Pamiętając Emilio Vedovę, lidera Arte Informale

T tej zimy w Mediolanie, Włochy, Palazzo Reale będzie gospodarzem wystawy, która uczciłaby setną rocznicę urodzin włoskiego malarza abstrakcyjnego Emilio Vedova, który zmarł w 2006 roku. Urodzony w Wenecji w 1919 roku, Vedova zyskał sławę w dziesięcioleciach po II wojnie światowej dzięki swoim licznym wkładom w włoską awangardę XX wieku. W różnych momentach Vedova był członkiem kilku wpływowych kolektywów artystycznych, w tym Corrente (Current) — ruchu poświęconego otwartości i antyfaszyzmowi podczas hiszpańskiej wojny domowej — oraz Fronte Nuovo delle Arti, który został założony po wojnie, aby promować przyjęcie najnowszych osiągnięć europejskiego modernizmu. W 1946 roku Vedova podpisał Manifest Realizmu dla Rzeźbiarzy i Malarzy, znany również jako „Poza Guernicą”. Manifest ten świętował figuratywne, antywojenne stanowisko Picassa, które wyraził w swoim obrazie Guernica z 1937 roku, i nazywał malowanie i rzeźbienie aktami „uczestnictwa w całkowitej rzeczywistości ludzkości”. Ponadto stwierdzał, że „pozytywna funkcja indywidualizmu” została „wyczerpana”. Podobnie jak inni sygnatariusze tego manifestu, Vedova był członkiem Włoskiego Ruchu Oporu, który sprzeciwiał się nazistowskim Niemcom i faszystowskiej Włoskiej Republice Socjalnej podczas wojny. W praktyce ich manifest po-Guernica oznaczał, że wierzyli, iż realistyczna, figuratywna sztuka była najlepszym sposobem na stawienie czoła politycznym i społecznym problemom ich społeczeństwa. Jednak z biegiem lat samouczony Vedova zmienił zdanie, coraz bardziej szukając schronienia w swojej wyobraźni. Ostatecznie uwierzył, że jedynym sposobem na prawdziwe posunięcie włoskiej sztuki naprzód było przez idiosynkratyczną, zindywidualizowaną sztukę abstrakcyjną. Do 1952 roku Vedova porzucił wszystkie swoje wcześniejsze stowarzyszenia i zamiast tego dołączył do tego, co zaczęto nazywać Gruppo degli Otto (Grupa Ośmiu), do której należeli również Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso i Giulio Turcato. Choć istniała tylko przez dwa lata, ta grupa okazała się naprawdę transformująca dla Vedovy, ponieważ kiedy wystawiali razem na Biennale w Wenecji w 1952 roku, zaczęto ją uważać za początek ruchu sztuki abstrakcyjnej znanego jako Arte Informale.

Globalne przebudzenie

Arte Informale często określane jest jako włoski odpowiednik ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jednak jest to rodzaj leniwej, skrótowej definicji, która ignoruje subtelne różnice między tymi dwoma stanowiskami. Pomija również rzeczywistość, że oba stanowiska były częścią znacznie większego globalnego przebudzenia w sztuce. Obok tachizmu, Art Autre, Art Brut, prac Grupy Gutai, Nouveau Realism i kilku innych międzynarodowych manifestacji tego zjawiska, ekspresjonizm abstrakcyjny i Arte Informale były po prostu próbami artystów powojennych, aby uwolnić się od historycznych ograniczeń, wymyślając osobiste abstrakcyjne metody tworzenia sztuki. Głównym powodem, dla którego Arte Informale jest tak często porównywane do ekspresjonizmu abstrakcyjnego, jest to, że niektórzy malarze związani z obiema pozycjami mobilizowali podobny styl wizualny, definiowany przez energetyczne, gesturalne pociągnięcia pędzla na dużych płótnach. Jackson Pollock i Franz Kline mogą być doskonałymi przykładami ekspresjonistów abstrakcyjnych, którzy używali tych technik, a Emilio Vedova jest doskonałym przykładem artysty Arte Informale, który robił to samo.

Emilio Vedova - Hiszpania Franco, 1962. Tusz na papierze. 12 1/2 x 17 3/4" (31,6 x 44,0 cm). Fundusz L-B. Kolekcja MoMA. © 2019 Muzeum Sztuki Nowoczesnej

Interesująco, Vedova poruszał się w kręgu towarzyskim z Jacksonem Pollockiem i Franzem Kline'em. Vedova zaprzyjaźnił się z jedną z ich głównych zwolenniczek, Peggy Guggenheim, gdy odwiedziła Wenecję w 1946 roku; wpływowa kolekcjonerska kupiła kilka prac od Vedovy i nawet pomogła mu w wystawieniu w Stanach Zjednoczonych. Ale aby być sprawiedliwym zarówno wobec Vedovy, jak i Abstrakcyjnych Ekspresjonistów, ich prace wcale nie są takie same. Abstrakcyjni Ekspresjoniści uważali się zasadniczo za Amerykanów i dążyli do odrzucenia dziedzictwa Europy, aby wyrazić coś unikalnego dla swojej kultury. Przeciwnie, Vedova postrzegał siebie jako obywatela świata. Podczas dłuższego pobytu w Brazylii w 1954 roku, zafascynował się sposobami, w jakie natura wywierała swoją moc w tym miejscu. Opisał, jak został przemieniony przez „całkowicie nową geografię… Miasta, które pożerają ludzi… Natura jako melodrama, huragany jak Ostateczny Sąd.” Później mówił o swoich własnych pracach używając tego samego rodzaju języka, opisując je nie jako obrazy, ale jako „trzęsienia ziemi.”

Emilio Vedova - Tensione, N 4 V, 1959. Olej na płótnie. 145,5 x 196 cm, w ramie. Podpisane, datowane i tytułowane na odwrocie. Galleria Blu, Mediolan (stempel na odwrocie) / Europejska Kolekcja Prywatna. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Redefiniowanie przestrzeni

Inną cechą, która wyróżniała Vedovę, był sposób, w jaki wplatał swoją pracę w przestrzenie wystawowe. Oprócz swoich dużych płócien, które wieszał w niespodziewany sposób, czasami wieszał ogromne chmary małych obrazów na ścianie razem, ściśle skompaktowane jak plakaty przyklejone do miejskiej ściany. Tworzył również gigantyczne, okrągłe płótna, czasami łącząc okręgi prostopadle na podłodze. W 1961 roku stworzył swoje pierwsze „Plurimi”, czyli Multiple, rodzaj wolnostojącej kompozycji malowanych powierzchni. W 1964 roku zaprezentował to, co uważane jest za jego arcydzieło Plurimi na documenta III w Kassel w Niemczech—Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Absurdny Dziennik Berliński '64). Praca przypominała chaotyczną wioskę uchodźców lub zbombardowane ruiny miasta. Wydawało się, że jest to figuratywne, antywojenne oświadczenie, ale także każdy z Plurimi mógł być odczytany jako po prostu replikujący abstrakcyjne kompozycje, które Vedova stosował w swoich obrazach.

Emilio Vedova - Bez tytułu, 1984. Farba na płótnie. 120 x 90 cm, w ramie. Podpisane i datowane na odwrocie oraz na blejtramie. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Mediolan / Europejska Kolekcja Prywatna. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Być może najbardziej wymownym aspektem jego stylu wystawienniczego było to, że Vedova wolał, aby jego obrazy były pokazywane razem w dużych grupach. Jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania pojedynczego obrazu artysty, a nawet jeśli jest to wystawa retrospektywna, obrazy są wieszane na tyle daleko od siebie, że można je rozpatrywać osobno, jak specjalne artefakty. Vedova często grupował swoje obrazy razem, układał je jeden na drugim lub w inny sposób wieszał je w nietradycyjny sposób, niemal jakby chciał powiedzieć, że poszczególne obiekty nie były przeznaczone do czci. To ogólne wrażenie, nad którym chciał, aby widzowie się zastanowili. Ta postawa, że każdy z jego obrazów nie był cennym towarem, ponownie oddzielała Vedovę od jego współczesnych w Stanach Zjednoczonych. Ta postawa jest również jednym z powodów, dla których uważa się, że miał duży wpływ na artystów Arte Povera. Podobnie jak oni, Vedova nigdy nie martwił się o zaspokajanie istniejących systemów sztuki; często był zadowolony z ich rozkładania na części.

Obraz wyróżniony: Emilio Vedova - Senza Titolo. Olej na papierze nałożony na tekturę. 24 x 34 cm. Oświadczenie o autentyczności na odwrocie: Moja praca / E. Vedova: pieczęć Galerii Il Traghetto, Wenecja.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio