Pożegnanie z Siri Berg

Szwedzko-amerykańska artystka abstrakcyjna Siri Berg, członkini American Abstract Artists, której prace znajdują się w kolekcji Solomon R. Guggenheim Museum oraz innych instytucji, zmarła w Nowym Jorku w wieku 98 lat. Podobnie jak Josef Albers i inni artyści Bauhausu, którzy ją inspirowali, Berg poświęcała uwagę podstawowym elementom sztuki wizualnej: kolorowi, światłu, kształtowi, formie, materiałowi i kompozycji. Jej bezpośrednie dzieła odniosły sukces dzięki szczerości i pewności siebie. Berg nazywała swoje prace po prostu „oświadczeniami”. Choć jej twórczość jest abstrakcyjna, nie uważała jej za mistyczną, sugestywną czy pośrednią. Oświadczenie to coś autorytatywnego. Potwierdza. Ukazuje. Istota tego, co Berg wyrażała swoimi dziełami, zmieniała się w zależności od wielu czynników. Czasem tworzyła czysto formalistyczne obrazy, wyraźnie będące oświadczeniami o kolorze, jak seria „Gradation”. Innym razem malowała obrazy, które, choć wykorzystują kolor jako środek estetyczny, są także bezkompromisowo alegoryczne wobec relacji, jakie ludzie nawiązują między sobą i ze światem. Jej przełomowe dzieło „La Ronde” (1972) zawdzięcza nazwę sztuce Arthura Schnitzlera z 1897 roku, która opowiada o związkach seksualnych dziesięciu różnych osób. W swojej wersji „La Ronde” Berg namalowała serię płócien badających relacje między różnymi kolorami, umieszczając je w różnych kontekstach względem siebie. Tak jak postacie w sztuce Schnitzlera ukazują różne aspekty swojej osobowości w zależności od tego, z kim są blisko, Berg pokazuje, jak kolory zdają się całkowicie zmieniać swój wygląd w zależności od tego, z jakimi innymi kolorami są zestawione — to oświadczenie o tym, jak wszelkiego rodzaju zmiany często są jedynie złudzeniami naszej percepcji, spowodowanymi zmieniającymi się okolicznościami. Berg czerpała radość z takich rozmów, wiedząc, że jej prace mają moc je wywoływać.

Subtelne dialogi

Berg urodziła się w 1921 roku w Sztokholmie, Szwecja. W 1940 roku, po uzyskaniu dyplomu na Instytucie Sztuki i Architektury Uniwersytetu w Brukseli — a dokładnie w czasie, gdy Niemcy zaczęli okupować Belgię na początku II wojny światowej — uciekła samotnie do Ameryki, pokonując 28-dniową podróż na małym frachtowcu. Od początku wiedziała, że jej prawdziwe ambicje leżą w dziedzinie sztuki, jednak przez pierwsze dwadzieścia lat w Ameryce pracowała w pokrewnych dziedzinach twórczych: najpierw w modzie, a potem jako projektantka witryn sklepowych w domach towarowych. Dopiero w czterdziestce całkowicie poświęciła się malarstwu, najpierw malując w domu, a później wynajmując pracownię w SoHo, niedaleko miejsca zamieszkania. Od samego początku jej obrazy zajmowały indywidualne miejsce w kontekście jej współczesnych. Nie do końca minimalistyczne, ale dalekie od ekspresjonizmu; formalnie abstrakcyjne, a jednocześnie pełne treści alegorycznych: prace te realizowały cel, który Berg określała jako upewnienie się, że jest „obecna” w dziele.

Siri Berg - La Ronde, 1972. kat. nr 99, akryl na masonicie, 12” x 87” (7@12”x12” każdy). © Siri Berg

Co dla Berg oznaczało bycie „obecną”, to możliwość znalezienia sposobów, by jej doświadczenia i osobiste przeżycia znalazły wyraz w geometrycznych formach i relacjach kolorystycznych na jej obrazach. Jedno z jej najsłynniejszych wczesnych dzieł, „Cykl życia” (1967), stanowi doskonały, subtelny przykład tego połączenia osobistej treści i formalistycznej precyzji: wykorzystuje prostą, warstwową siatkę nakładających się kół oraz ograniczoną paletę barw, by wyrazić etapy rozwoju zarodka. Innym wyrafinowanym przykładem obecności Berg w dziele jest seria „Fazy”, w której częściowe i pełne koła są ułożone na płaskich powierzchniach w wzory siatkowe. Koła mogą przypominać fazy księżyca, ale w rzeczywistości są jedynie formalnymi oświadczeniami o istnieniu faz. Liczy się prawda istnienia faz, niezależnie od tego, czy mówimy o fazach geometrycznych, naturalnych, czy o zmieniających się i niepełnych fazach życia artystki.

Siri Berg - Cykl życia, 1967. kat. nr 53, olej na płótnie, 28” x 28”. © Siri Berg

Kontrasty i percepcja

Przez całą swoją karierę Berg trzymała się prostej palety złożonej z zaledwie dziewięciu podstawowych kolorów. Na bazie tego podstawowego zestawu pracowała nad mieszaniem barw, które „nie istnieją” w świecie naturalnym. Tworząc nienaturalne odcienie, potrafiła wywołać u odbiorców spotkania, podczas których mogli przestać obciążać się poszukiwaniem odniesień do natury. Sztuczność stawała się prawdą w jej obrazach. Uwolnione od narracyjnych odniesień spoza siebie, dzieła mogły swobodnie przekazywać dowolną treść, jaką Berg chciała im nadać. Jednym z jej ulubionych tematów była kabała, dziedzina ezoterycznych nauk żydowskich o relacji między nieskończonymi, boskimi siłami a skończonym, śmiertelnym wszechświatem. Berg badała ten koncept w swoich obrazach „Kabała”, skupiając się na jego najistotniejszym aspekcie: pojęciu kontrastów.

Siri Berg - Kabała, 1983. kat. nr 443, olej na płótnie, 12” x 12”. © Siri Berg

Inne ważne dla Berg zagadnienia to architektura i światło. Wyrażała te zainteresowania wyraźnie w swoich asamblażach z przedmiotów znalezionych. „Mouseballs” (1999), asamblaż złożony z sześciu kulek z myszy komputerowych przyklejonych do płótna, jest klasycznym przykładem. Kulki i powierzchnia są pomalowane na ten sam fioletowy odcień. Centralna część dzieła jest żłobiona, podczas gdy reszta jest płaska. Kulki rzucają cienie na żłobienia. Gdy oko przesuwa się od kul do żłobień, a potem do płaskiej powierzchni, pojawiają się ślady, tworząc odbijające się złudzenia cienia i formy. Inny asamblaż, „Singularności” (1980-99), składa się z siatki 25 przezroczystych, okrągłych przyssawek przyklejonych do białego płótna. Przyssawki rzucają okrągłe cienie i wywołują okrągłe ślady na płaskiej powierzchni. Choć zdecydowanie są to obrazy, a nie rzeźby, takie prace wyraźnie pokazują potencjał przestrzeni i światła do wpływania na ludzką percepcję. Ostatecznie to właśnie idea zmieniającej się percepcji była dla Berg najważniejsza, zwłaszcza jeśli chodzi o to, jak ludzie postrzegali ją jako artystkę. Jak powiedziała kiedyś, odpowiadając na pytanie, co znaczy być feministyczną artystką: „Chcę, aby moje dzieła były oglądane i doświadczane przez was takimi, jakimi są, a nie przez pryzmat tego, kim ja jestem.”

Zdjęcie główne: Siri Berg - Faza 25, 1973. kat. nr 152a, olej na płótnie, 12” x 14”. © Siri Berg
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio