Odkrywanie współczesnych spostrzeżeń w sztuce Leona Polka Smitha
W latach 40. XX wieku amerykański artysta Leon Polk Smith zainicjował unikalny abstrakcyjny język wizualny, który dodał krzywoliniowe właściwości do spłaszczonych płaszczyzn i uproszczonej geometrii neoplastyzmu. Wczesną inspiracją dla Smitha był holenderski malarz Piet Mondrian, którego mistrzowskie prostokątne eksploracje koloru i przestrzeni były przez wielu uważane za koniec pewnej linii myślenia, ale to skłoniło Smitha do zastanowienia się, co będzie dalej. Niespodziewanie, Smith znalazł drogę naprzód na stronach katalogu sportowego, który przypadkowo trafił do jego skrzynki pocztowej. Zafascynowały go zdjęcia piłek do futbolu, baseballu i koszykówki, podziwiając zarówno ich krzywe formy, jak i zakrzywione szwy na ich powierzchniach. „Z pewnością nie poszedłbym do katalogu sportowego, aby to znaleźć, ale tam to znalazłem,” powiedział Smith artyście i krytykowi Addisonowi Parksowi w 1982 roku. „Oczywiście kształty i linie były bardzo ograniczone... ale to stworzyło przestrzeń, jakiej nigdy wcześniej nie widziałem w malarstwie. Była płaska, a jednocześnie zakrzywiona. Płaszczyzny zdawały się poruszać w każdym kierunku, jak przestrzeń.” To proste, a zarazem głębokie uświadomienie było ostatnio w pełni widoczne na wystawie Leon Polk Smith: Endless Space, w Richard Gray Warehouse w Chicago. Prezentując półtorej tuzina obrazów i rysunków z lat 60. i 70., wystawa czytała się jak wizualny manifest tego momentu odkrycia. Prace takie jak „Untitled No. 7613” (1976) mówiły o tym bardziej bezpośrednio niż inne; podczas gdy inne, takie jak yin-yangowe, zielone i czarne formy komplementarne „Untitled” (1967), rozszerzały wgląd w mistyczne terytorium. Pracowitość i elegancja, z jaką Smith rozwijał swoje objawienie, są godne podziwu, a biorąc pod uwagę, jak wcześnie pracował z tymi pomysłami, łatwo dostrzec, jak pomógł położyć fundamenty dla wszystkiego, od Op Art po Minimalizm i Hard Edge Abstraction. Jednak nie mogę się oprzeć wrażeniu, że w jego pracy jest coś więcej niż kolory i kształty.
Poszukiwanie sensu przez widza
To, co najbardziej przyciąga moją wyobraźnię w przypadku Smitha, to sposób, w jaki łączy wiele obrazów, aby stworzyć większe kompozycje. Smith nazwał swoje zbiory uformowanych płócien „Konstelacjami”. Niektóre, takie jak „Konstelacja Prosto z Dnia” (1974), składają się z starannie ułożonych form z powtarzającą się linią horyzontu, sugerując kontynuację elementów w przestrzeni. Inne, jak „Konstelacja - Zgubiony Horyzont” (1968), łączą się nierówno, wyglądając mniej jak coś metodycznego, a bardziej jak przycięte widoki większego obrazu, jak kawałki wizualnej układanki. Uwielbiam termin Konstelacje dla tych obrazów, ponieważ doskonale oddaje moją ludzką tendencję do spekulatywnego mistycyzmu. Jak gwiazdor szukający swojego przeznaczenia w zodiaku, nie mogę się powstrzymać od przeszukiwania tych malowanych Konstelacji w poszukiwaniu ukrytego sensu.
Leon Polk Smith - Konstelacja Drogi Mlecznej, 1970. Akryl na płótnie. 80 x 120 cali (203 x 305 cm) łącznie. Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton, D.C. © 2019 Fundacja Leon Polk Smith
W „Refleksjach-Czerwono-Czarnych” (1968) dostrzegam konkurencyjne mitologie, od legendy o Narcyzie—domniemanym egoizmie odbitych form—po złączoną, empatyczną zmysłowość Kamasutry. Proliferujące ostre, konkretne formy „Konstelacji-Czerwono-Niebieskiej” (1970) przywołują natomiast szerokie, humanistyczne pojęcia takie jak wspólnota, ekspansja, łączność i pragnienie. W tym samym czasie, gdy tak bardzo pragnę otworzyć się na potencjalne istnienie głębszych znaczeń w tej pracy, zastanawiam się jednak, czy nadawanie formalnym wyborom odzwierciedlonym w tej sztuce metafizycznego znaczenia nie jest z natury pretensjonalne; formą krytycznej kolonizacji. Zwykle krytycy sztuki i historycy zachęcają współczesnych widzów, aby nie przypisywali znaczeń i narracji historycznym dziełom sztuki, które mogą być niezgodne z zamiarem artysty, lecz raczej, aby patrzyli na prace zmarłych artystów przez pryzmat okoliczności, w jakich zostały stworzone.
Leon Polk Smith - bez tytułu, 1979. Gwasz na papierze. 41½ x 27 cali. (105,4 x 68,6 cm). © 2019 Fundacja Leon Polk Smith
Prawo do ponownej oceny
Według Pattersona Simsa, prezesa Fundacji Leona Polka Smitha, mamy prawo, a może nawet obowiązek, aby patrzeć na historię sztuki z współczesnej perspektywy i obdarzać sztukę dziedzictwa treścią, którą szczerze postrzegamy. „Myślę, że masz pełne prawo do tego, co robisz” – powiedział mi Sims. „Historia sztuki jest produktem kolejnych pokoleń, które potrafiły dostrzegać w dziełach to, czego poprzednie pokolenie nie było w stanie zobaczyć.” Chociaż niektórzy artyści i fundacje mogą się z tym nie zgadzać. Na przykład Donald Judd słynnie wyprzedzał krytyków, formułując własne deklaratywne stwierdzenia opisujące, czym jest jego praca, a czym nie jest, a Fundacja Judda nadal gorliwie chroni tę narrację. Jednak Sims zapewnił mnie, że nie wszyscy wierzą, że autorytarna kontrola jest najlepszym sposobem na kontekstualizację rozwoju kultury ludzkiej. „Jedna osoba może być całkowicie zaangażowana w jeden punkt widzenia, ale to w końcu paraliżuje rodzaj zaangażowania, jakie ludzie mogą mieć z tym dziełem” – powiedział Sims. „Myślę, że historia sztuki i proces kuracji polegają na ciągłej reewaluacji i przemyśleniu rzeczy, a czasami staje się to bardzo osobiste.”
Leon Polk Smith - Niebieski, Czerwony, Żółty z Czarnymi Półksiężycami, 1968. Akryl na płótnie. 3 elementy, każdy 31 x 56 cali (79 x 142 cm). © 2019 Fundacja Leon Polk Smith
Becky Daniel, koordynatorka wystaw i komunikacji w Richard Gray Gallery, oferuje kolejny powód, dla którego powinniśmy czuć się swobodnie, aby ponownie ocenić Smitha z współczesnej perspektywy. Według Daniel, Smith dostarczył alternatywne instrukcje instalacji dla wielu swoich Konstelacji, pozwalając kuratorom na składanie elementów układanki w nowatorski sposób. Ten szczegół sugeruje, że Smith miał nadzieję, iż ludzie nie będą się bać podejmować swobód w jego pracy—jak Sol LeWitt, który zostawił miejsce w swoich instrukcjach dotyczących rysunków ściennych dla artystów, którzy je wykonują, aby mogli podjąć pewne decyzje estetyczne samodzielnie. Weź pod uwagę, że gdy Smith przeprowadził się do Nowego Jorku w latach 30. XX wieku, jego homoseksualność uczyniła go wyrzutkiem, jednak zaskoczył tych, którzy chcieli go marginalizować, ostatecznie osiągając szerokie uznanie w takich przełomowych wystawach jak The Responsive Eye. Jednocześnie jednak pokornie się zachowywał, unikając przesadnej promocji, mówiąc: „Bardzo szybko zdałem sobie sprawę, że zawsze byłem artystą... Że zawsze będę to trzymał dla siebie, że nigdy nie sprzedam tego, ani nie zrobię nic z tym tylko dla pieniędzy.” Niezależnie od tego, czy miał to na myśli, dostrzegam, że Smith nasycił swoją pracę czymś w rodzaju symbolicznego kodu kluczowego dla współczesnych niezadowolonych, takich jak ja—dziedzictwo bogate w optymizm i ludzkość, wyrażone poprzez zabawne relacje między kolorem a formą.
Obraz wyróżniony: Leon Polk Smith - Correspondence Black - White, 1968. Olej na płótnie. 86 x 120 cali. (218,4 x 304,8 cm). © 2019 Leon Polk Smith Foundation
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
