Charlotte Park, Abstrakcyjna Artystka, Którą Warto Poznać

W twórczości Charlotte Park odnajduję znajome rzeczy. W jej obrazach widzę niemal nieograniczony niepokój i poszukiwanie, które w pewnych momentach zastępuje spokój lub bezruch, ale zawsze z pewnością siebie. Park nie jest dziś szczególnie znaną artystką, choć jej najbliżsi współpracownicy należą do najsłynniejszych artystów minionego wieku. Była żoną Jamesa Brooksa, którego prace znajdują się w kolekcjach takich instytucji jak Tate, MoMA czy Smithsonian. Park i Brooks mieszkali obok Jacksona Pollocka i Lee Krasner w Nowym Jorku. Gdy Pollock i Krasner przeprowadzili się do Hamptons, Park i Brooks zajęli ich mieszkanie, a potem podążyli za nimi na Long Island. Mimo że towarzysko otaczało ich dziesiątki innych utalentowanych malarzy, Park wypracowała wyjątkowy język wizualny, który dla mnie jest od razu zrozumiały. Być może jest dziś stosunkowo nieznana w porównaniu z rówieśnikami, ponieważ wszyscy oni radośnie kojarzyli się z ekspresjonizmem abstrakcyjnym. Chociaż wielu współczesnych krytyków i handlarzy sztuki usilnie próbuje „odkryć na nowo” Park i wpasować jej twórczość w ten sam historyczny kontekst, nie czuję potrzeby pisania o Park jako części tego ruchu, tendencji czy zjawiska, czymkolwiek ono było lub jest. Park wydaje mi się być na osobistej artystycznej drodze, która podążała unikalną ewolucją. W przeciwieństwie do wielu jej kolegów, którzy osiągnęli sukces krytyczny, a potem zastygli w miejscu, Park osiągnęła szczyt późno w swojej karierze, niczym mądry mędrzec, który wreszcie dociera na szczyt góry, widząc wszystko, wreszcie, w najmniejszej rzeczy. Podczas gdy ekspresjonizm abstrakcyjny zawsze wydaje mi się być o pewnego rodzaju „ja-owości”, Park stworzyła zbiór dzieł, które bardziej mówią o „wszystko-ści”. Jej obrazy nie tylko odzwierciedlają jej indywidualność, ale i człowieczeństwo — jej przemianę od poszukiwacza do wewnętrznego spokoju.

Postać w izolacji

Urodzona w Concord w stanie Massachusetts w 1918 roku, Park ukończyła studia artystyczne na Yale w 1939 roku. Podczas II wojny światowej pracowała dla Office of Strategic Services (OSS), który później stał się CIA, a po wojnie przeprowadziła się do Nowego Jorku razem z Brooksem. W powojennym Manhattanie znaleźli się w centrum jednej z najbardziej żywiołowych awangard artystycznych na świecie. Jednak jedynym aspektem tej sceny, który zdaje się przenikać do twórczości Park z tamtego czasu, jest skupienie na abstrakcji. Jej obrazy zdradzają niewielkie zainteresowanie głównymi tematami jej współczesnych, takimi jak podświadomość, automatyczne rysowanie, transcendentalizm czy tworzenie mitów. Park nie wydaje się postrzegać siebie, jak Pollock, jako ucieleśnienie natury. Zamiast tego malowała jak artystka zainteresowana zadawaniem fundamentalnych pytań o to, czym jest malarstwo i czy rzeczywiście nadaje się do wyrażania całokształtu ludzkiego doświadczenia.

Charlotte Park - Słońce, 1950. Olej na papierze zamontowanym na płótnie. 45,7 x 61 cm. © Berry Campbell Gallery

Wczesne obrazy takie jak „Maska” (1950), „Słońce” (1950) i „Odejście” (1955) sugerują osobę, która zdaje się próbować malować tłumy — skupione, biomorficzne formy uwięzione w grze pchania i ciągnięcia. Same formy na tych obrazach nie są właściwie tematem. Ważne wydają się raczej relacje między nimi a ich otoczeniem. W rozbudowanej serii głównie czarnych obrazów, które zaczęła tworzyć w latach 50., Park zdawała się próbować przedrzeć przez plastikowe rzeczywistości, by odkryć coś pod powierzchnią. Gniew i frustracja zdają się być zakorzenione w tych surowych wizualnych wybuchach. Emocje, alegoria i metafora próbują się wyrazić, ale obrazy wydają się niemal nieadekwatne, by nieść ich przesłania. Jedno oświadczenie, które te obrazy powtarzają wielokrotnie, to że ten, kto je namalował, czuje się samotny.

Charlotte Park - Bez tytułu, 1985. Akryl na papierze. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks and Charlotte Park Foundation. Za zgodą Berry Campbell Gallery

Odnalezienie siatki

Niektórzy pisarze opierają się potrzebie opowiadania historii, choć może to brzmieć dziwnie. Po prostu chcą pisać, bez struktury, bez oczekiwań. Opowieść może być klatką, która odbiera pisarzowi wiele swobód twórczych. Podobnie niektórzy malarze czują się wobec siatki. Tworzenie tzw. kompozycji, które muszą odpowiadać istniejącym wzorcom wizualnym, jest źródłem prawdziwej frustracji dla artysty, który po prostu chce malować. Niepokój obecny w jej twórczości przez większość kariery sugeruje, że Park dobrze znała tę walkę. W latach 50., 60. i na początku 70. jej prace buntowały się przeciw granicom ramy, omijały wpływ siatki, odrzucały tradycyjne pojęcia harmonii i równowagi oraz ignorowały koncepcję „wszechobecnej” strategii kompozycyjnej, którą przyjmowało wielu jej współczesnych. Wiele obrazów z pierwszej połowy jej kariery wcale nie wydaje mi się obrazami — bardziej przypominają walki: walki z przestrzenią; walki ze światłem; walki z materialnością; walki z tym, co Polinezyjczycy nazywają mana: energią, która gromadzi się we wszystkich rzeczach.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Akryl na płótnie. 45,7 x 45,7 cm. © Berry Campbell Gallery

Park wkładała energię w swoje obrazy. Przenosiła coś ożywionego z siebie lub ze swojej osoby do nieożywionej rzeczy, obrazu. Ta walka nagle się zakończyła około połowy lat 70., gdy Park podjęła niespodziewany zwrot estetyczny — w stronę Pieta Mondriana i dziedzictwa neoplastycyzmu. Obrazy takie jak „Gerardia” (1975), „Ciemiernik” (1975-77) i „Pereshia” (1976-78) kontynuują tam, gdzie zakończyła się uproszczona paleta kolorów i struktura siatki Mondriana. Z tą różnicą, że Park robi to wszystko ręcznie, z wolnym umysłem. Jej faza malarstwa neoplastycyzmu była krótka, ale idea siatki pozostała obecna w jej twórczości do końca kariery. To tak, jakby zamiast walczyć z ograniczeniami ramy i antyliberalizmem struktury kompozycyjnej, Park niespodziewanie znalazła pewną tajemną wolność w przyjęciu takich parametrów. Jej obrazy zawsze były pewne siebie, ale późne pojawienie się siatki uczyniło je cichymi i spokojnymi. Osobiście najmniej utożsamiam się z tymi spokojnymi obrazami spośród całej jej twórczości, ale przypuszczam, że moja opinia nie miałaby dla Park żadnego znaczenia, ponieważ była rzadką artystką, która malowała głównie dla siebie.

Zdjęcie główne: Charlotte Park - Bez tytułu, 1960. Olej na płótnie. 86,4 x 86,4 cm. © Berry Campbell Gallery
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio