Udekoruj swoją ścianę fioletową sztuką abstrakcyjną!
Niedobór pigmentu pozyskiwanego z muszli śródziemnomorskich ślimaków sprawił, że purpura tyreńska od najdawniejszych czasów była obdarzana superlatywami – najbardziej prestiżowy, podziwiany i najdroższy ze wszystkich kolorów. Od starożytnej Persji przez Rzym po Bizancjum ustanowiono ją symbolem władzy i królewskości, zarezerwowanym wyłącznie dla najwyższych dostojników. Poza zdobieniem świętych pism czy portretowaniem wielmożów swoich czasów, purpurowy pigment był dla artystów dawnych epok praktycznie nieosiągalny aż do wynalezienia pigmentu syntetycznego w XIX wieku. Początkujący artyści abstrakcyjni śpieszyli się, by odkryć nieznane możliwości tego koloru, tworząc najpiękniejsze purpurowe abstrakcje. Od „Dziesięciu Największych”, gdzie pastelowa purpura, spokojna i stonowana, oddaje transcendentne uczucia okultyzmu i mistycyzmu, po „Serię VIII. Obraz punktu wyjścia” z purpurowymi odcieniami dominującymi w koncentrycznych kołach – purpura wyróżniała mistyczną abstrakcję Hilmy Af Klint. Jej koleżanka artystka, Sonia Delaunay, energicznie stosowała purpurę, by podkreślić jednoczesne i niepokojące kontrasty w swoich dziełach, podobnie jak Wassily Kandinsky, który w „Czerni i fiolecie” zestawił dwie dominujące formy trwałych kolorów. Jednak fascynacja purpurą nie osłabła z czasem – swobodne pociągnięcia pędzla żywą purpurą uczyniły „Odwilż” Lee Krasner porywającym i pełnym życia, podobnie jak chwiejne obrazy o ostrych krawędziach Patricka Herona, takie jak „Kadm z fioletem, szkarłatem, szmaragdem, cytryną i weneckim: 1969”. Jednak to dopiero Esphyr Slobodkina, założycielka grupy American Abstract Artists, pozwoliła jednemu kolorowi – purpurze – zdefiniować swoją twórczość, co jest widoczne w całym jej dorobku, od „Purpurowej abstrakcji” po „Kompozycję w fiolecie”. W tym tygodniu wybraliśmy dziesięć najbardziej fascynujących purpurowych abstrakcji. Prosimy przewinąć w dół, aby znaleźć ulubione dzieło i dodać je do swojej kolekcji!
Richard Caldicott - Bez tytułu 136
Szeroko ceniony za serię z Tupperware, Caldicott kwestionuje fotograficzne kody przedstawiania, stosując tradycyjne metody fotografii do tworzenia hipnotyzujących abstrakcyjnych prac o żywej, kolorowej palecie. W „Bez tytułu 136” wybiera promienną purpurę i czerwień, by podkreślić swoje minimalistyczne podejście, balansujące między przejrzystością a nasyceniem, jednocześnie odnoszące się do samego siebie i do świata zewnętrznego. Caldicott to angielski artysta eksplorujący abstrakcyjną fotografię i tworzący abstrakcyjne kompozycje na papierze. Mieszka i pracuje w Londynie.
Richard Caldicott - Bez tytułu 136, 2000. Odbitka C. 127 x 101,6 cm.
Bill Kane - EM-26 Siddhartha
Część najnowszej serii Kane „Emanacje”, „EM-26 Siddhartha” bada światło jako najistotniejszy aspekt fotografii. Zeskanowany obraz buddyjskiego thanki – malowidła przedstawiającego bóstwo buddyjskie – jest rozmyty i rozciągnięty, aż pozostaje jedynie wyekstrahowany obraz koloru i formy. „EM-26 Siddhartha” ukazuje elementarne przedstawienia świetlistych ciał Buddów w świecącym purpurowym pigmentem, który zdobywa płótno. Kane to amerykański artysta multimedialny, którego twórczość przecina granice fotografii, malarstwa i grafiki, by badać, czym jest i czym może być obraz. Mieszka i pracuje w Kalifornii, niedaleko San Francisco.
Bill Kane - EM-26 Siddhartha, 2018. Pigment na płótnie. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.
Paul Snell - Hover # 201915
Snell w swojej niedawnej, głęboko hipnotyzującej pracy stosuje rytmiczne, harmonijne struktury wizualne, które przenoszą widza w głębię czystej myśli. Tworzy wizualne sugestie, które przekładają refleksję na autentycznie medytacyjny stan. „Hover # 201915” ukazuje dynamikę relacji kolorystycznych Snella, wynikającą z połączenia architektonicznych aspektów jego kompozycji oraz świetlistej, promiennej purpurowej powierzchni. Snell łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, by badać możliwości abstrakcji i minimalizmu we współczesnych mediach fotograficznych. Mieszka i pracuje w Launceston, Tasmania.
Paul Snell - Hover # 201915, 2019. Odbitka chromogeniczna zamontowana pod matowym pleksi 3 mm. 80 x 80 cm.
Anne Russinof - Nightshade
Dla Russinof kolor jest wszystkim – służy do stworzenia okna na naturalną przestrzeń i światło. „Nightshade” wyraża jej najintymniejszą reakcję na otaczający świat, gdy nakłada miękką i lekką purpurę z lirycznymi i odważnymi ruchami pędzla, które tworzą poczucie stopniowo pojawiającej się głębi. Russinof inspiruje poszukiwanie, rozwijająca się tajemnica i napięcie, które zapowiadają fascynującą interakcję między warstwami mokrej farby. Russinof to amerykańska malarka abstrakcyjna, której twórczość bada kolor i strukturę w gestualny, ekspresjonistyczny sposób. Urodzona w Chicago, Illinois, obecnie mieszka i pracuje w Nowym Jorku.
Anne Russinof - Nightshade, 2017. Olej na płótnie. 76,2 x 91,5 cm.
Mel Prest - Lilac Aura
Część serii o tym samym tytule, „Lilac Aura” wizualnie bada zjawisko nocno-kwitnących kwiatów, które Prest doświadczyła podczas pobytu w północnej części stanu Nowy Jork w 2016 roku, gdy intensywny, pobudzający zapach bzu ulatniał się, a ona czuła, że może przez niego przepływać. Przypominając same kwitnące kwiaty, dzieło to jest subtelne i nastrojowe, a purpurowy akryl oddaje ich obecność i zapach, a także uczucie przestrzeni na świeżym powietrzu, reagującej na pogodę. Prest to amerykańska artystka abstrakcyjna, której misternie warstwowe obrazy wykorzystują kolor, linię i perspektywę, by aktywować kinetyczne zjawiska percepcyjne. Mieszka i pracuje w San Francisco, Kalifornia.
Mel Prest - Lilac Aura, 2017. Akryl i farba interferencyjna na panelu. 152,4 x 152,4 x 5 cm.
Janise Yntema - Egyptian Violet
To dzieło jest częścią serii „Temperatura światła”, w której Yntema nakłada przezroczysty, barwiony wosk, by osiągnąć niezwykłą żywość koloru. W przeciwieństwie do swoich fenickich współczesnych, Egipcjanie tworzyli fiolet z przystępnego połączenia morwy i winogron, a „Egyptian Violet” jest próbą Yntemy zbadania przestrzeni tego koloru w spektrum refrakcyjnym, pozwalając kolorowi i światłu na wzajemne oddziaływanie i wykorzystanie subiektywności oraz samego tematu. Yntema to amerykańska malarka abstrakcyjna, która pracuje starożytną techniką encaustic – mieszanką wosku pszczelego, żywicy i pigmentów. Obecnie mieszka i pracuje w Brukseli, Belgia.
Janise Yntema - Egyptian Violet, 2015. Wosk pszczeli, żywica i pigment na papierze archiwalnym zamontowanym na desce archiwalnej, oprawione. 41 x 61 cm.
Gianfranco Pezzot - IX: Genesi
„IX: Genesi” jest częścią serii „Dychotomia ludzkiego mózgu”, w której Pezzot zagłębia się w narracje, które mózgi tworzą, postrzegając różne obrazy. Pezzot stara się dostarczyć interpretacyjnych ram dla narracji zniekształconych, gdy obrazy są zmieniane, restrukturyzowane lub łączone z innymi obrazami. W „IX: Genesi” łączy fotograficzne fragmenty purpurowych kwiatów i zmiażdżonych arkuszy papieru w assemblage, które zaprasza do dalszej artystycznej interwencji. Pezzot to włoski fotograf konceptualny, którego abstrakcyjna twórczość jest próbą wynalezienia nowych, współczesnych języków fotograficznych. Mieszka i pracuje we Włoszech.
Gianfranco Pezzot - IX: Genesi, 2017. Cyfrowa odbitka C-Type na papierze fotograficznym Kodak Endura. 240 x 180 cm.
Debra Ramsay - Kolor sumaka 2
Zainspirowana amerykańskim artystą abstrakcyjnym Josefem Albersem, który twierdził, że istnieje głęboka harmonia w niezmierzonym spektrum kolorów, Ramsay dogłębnie bada purpurę, fotografując ją i następnie przekładając na formułę farby za pomocą programu komputerowego. Nałożona na tkaninę Roc-Lon, purpurowa farba jest ucieleśnieniem jej próby sprowadzenia piękna do całkowitej prostoty, uchwycenia piękna sumaka, rośliny pochodzącej z Bliskiego Wschodu, w jej własnych kolorach i gestach. Ramsay to amerykańska artystka abstrakcyjna tworząca obrazy akrylowe, rysunki i instalacje, które badają konceptualną grę między kolorem, linią i powierzchnią. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.
Debra Ramsay - Kolor sumaka 2, 2014. Akryl na tkaninie Roc-Lon. 61 x 41,7 cm.
Brent Hallard - Plumb Purple (mięta)
Ten akryl na aluminium z linią płynnie wyznaczającą granicę tworzy wewnętrzny kształt, który kwadratowo zamyka obraz. Hallard skupia się na przestrzeni i czystych formach, które kwestionują percepcję widza, co jest spuścizną abstrakcji, minimalizmu i sztuki pola koloru. Wyróżniony dwoma geometrycznymi polami purpurowego koloru, „Plumb Purple (mięta)” ukazuje jego badania nieograniczonych możliwości percepcyjnych i konceptualnych analogii konkretnego koloru i formy. Hallard to australijski artysta abstrakcyjny, kurator i pisarz, którego prace na papierze i aluminium eksplorują minimalistyczną ikonografię i monochromatyczne wyrazy. Obecnie mieszka i pracuje w Byron Bay, Australia.
Brent Hallard - Plumb Purple (mięta), 2014. Akryl na aluminium. 37 x 37 cm.
Jessica Snow - Terra Incognita (Le Pavé de France 1)
„Terra Incognita (Le Pavé de France 1)” to najnowsze badanie Snow nad tym, jak kolor wpływa na kompresję, gdy ciężar pociągnięć pędzla łączy uczuciowe i racjonalne, porządek i chaos. Snow mistrzowsko łączy zabawne kształty z przekonującym kolorem, organicznymi gestualnymi liniami, geometrycznymi i liniowymi formami. Purpura dominuje w kompozycji, gdy różne odcienie farby olejnej wypełniają przestrzeń metaforycznym światłem, powietrzem, uniesieniem i wolnością. Snow to amerykańska artystka abstrakcyjna, której obrazy i rysunki wyróżniają się kolorową i zabawną geometrią. Mieszka w San Francisco.
Jessica Snow - Terra Incognita (Le Pavé de France 1), 2019. Olej na lnie naciągniętym na panel. 40,6 x 50,8 cm.
Odkryj więcej purpurowych abstrakcji!
Zdjęcie wyróżnione: Paul Snell - Hover # 201915, 2019, widok instalacji.
Fot. Jovana Vuković
