Pamiętając Emilio Vedovę, lidera Arte Informale

Tej zimy w Mediolanie we Włoszech, Palazzo Reale będzie gościć wystawę upamiętniającą setne urodziny włoskiego malarza abstrakcyjnego Emilio Vedova, który zmarł w 2006 roku. Urodzony w Wenecji w 1919 roku, Vedova zdobył sławę w dekadach po II wojnie światowej dzięki swoim licznym wkładom w włoską awangardę XX wieku. W różnych momentach Vedova był członkiem kilku wpływowych kolektywów artystycznych, w tym Corrente (Prąd) — ruchu poświęconego otwartości i antyfaszyzmowi podczas hiszpańskiej wojny domowej — oraz Fronte Nuovo delle Arti, założonego po wojnie, by promować najnowsze osiągnięcia europejskiego modernizmu. W 1946 roku Vedova podpisał Manifest Realizmu dla Rzeźbiarzy i Malarzy, znany również jako „Poza Guernicą”. Manifest ten wychwalał figuratywną, antywojenną postawę Picassa, wyrażoną w jego obrazie Guernica z 1937 roku, i określał malarstwo oraz rzeźbę jako akty „uczestnictwa w całkowitej rzeczywistości ludzkości”. Ponadto stwierdzał, że „pozytywna funkcja indywidualizmu” została „wyczerpana”. Podobnie jak inni sygnatariusze tego manifestu, Vedova był członkiem włoskiego ruchu oporu, który sprzeciwiał się nazistowskim Niemcom i faszystowskiej Włoskie Republice Socjalnej podczas wojny. W praktyce ich manifest po Guernice oznaczał, że uważali realistyczną, figuratywną sztukę za najlepszy sposób na stawienie czoła politycznym i społecznym bolączkom ich społeczeństwa. Jednak z biegiem lat samouk Vedova zmienił zdanie, coraz bardziej uciekając się do własnej wyobraźni. W końcu doszedł do przekonania, że jedynym sposobem na prawdziwy rozwój włoskiej sztuki jest idiosynkratyczna, indywidualna sztuka abstrakcyjna. Do 1952 roku Vedova zerwał wszystkie wcześniejsze związki i dołączył do grupy znanej jako Gruppo degli Otto (Grupa Ośmiu), w skład której wchodzili także Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso i Giulio Turcato. Choć grupa istniała tylko dwa lata, okazała się przełomowa dla Vedovy, ponieważ podczas wspólnej wystawy na Biennale w Wenecji w 1952 roku uznano ją za początek ruchu sztuki abstrakcyjnej znanego jako Arte Informale.

Globalne przebudzenie

Arte Informale często nazywa się włoskim odpowiednikiem ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jednak jest to dość powierzchowne i uproszczone wyjaśnienie, które pomija subtelne różnice między tymi dwoma nurtami. Pomija też fakt, że oba te kierunki były częścią znacznie szerszego, światowego przebudzenia w sztuce. Obok tachizmu, Art Autre, Art Brut, twórczości grupy Gutai, nowego realizmu i kilku innych międzynarodowych przejawów tego zjawiska, ekspresjonizm abstrakcyjny i Arte Informale były po prostu próbami powojennych artystów, by uwolnić się od historycznych ograniczeń, tworząc osobiste, abstrakcyjne metody tworzenia sztuki. Głównym powodem, dla którego Arte Informale często porównuje się do ekspresjonizmu abstrakcyjnego, jest fakt, że niektórzy malarze związani z obiema tendencjami stosowali podobny styl wizualny, charakteryzujący się energicznymi, gesturalnymi pociągnięciami pędzla na dużych płótnach. Jackson Pollock i Franz Kline mogą być głównymi przykładami ekspresjonistów abstrakcyjnych stosujących te techniki, a Emilio Vedova jest doskonałym przykładem artysty Arte Informale, który robił to samo.

Emilio Vedova - Franco's Spain, 1962. Tusz na papierze. 12 1/2 x 17 3/4" (31,6 x 44,0 cm). Fundusz L-B Foundation. Kolekcja MoMA. © 2019 Muzeum Sztuki Nowoczesnej

Co ciekawe, Vedova obracał się w towarzystwie Jacksona Pollocka i Franza Kline’a. Vedova zaprzyjaźnił się z jedną z ich głównych mecenasek, Peggy Guggenheim, gdy odwiedziła Wenecję w 1946 roku; wpływowa kolekcjonerka kupiła kilka jego prac i pomogła mu nawet zorganizować wystawę w Stanach Zjednoczonych. Jednak, aby być sprawiedliwym wobec Vedovy i ekspresjonistów abstrakcyjnych, ich twórczość wcale nie jest taka sama. Ekspresjoniści abstrakcyjni uważali się zasadniczo za Amerykanów i starali się odrzucić dziedzictwo Europy, by wyrazić coś unikalnego dla swojej kultury. Przeciwnie, Vedova postrzegał siebie jako obywatela świata. Podczas dłuższej wizyty w Brazylii w 1954 roku zachwycił się sposobami, w jakie natura tam oddziałuje. Opisywał, jak został przemieniony przez „zupełnie nową geografię… Miasta, które pochłaniają ludzi… Naturę jako melodramat, huragany niczym Ostateczny Sąd.” Później mówił o swoich własnych dziełach używając podobnego języka, opisując je nie jako obrazy, lecz jako „trzęsienia ziemi”.

Emilio Vedova - Tensione, N 4 V, 1959. Olej na płótnie. 145,5 x 196 cm, oprawione. Sygnowane, datowane i zatytułowane na odwrocie. Galleria Blu, Mediolan (stempel na odwrocie) / Europejska kolekcja prywatna. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Przeformułowanie przestrzeni

Kolejną cechą wyróżniającą Vedovę był sposób, w jaki wprowadzał swoje prace do przestrzeni wystawienniczych. Oprócz dużych płócien, które wieszał w nieoczekiwany sposób, czasem zawieszał na ścianie ogromne skupiska małych obrazów, ściśle upakowanych jak plakaty przyklejone do miejskiej ściany. Tworzył też olbrzymie, okrągłe płótna, czasem łącząc je prostopadle na podłodze. W 1961 roku stworzył swoje pierwsze „Plurimi”, czyli wieloelementowe, wolnostojące zestawy malowanych powierzchni. W 1964 roku zaprezentował swoje uznawane za arcydzieło Plurimi na documenta III w Kassel w Niemczech — Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Absurdalny berliński dziennik '64). Praca przypominała rozpadającą się wioskę uchodźców lub zrujnowane miasto po bombardowaniu. Wyglądała jak figuratywne, antywojenne oświadczenie, ale każdy z Plurimi można było też odczytać jako powielanie abstrakcyjnych kompozycji, które Vedova stosował w swoich obrazach.

Emilio Vedova - Bez tytułu, 1984. Farba na płótnie. 120 x 90 cm, oprawione. Sygnowane i datowane na odwrocie oraz na blejtramie. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Mediolan / Europejska kolekcja prywatna. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Być może najbardziej wymownym aspektem jego stylu wystawienniczego było to, że Vedova wolał, by jego obrazy pokazywano razem w dużych grupach. Jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania pojedynczego obrazu artysty lub, nawet jeśli jest to retrospektywa, obrazy są zawieszone na tyle daleko od siebie, że można je rozpatrywać oddzielnie, jak wyjątkowe artefakty. Vedova często grupował swoje obrazy razem, układał je jeden na drugim lub wieszał w nietradycyjny sposób, niemal jakby chciał powiedzieć, że poszczególne dzieła nie są przedmiotami do czci. To ogólny efekt chciał, by widzowie rozważyli. Takie podejście, że każdy z jego obrazów nie był cennym towarem, ponownie odróżniało Vedovę od jego współczesnych w Stanach Zjednoczonych. To podejście jest też jednym z powodów, dla których uważa się go za ważny wpływ na artystów Arte Povera. Podobnie jak oni, Vedova nigdy nie martwił się o zadowolenie istniejących systemów sztuki; często zadowalał się ich rozbrajaniem.

Zdjęcie główne: Emilio Vedova - Senza Titolo. Olej na papierze naklejony na tekturę. 24 x 34 cm. Oświadczenie o autentyczności na odwrocie: Moja praca / E. Vedova: stempel Galerii Il Traghetto, Wenecja.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio