo-Plastycyzmu. Obrazy takie jak „Gerardia” (1975), „Hellebore” (1975-77) i „Pereshia” (1976-78) zaczynają się dokładnie tam, gdzie uproszczona, neo-plastyczna paleta kolorów i struktura siatki Mondriana się kończą. Tyle że Park robi to wszystko ręcznie, i z wolnym umysłem. Jej faza malowania w stylu neo-plastycznym była krótka, ale idea siatki pozostała obecna w jej pracy przez resztę jej kariery. Jakby zamiast zmagać się z ograniczeniami ramy i antyliberalizmem struktury kompozycyjnej, Park niespodziewanie znalazła jakąś tajemną wolność w przyjęciu takich parametrów. Jej obrazy zawsze były pewne siebie, ale późne pojawienie się siatki w nich sprawiło, że stały się ciche i spokojne. Osobiście najmniej identyfikuję się z tymi spokojnymi obrazami w jej dorobku, ale stawiam, że moja opinia nic by nie znaczyła dla Park, ponieważ była rzadką artystką, która malowała głównie dla siebie.

Obraz wyróżniony: Charlotte Park - Bez tytułu, 1960. Olej na płótnie. 34 x 34 cali. (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio