Pożegnanie z Siri Berg

Szwedzka amerykańska artystka abstrakcyjna Siri Berg, członkini American Abstract Artists, której prace znajdują się w zbiorach Muzeum Solomona R. Guggenheima, między innymi, zmarła w Nowym Jorku w wieku 98 lat. Podobnie jak Josef Albers i inni artyści Bauhausu, którzy ją inspirowali, Berg poświęciła swoją uwagę fundamentalnym elementom sztuki wizualnej: kolorowi, światłu, kształtowi, formie, materiałowi i kompozycji. Jej proste dzieła sztuki odnosiły sukces dzięki swojej szczerości i pewności siebie. Berg kiedyś określiła swoje prace po prostu jako „oświadczenia”. Chociaż jej prace są abstrakcyjne, nie uważała ich za mistyczne, sugestywne ani pośrednie. Oświadczenie, wręcz przeciwnie, jest czymś autorytatywnym. Twierdzi. Odkrywa. Istota tego, co Berg wyrażała swoimi pracami, wahała się w zależności od wielu czynników. Czasami tworzyła czysto formalistyczne obrazy, które wyraźnie miały być oświadczeniami na temat koloru, takie jak jej seria „Gradacja”. Innym razem tworzyła obrazy, które, chociaż wykorzystują kolor jako estetyczne narzędzie, są również bezwstydnie alegoryczne na temat relacji, jakie ludzie rozwijają między sobą a światem. Jej przełomowe dzieło „La Ronde” (1972) nosi nazwę od sztuki Arthura Schnitzlera z 1897 roku La Ronde, która dotyczy relacji seksualnych między dziesięcioma różnymi osobami. W swojej wersji „La Ronde” Berg namalowała serię płócien, które badały relacje między różnymi kolorami, umieszczając różne kolory w różnych kontekstach ze sobą. Tak jak postacie w sztuce Schnitzlera ujawniają różne aspekty swojej osobowości w zależności od tego, z kim są bliskie, Berg pokazuje, jak kolory wydają się całkowicie zmieniać swój wygląd w zależności od tego, z jakimi innymi kolorami są zestawione — oświadczenie o tym, jak wszelkiego rodzaju zmiany są często jedynie fikcjami naszej percepcji, spowodowanymi zmieniającymi się okolicznościami. Berg cieszyła się z takich rozmów, które wiedziała, że jej prace mają moc wywoływania.

Subtelne dialogi

Berg urodziła się w 1921 roku w Sztokholmie, w Szwecji. W 1940 roku, po uzyskaniu dyplomu z Instytutu Sztuki i Architektury na Uniwersytecie w Brukseli—tuż po tym, jak Niemcy zaczęli okupować Belgię w pierwszych latach II wojny światowej—uciekła sama do Ameryki, stawiając czoła 28-dniowej podróży na małym frachtowcu. Od początku wiedziała, że jej prawdziwe ambicje są w dziedzinie sztuki, jednak Berg spędziła swoje pierwsze dwie dekady w Ameryce, pracując w pokrewnych dziedzinach kreatywnych: najpierw w modzie, a potem jako projektantka witryn w domach towarowych. W końcu w swoich czterdziestych latach całkowicie skupiła się na malarstwie, najpierw malując w swoim domu, a później wynajmując przestrzeń studia w SoHo, w pobliżu miejsca, gdzie mieszkała. Od samego początku jej obrazy zajmowały indywidualistyczną przestrzeń w kontekście jej współczesnych. Nie do końca minimalistyczne, ale dalekie od ekspresjonistycznych; formalnie abstrakcyjne, a jednocześnie pełne treści alegorycznych: prace te ilustrowały cel, który Berg określała jako upewnienie się, że była "tam" w dziele.

Siri Berg - La Ronde, 1972. kat #99, akryl na masonicie, 12” x 87” (7@12”x12” każdy). © Siri Berg

To, co dla Berg oznaczało bycie „tam”, polegało na tym, że mogła znaleźć sposoby, aby jej doświadczenia i osobiste próby znalazły swoje miejsce w geometrycznych formach i relacjach kolorystycznych w jej obrazach. Jedno z jej najsłynniejszych wczesnych dzieł, „Cykl życia” (1967), stanowi doskonały subtelny przykład tego połączenia osobistej treści i formalistycznej precyzji: mobilizuje prostą warstwową siatkę nakładających się okręgów oraz ograniczoną paletę kolorów, aby wyrazić etapy rozwoju zarodka. Inny subtelny przykład obecności Berg w pracy można znaleźć w jej serii „Fazy”, w której częściowe i pełne okręgi są ustawione na płaskich powierzchniach w wzorach siatki. Okręgi mogą wydawać się przypominać fazy księżyca, ale w rzeczywistości są jedynie formalnymi stwierdzeniami faktu faz. Prawda o istnieniu faz jest tym, co ma znaczenie, niezależnie od tego, czy mówimy o fazach geometrycznych, naturalnych, czy o zmieniających się i niekompletnych fazach życia artysty.

Siri Berg - Cykl Życia, 1967. kat #53, olej na płótnie, 28” x 28”. © Siri Berg

Kontrasty i percepcja

Przez całą swoją karierę Berg trzymała się prostej palety składającej się z zaledwie dziewięciu podstawowych kolorów. Zaczynając od tego podstawowego schematu, pracowała nad mieszaniem kolorów, które "nie istnieją" w świecie naturalnym. Rozwijając nienaturalne odcienie, była w stanie zainicjować spotkania z widzami, w których mogli przestać obciążać się poszukiwaniem odniesień do natury. Sztuczność stała się prawdą w jej obrazach. Uwolniona od narracyjnych odniesień zewnętrznych, praca jest wolna, by komunikować jakąkolwiek treść, którą Berg zamierzała, aby niosła. Jednym z jej ulubionych tematów była Kabała, dziedzina ezoterycznych nauk żydowskich o relacji między nieskończonymi, boskimi siłami a skończonym, śmiertelnym wszechświatem. Berg badała ten koncept w swoich obrazach "Kabała", koncentrując się na jego najistotniejszym aspekcie: pojęciu kontrastów.

Siri Berg - Kabała, 1983. kat#443, olej na płótnie, 12” x 12”. © Siri Berg

Inne kwestie ważne dla Berg obejmowały architekturę i światło. Wyraźnie wyraziła te zainteresowania w swoich assemblage'ach z przedmiotów znalezionych. "Mouseballs" (1999), assemblage składający się z sześciu kul rollerów z myszek komputerowych przymocowanych do płótna, jest klasycznym przykładem. Kulki myszek i powierzchnia są pomalowane na ten sam fioletowy odcień. Centralna część pracy jest żebrowana, podczas gdy reszta jest płaska. Kulki myszek rzucają cienie na żebra. Gdy oko przemieszcza się od kul do żeber do płaskiej powierzchni, pojawiają się ślady, tworząc odbijające się iluzje cienia i formy. Inny assemblage, "Singularities" (1980-99), składa się z siatki 25 przezroczystych, okrągłych przyssawek przymocowanych do białego płótna. Przyssawki rzucają okrągłe cienie i wywołują okrągłe ślady na płaskiej powierzchni. Choć zdecydowanie są to obrazy, a nie rzeźby, takie prace wyraźnie stawiają tezy na temat potencjału przestrzeni i światła w wpływaniu na ludzką percepcję. Ostatecznie, idea zmieniających się percepcji była tym, co było najważniejsze dla Berg, zwłaszcza jeśli chodzi o to, jak ludzie postrzegali ją jako artystkę. Jak kiedyś powiedziała w odpowiedzi na pytanie o to, co oznacza być feministyczną artystką: "Chcę, aby moja praca była postrzegana i doświadczana przez ciebie za to, czym jest, a nie za to, kim jestem."

Obraz wyróżniony: Siri Berg - Faza 25, 1973. kat#152a, olej na płótnie, 12” x 14”. © Siri Berg
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio