Odkrywanie współczesnych spostrzeżeń w sztuce Leona Polka Smitha

W latach 40. XX wieku amerykański artysta Leon Polk Smith stworzył unikalny abstrakcyjny język wizualny, który dodał krzywoliniowe cechy do spłaszczonych płaszczyzn i uproszczonej geometrii neoplastycyzmu. Wczesną inspiracją dla Smitha był holenderski malarz Piet Mondrian, którego mistrzowskie prostokątne eksploracje koloru i przestrzeni wielu uważało za kres pewnego sposobu myślenia, ale które skłoniły Smitha do zastanowienia się, co będzie dalej. Niespodziewanie Smith znalazł drogę naprzód na stronach katalogu sportowego, który przypadkowo trafił do jego skrzynki pocztowej. Zafascynowały go zdjęcia piłek do futbolu amerykańskiego, baseballu i koszykówki, podziwiał zarówno ich krzywoliniowe formy, jak i krzywe przeszycia na powierzchni. „Z pewnością nie poszukałbym tego w katalogu sportowym, ale właśnie tam to znalazłem” – powiedział Smith artyście i krytykowi Addisonowi Parksowi w 1982 roku. „Oczywiście kształty i linie były bardzo ograniczone... ale to stworzyło przestrzeń, której nigdy wcześniej nie widziałem w malarstwie. Była płaska, a jednocześnie krzywa. Płaszczyzny zdawały się poruszać we wszystkich kierunkach, tak jak przestrzeń.” To proste, a zarazem głębokie odkrycie było niedawno w pełni widoczne na wystawie Leon Polk Smith: Endless Space w Richard Gray Warehouse w Chicago. Prezentując półtora tuzina obrazów i rysunków z lat 60. i 70., wystawa przypominała wizualny manifest tamtego momentu odkrycia. Dzieła takie jak „Untitled No. 7613” (1976) mówiły o tym bardziej bezpośrednio niż inne; podczas gdy inne, jak yin-yangowe, zielono-czarne formy komplementarne „Untitled” (1967), rozszerzały to spostrzeżenie w mistyczne rejony. Pilność i elegancja, z jaką Smith rozwijał swoje objawienie, budzą podziw, a biorąc pod uwagę, jak wcześnie pracował z tymi ideami, łatwo dostrzec, jak pomógł położyć podwaliny pod wszystko, od Op Artu po minimalizm i abstrakcję o ostrych krawędziach. Jednak nie mogę oprzeć się wrażeniu, że w jego dziełach jest coś więcej niż tylko kolory i kształty.

Poszukiwanie znaczenia przez widza

To, co najbardziej pobudza moją wyobraźnię w twórczości Smitha, to sposób, w jaki łączy on wiele obrazów, tworząc większe kompozycje. Smith nazywał swoje zestawy ukształtowanych płócien „Konstelacjami”. Niektóre, jak „Constellation Straight Out” (1974), składają się z starannie ułożonych form z powtarzającą się linią horyzontu, sugerując kontynuację elementów w przestrzeni. Inne, jak „Constellation - Lost Horizon” (1968), łączą się nierównomiernie, wyglądając mniej jak coś metodycznego, a bardziej jak przycięte fragmenty większego obrazu, jak kawałki wizualnej układanki. Uwielbiam termin Konstelacje dla tych obrazów, ponieważ doskonale oddaje moją ludzką skłonność do spekulatywnego mistycyzmu. Jak obserwator gwiazd szukający swojego przeznaczenia w zodiaku, nie mogę się powstrzymać od przeszukiwania tych malowanych Konstelacji w poszukiwaniu ukrytego znaczenia.

Leon Polk Smith - Konstelacja Droga Mleczna, 1970. Akryl na płótnie. 203 x 305 cm (80 x 120 cali) łącznie. National Gallery of Art, Waszyngton, D.C. © 2019 Leon Polk Smith Foundation

W „Reflections-Red-Black” (1968) dostrzegam rywalizujące mitologie, od legendy o Narcyzie — domniemanego egoizmu odbitych form — po połączoną, empatyczną zmysłowość Kamasutry. Rozrastające się ostrokrawędziowe, konkretne formy „Constellation-Red-Blue” (1970) przywołują szerokie, humanistyczne pojęcia takie jak wspólnota, rozszerzenie, łączność i pragnienie. Jednocześnie, choć bardzo chcę otworzyć się na potencjalne istnienie głębszych znaczeń w tej pracy, zastanawiam się też, czy nadawanie formalnym wyborom odzwierciedlonym w tym dziele metafizycznego znaczenia nie jest z natury pretensjonalne; formą krytycznej kolonizacji. Zazwyczaj krytycy i historycy sztuki zachęcają współczesnych widzów, by nie przypisywali znaczeń i narracji dziełom historycznym, które mogłyby być niezgodne z intencją artysty, lecz raczej patrzyli na prace zmarłych twórców przez pryzmat okoliczności, w jakich powstały.

Leon Polk Smith - bez tytułu, 1979. Gwasz na papierze. 105,4 x 68,6 cm (41½ x 27 cali). © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Prawo do ponownej oceny

Według Pattersona Simsa, prezesa Fundacji Leon Polk Smith, mamy prawo, a być może i obowiązek, patrzeć na historię sztuki z perspektywy współczesnej i nadawać dziedzictwu artystycznemu takie treści, jakie szczerze dostrzegamy. „Uważam, że masz pełne prawo do tego, co robisz” – powiedział mi Sims. „Historia sztuki jest wynikiem tego, że kolejne pokolenia potrafią dostrzec w dziełach to, czego poprzednie pokolenie nie było w stanie zobaczyć.” Choć nie wszyscy artyści i fundacje mogą się z tym zgadzać. Na przykład Donald Judd słynnie uprzedzał krytyków, formułując własne deklaracje opisujące, czym jego prace są, a czym nie są, a Fundacja Judda nadal gorliwie chroni tę narrację. Jednak Sims zapewnił mnie, że nie wszyscy uważają, iż autorytarna kontrola jest najlepszym sposobem na kontekstualizację rozwoju kultury ludzkiej. „Jedna osoba może być całkowicie oddana jednemu punktowi widzenia, ale to kończy się paraliżem zaangażowania, jakie ludzie mogą mieć z tym dziełem” – powiedział Sims. „Uważam, że historia sztuki i proces kuratorski polegają na ciągłej ponownej ocenie i przemyśleniu rzeczy, a czasem staje się to bardzo osobiste.”

Leon Polk Smith - Niebieski, Czerwony, Żółty z Czarnymi Półksiężycami, 1968. Akryl na płótnie. 3 elementy, każdy 79 x 142 cm (31 x 56 cali). © 2019 Leon Polk Smith Foundation

Becky Daniel, koordynatorka wystaw i komunikacji w galerii Richard Gray, podaje kolejny powód, dla którego powinniśmy czuć się swobodnie, oceniając Smitha z perspektywy współczesnej. Według Daniel Smith dostarczył alternatywne instrukcje montażu wielu swoich Konstelacji, pozwalając kuratorom na składanie elementów układanki w nowe sposoby. Ta informacja sugeruje, że Smith miał nadzieję, iż ludzie nie będą obawiać się swobodnie interpretować jego dzieł — podobnie jak Sol LeWitt zostawiał miejsce w swoich instrukcjach do rysunków ściennych, by wykonujący je artyści mogli podejmować własne decyzje estetyczne. Weźmy pod uwagę, że gdy Smith przeprowadził się do Nowego Jorku w latach 30., jego homoseksualizm czynił go wyrzutkiem, a jednak zaskakiwał tych, którzy chcieli go wykluczyć, ostatecznie zdobywając szerokie uznanie na takich przełomowych wystawach jak The Responsive Eye. Jednocześnie jednak zachowywał pokorę, unikając przesadnej promocji, mówiąc: „Bardzo szybko zdałem sobie sprawę, że zawsze byłem artystą... Że zawsze będę to zachowywał dla siebie, że nigdy tego nie sprzedam ani nie zrobię niczego tylko dla pieniędzy.” Niezależnie od tego, czy zamierzał to czy nie, dostrzegam, że Smith napełnił swoje dzieła czymś w rodzaju symbolicznego klucza dla współczesnych niezadowolonych takich jak ja — dziedzictwa bogatego w optymizm i człowieczeństwo, wyrażonego poprzez zabawne relacje między kolorem a formą.

Zdjęcie główne: Leon Polk Smith - Correspondence Black - White, 1968. Olej na płótnie. 218,4 x 304,8 cm (86 x 120 cali). © 2019 Leon Polk Smith Foundation
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio