Nie czuj się smutny - kup zamiast tego niebieską sztukę abstrakcyjną!

Przez większość swojej wczesnej historii ludzie byli ślepi na niebieski kolor. Homer w swoich sugestywnych opisach nawiązywał do morza o barwie czerwonego wina, podczas gdy starożytne wyjaśnienia zjawisk naturalnych, takich jak tęcza, wyraźnie wykluczały niebieski. Większość Starego Świata korzystała z fascynujących egipskich niebieskich barwników, ale nie udało się znaleźć słowa opisującego niezliczone odcienie, które dziś zaliczamy do niebieskiego. Ten spóźniony kolor nie tylko stał się ulubieńcem świata sztuki, ale także najukochańszym spośród wszystkich barw – na całym świecie! Niebieskie abstrakcyjne dzieła sztuki wyjątkowo podkreślają tę niezrównaną fascynację niebieskim, która osiągnęła szczyt w XX wieku. Niebieski miał zająć centralne miejsce od samego początku XX wieku. Od przygnębiającego Niebieskiego Okresu Picassa po dzieła zdominowane przez niebieski grupy die Blau Reiter, niebieski ogłosił swoją niekwestionowaną dominację. W swoim dziele O duchowości w sztuce (1911) Kandinsky twierdzi, że niebieski jest kolorem duchowości, a im ciemniejszy, tym bardziej budzi w człowieku pragnienie wieczności. Możemy jedynie spekulować, czy pragnienie wieczności lub coś tak wzniosłego inspirowało najbardziej urzekające niebieskie abstrakcyjne dzieła sztuki, takie jak Divided by Blue Rothko, Blue II Miro czy Blueberry Eyes Kline’a, i wiele innych. Odpowiedź można być może znaleźć w naszym cotygodniowym zbiorze najbardziej fascynujących niebieskich abstrakcji wymienionych poniżej.

Arvid Boecker - #1276

Najnowsze dzieło Boeckera doskonale ukazuje jego wyjątkowe badanie samego koloru na standardowym prostokątnym płótnie, które jest podzielone linią podłużną na dwa pola pomalowane dwoma różnymi odcieniami niebieskiego. Skrupulatny wobec koloru Boecker nakłada do 40 warstw, zarówno rozmytych, jak i impastowych, ale także usuwa stare warstwy, pozwalając, by echa erozji pozostały widoczne. Długi proces tworzenia, podczas którego jego obrazy dojrzewają, jest z natury medytacyjny, ponieważ jednocześnie rozważa kolor i jego efekty. Boecker jest niemieckim malarzem abstrakcyjnym, którego prace mobilizują napięcia i harmonie istniejące między relacjami kolorów, fakturami i procesami czasu. Mieszka i pracuje w Heidelbergu w Niemczech.

 

Arvid Boecker - #1276, 2019. Olej na płótnie. 50 x 40 x 5,5 cm.

 

Kyong Lee - Emotional color chart 099

Emotional color chart 099 jest częścią serii rozpoczętej w 2016 roku, w której Lee zgłębia znaczenie koloru i emocjonalny język, który podświadomie łączy określone słowa z konkretnymi odcieniami. Ten stopniowany obraz kolorystyczny składa się z warstw farby nakładanych przez ustalony czas i z tym samym czasem odpoczynku. Budowanie, nakładanie i gromadzenie warstw daje unikalne przejścia, które podkreślają związek między kolorem a czasem i pozwalają jej wyrazić emocjonalne doświadczenia, które rozwijają się w czasie. Lee jest koreańską artystką abstrakcyjną, której prace godzą rzeczywistość fizyczną i emocjonalną poprzez wielodyscyplinarne badanie koloru, materiału, procesu i formy. Mieszka i pracuje w Seulu w Korei.

 

Kyong Lee - Emotional color chart 099, 2019. Ołówek i akryl na papierze Fabriano-pittura. 70 x 30 cm.

 

Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer

Część serii Covers, Covers 24 Blue C Summer, jest osobistym i indywidualnym hołdem dla okładek kultury popularnej z połowy XX wieku. Odzwierciedla Freeman’s redukcyjny język wizualny, bogaty w (sub)kulturowe odniesienia i zręcznie uchwycony w niebieskiej gwasz na ręcznie robionym indyjskim papierze Khadi. Użycie jednego koloru podkreśla interakcję tła i pierwszego planu, która wyraża fizyczność, emocje, ograniczenia i przypadkowość. Freeman jest amerykańską malarką abstrakcyjną, tworzącą minimalistyczne, redukcyjne obrazy i prace na papierze, z charakterystycznymi ostro zarysowanymi abstrakcyjnymi formami i odważnymi, żywymi, gesturalnymi znakami. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

 

Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016. Gwasz na ręcznie robionym papierze Khadi. 61 x 61 cm.

 

Debra Ramsay - Sky & Snow

Sky & Snow kontynuuje trwałe badania Ramsay nad kolorem, miejscem, światłem i czasem, które zaowocowały jej serią Hue[s]pace. Ramsay fotograficznie uchwytuje i odkrywa kolor, a następnie przekłada go na formułę farby za pomocą programu komputerowego. Jest głęboko zainspirowana naturą, a źródło kolorów w Sky & Snow jednoznacznie ujawnia swoje pochodzenie, gdyż niebieskie odcienie akrylu na pleksi tworzą mglistą, atmosferyczną aurę. Ramsay jest amerykańską artystką abstrakcyjną, tworzącą obrazy akrylowe, rysunki i instalacje, które badają koncepcyjną grę między kolorem, linią i powierzchnią. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

 

Debra Ramsay - Sky & Snow, 2016. Akryl na przezroczystym pleksi. 76,2 x 33 cm.

 

Marcy Rosenblat - Blue Shift

Znana z procesu twórczego, Rosenblat wylewa farbę i obraca sztalugę, pozwalając farbie kapać i podążać za swoim naturalnym ruchem. Każda warstwa farby w Blue Shift przypomina zasłonę, przez którą objawienie i zaciemnienie zanurzają widza i inicjują jego własną introspekcję. Materiał, którego Rosenblat używa jako pośrednika między ręką a płótnem, tworzy faktury i wzory, które wzmacniają iluzję malarską jej dzieła. Rosenblat jest amerykańską malarką abstrakcyjną procesu. Jej obrazy i odbitki są warstwowe, kolorowe i złożone. Urodzona w Chicago, Illinois, obecnie mieszka i pracuje w Brooklynie, Nowy Jork.

 

Marcy Rosenblat - Blue Shift, 2017. Akryl na lnie. 61 x 61 cm.

 

Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010

Część serii Chance/Fall, Chance/Fall (8), 2010 ukazuje Caldicotta zamiłowanie do improwizacji, w której nakładające się i unoszące warstwy migoczącego niebieskiego emanują świetlistą, kuszącą energią i hipnotyzują widza. Jego przejrzysta świetlistość przyczynia się do żywotności i uroku, które są przekonujące i urzekające. Używając najbardziej tradycyjnej techniki, Caldicott dostarcza lekkie i skromne dzieło, które odnosi się do modernizmu w nowatorski i unikalny sposób. Caldicott jest angielskim artystą, który bada abstrakcyjną fotografię i tworzy abstrakcyjne kompozycje na papierze. Mieszka i pracuje w Londynie.

 

Richard Caldicott - Chance/Fall (8), 2010. Odbitka C. 127 x 101,6 cm.

 

Dana Gordon - That Is

Gordon’s najnowsza praca odchodzi od jego uznanego kalejdoskopowego dzieła w rygorystycznym badaniu interakcji koloru, kształtu i linii. That Is jest, według Gordona, solidną integracją wszystkiego, co dotychczas pojawiło się w jego twórczości i obejmuje zgromadzone doświadczenie, emocje, napięcie i powściągliwość. Stosując ograniczoną paletę kontrastujących niebieskich i żółtych barw, bada ekspresyjne możliwości płynnej kaligrafii i jej zdolność do wyrażania ludzkiej natury i doświadczenia w pełni. Gordon jest amerykańskim malarzem abstrakcyjnym, którego żywiołowa twórczość od dziesięcioleci bezpośrednio bada potencjał znakowania i linii do tworzenia znaczących kolorów, kształtów i przestrzeni. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

 

Dana Gordon - That Is, 2018. Akryl i Flashe na płótnie. 121,92 x 152,4 cm.

 

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5

Cut-Up Paper I.5 jest symbolem charakterystycznego podejścia Pedersen – paleta ograniczona do wyraźnego niebieskiego i minimalnych kształtów o ostrych krawędziach na jednolitym tle. Jej przekonujące zestawienie formy i bezformy ukazuje harmonię i napięcie wpisane w kolory, wzory i kształty. Energicznie dąży do badania ewoluującej natury ich relacji, mieszając, przesuwając i nakładając je warstwami. Pedersen jest duńską artystką abstrakcyjną. Jej prace to minimalistyczne i konkretne badanie koloru, materialności, formy i równowagi. Mieszka i pracuje w Regionie Stołecznym Danii.

 

Ulla Pedersen - Cut-Up Paper I.5, 2016. Akryl na papierze. 30 x 30 cm.

 

Paul Snell - Intersect # 201803

Intersect # 201803 jest ikonicznym przykładem sensorycznego rozumienia obiektu fizycznego przez Snella. Ten świetlisty, żywy wydruk fotograficzny z dominującymi niebieskimi odcieniami jest wynikiem długiego i wymagającego procesu – cyfrowego dekodowania informacji wizualnej uchwyconej przez tradycyjny aparat, redukuje kolory i formę, aż wyłonią się ich autoreferencyjne relacje w nowej kompozycji. Kontynuując dziedzictwo malarstwa modernistycznego, minimalizmu i abstrakcji o ostrych krawędziach, tworzy ekscytujące dzieło, które skłania do refleksji i kontemplacji. Snell łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, aby badać możliwości abstrakcji i minimalizmu we współczesnych mediach fotograficznych. Mieszka i pracuje w Launceston, Tasmania.

 

Paul Snell - Intersect # 201803, 2018. Chromogeniczny wydruk, zamontowany na 4,5 mm pleksi. 118 x 118 cm.

 

Seb Janiak - Photon 06 (Medium)

Seria Photon wizualnie bada dwoistą naturę światła – zarówno jako falę, jak i cząstkę. Fundamentalne (meta)fizyczne założenie Janiaka i punkt wyjścia jego estetycznych eksploracji jest takie, że gdy obserwator postrzega światło, jego natura ulega zmianie. Aby zweryfikować swoje twierdzenia, Janiak używa obiektywu aparatu, który najbardziej przypomina oko. Pryzmat, używany jako pośrednik między okiem a widzialnym, rozkłada niewidzialne białe światło na siedem podstawowych kolorów, a Photon 04 izoluje niebieską część spektrum. Janiak jest artystą fotograficznym, którego prace badają warunki, w których przeciwieństwa mogą współistnieć, ujawniając wizualne cechy ukrytych sił kształtujących fizyczny wszechświat. Mieszka i pracuje w Paryżu, Francja.

 

Seb Janiak - Photon 06 (Medium), 2012. Chromogeniczny wydruk. 100 x 133 cm.

 

Odkryj więcej niebieskich abstrakcyjnych dzieł sztuki!

Zdjęcie wyróżnione: Joanne Freeman - Covers 24 Blue C Summer, 2016, widok instalacji.
Autor: Jovana Vuković