Jak rysunek ożywił powojenną Amerykę - w MoMA
Z ograniczeniami COVID w Nowym Jorku znoszonymi, kilka wystaw muzealnych, których czas trwania został przedłużony podczas pandemii, przyciąga uwagę. Wśród najlepszych dla fanów abstrakcji znajduje się Degree Zero: Drawing at Midcentury w MoMA, wystawa 79 głównie abstrakcyjnych rysunków stworzonych w latach 1950-1961. To, co czyni tę wystawę niezwykłą, to dwa pytania, które stawia kuracja, dotyczące natury i wartości rysunku jako medium artystycznego oraz o moc instytucji do konstruowania i rekonstruowania oficjalnych wersji historii sztuki. Jeśli chodzi o wartość rysunku jako medium, stawka wydaje się ogólnie niższa niż w przypadku jego dizygotycznych bliźniaków, malarstwa i rzeźby. Papier, długopisy i ołówki są niedrogie i łatwe do zdobycia w porównaniu do dobrych farb, płótna, metalu, gliny czy kamienia. Sami artyści często uważają rysunki za ćwiczenie do innych dzieł. Ironią jest, że takie niskie oczekiwania czasami prowadzą do arcydzieł, nadając rysunkowi poczucie wolności, którego bardziej zaplanowane i przemyślane media opierają się. Degree Zero bada ten fenomen na dwa sposoby. Po pierwsze, kuracja koncentruje się na dziesiątkach rysunków, które były wyraźnie zamierzone jako ukończone – a nie przygotowawcze – dzieła, takie jak zapierający dech w piersiach, żółty, bez tytułu rysunek szwajcarskiej artystki Sonji Sekuli czy doskonała „Kompozycja z jedną flagą” włosko-brazylijskiego artysty Alfredo Volpi. Po drugie, zawiera kilka rzekomo przygotowawczych dzieł – najbardziej znane rysunki Ellswortha Kelly'ego „Study for La Combe II” (1950) i „Study for Window, Museum of Modern Art, Paris” (1949) – które w wielu aspektach są lepsze od finalnych wersji, które poprzedzały. Jeśli chodzi o to, co Degree Zero robi, aby zająć się mocą instytucji takich jak MoMA do pisania i przepisywania historii sztuki, cała wystawa jest w zasadzie próbą skorygowania wąskiej narracji, do której MoMA przyczyniła się w pierwszej kolejności, że sztuka powojenna była w dużej mierze amerykańską, białą, męską sprawą, zdominowaną przez ekspresjonizm abstrakcyjny. Całkowicie wyciągnięta z stałej kolekcji MoMA, Degree Zero obejmuje artystów dwóch płci z pięciu kontynentów, reprezentuje różne tła rasowe i zawiera kilku artystów bez formalnego wykształcenia. To nic nie robi, aby wymazać stare grzechy, ale przynajmniej świadczy o pragnieniu, jakie MoMA ma dzisiaj, aby zacząć naprawiać zepsutą przeszłość.
Szuflady Rysunków
Być może najbardziej godną uwagi rzeczą w Degree Zero jest fakt, że wystawa w ogóle istnieje. Każdy profesjonalny rysownik powie ci, że powodem, dla którego rysunki zazwyczaj mają niższe ceny niż obrazy zarówno na rynku pierwotnym, jak i wtórnym, jest to, że kolekcjonerzy nie postrzegają rysunków jako archiwalnych. Wiele rysowników w rzeczywistości nie inwestuje czasu w wybór jakościowego papieru, przygotowanie powierzchni, wybór jakościowych mediów ani w ochronę pracy po jej ukończeniu. Kiedy kupujesz rysunek, kończysz wydając dużo pieniędzy na oprawę pracy, dbając o wybór odpowiedniego rodzaju szkła i powieszenie go w miejscu, gdzie nie będzie narażony na uszkodzenia spowodowane warunkami atmosferycznymi. Nawet gdy są odpowiednio wykonane i chronione, rysunki mają tendencję do szybszego degradacji niż obrazy. Dlatego wiele rysunków w zbiorach muzealnych po prostu ląduje w płaskich szufladach przez dziesięciolecia, ignorowanych i ostatecznie zapomnianych. Kiedy są ponownie odkrywane, czasami są już poza ratunkiem.
Norman Lewis - Posłaniec, 1952. Węgiel i tusz na papierze. 26 x 30 3/8′′ (66,1 x 77,3 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Dar Blanchette Hooker Rockefeller © Spadek po Normanie Lewisie; Dzięki uprzejmości Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nowy Jork, NY
W jakiś sposób, MoMA nie tylko zdołała zebrać 79 rysunków z jednego dziesięciolecia, ale teraz, gdy mają one ponad 60 lat, wiele z tych rysunków wciąż jest w niezwykle dobrym stanie. Fantastycznym przykładem jest „Untiled (Smoke Drawing)” (1959) autorstwa Otto Piene. Artysta stworzył to dzieło, zawieszając arkusz papieru na metalowej siatce nad płonącym ogniem, pozwalając dymowi wypalić okrągły wzór na papierze. W jakiś sposób ten zwęglony arkusz papieru pozostaje całkowicie nienaruszony i wspaniale ekspresyjny, 62 lata później. Innym niezwykłym przykładem jest „The Messenger” (1952), rysunek węglem i tuszem na papierze autorstwa Normana Lewisa. To dzieło zachowuje taką szczegółowość, delikatność i niuanse, że niemal 70 lat po jego powstaniu wydaje się wciąż zawierać echo eleganckiego, przemyślanego, żywego serca tego niezwykłego artysty. Wspaniała konserwacja tych dzieł dekontextualizuje medium nie jako coś skazania na degradację, ale jako coś wyjątkowo ekspresyjnego dla umysłu i ciała rysownika, który je stworzył, co warto chronić i kolekcjonować.
Widok instalacji wystawy Degree Zero: Rysunek w połowie wieku, 1 listopada 2020 – 6 lutego 2021 w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Obraz cyfrowy © 2020 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Zdjęcie autorstwa Roberta Gerhardta.
Naprawianie historii
Samantha Friedman, współpracownik kuratora MoMA ds. rysunków i grafik, zasługuje na dodatkowe uznanie za to, jak dobrze wybrała prace, które przekazują globalną, wielopłciową, wielorasową i wielodydaktyczną perspektywę. Jednak równie mocno imponuje mi efekt, jaki Degree Zero miało na moje zrozumienie indywidualnych dzieł niektórych artystów w wystawie. Para rysunków Louise Bourgeois absolutnie mnie oczarowała, podkreślając dziecko, które żyje w dorosłych, i oferując urokliwy wgląd w młodzieńczą duszę tego artysty, którego rzeźby uważam za przerażająco i głęboko dorosłe. „Untitled (Florence)” (1952) autorstwa Jay DeFeo to jedyna mała praca tego artysty, jaką kiedykolwiek widziałem. Jej szokująca klarowność i pasja odcisnęły obraz w mojej pamięci, prawdopodobnie na zawsze. Nierozpoznany, czarno-biały rysunek autorstwa Georges Mathieu z 1958 roku postawił poprzeczkę dla szacunku do tego malarza jeszcze wyżej. Zawsze byłem fanem jego jedynych w swoim rodzaju kosmicznych abstrakcji, ale zobaczenie, co zrobił tutaj bez pomocy koloru i tekstury, udowodniło mi jego mistrzostwo.
Joan Mitchell - Bez tytułu, 1957. Olej na papierze. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49,5 x 44,5 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Komitet Funduszy Rysunkowych © Spadek po Joan Mitchell
Ostatni sposób, w jaki czuję, że Degree Zero „naprawia” historię, to jego gotowość do sięgania poza to, co normalnie byłoby uważane za rysunek. New City (1953), akwarela i tusz na papierze autorstwa Dorothy Dehner, normalnie byłaby uważana po prostu za akwarelę, ale jej liniowy charakter z pewnością sugeruje, że należy do tej wystawy. Podobnie, kolorowe, beztytułowe dzieło w pastelach autorstwa Beauforda Delaney'a normalnie byłoby pokazywane jako obraz lub po prostu praca na papierze. To samo można powiedzieć o oszałamiającej, beztytułowej olejnej pracy na papierze autorstwa Joan Mitchel z 1957 roku; o pracy akrylowej na papierze autorstwa Saburo Murakamiego; oraz o wytłoczeniu tuszem autorstwa Sari Dienes; oraz o kolażu „2Letters Ms” (1961) autorstwa Very Molnar. Kategoryzowanie tych prac jako rysunków zaciera definicje w subtelny, subwersywny sposób i przyczynia się do ogólnego efektu, jaki ta wystawa osiąga, rozszerzając doświadczenie rysunku i historii sztuki, aby było bardziej otwarte niż w przeszłości.
Obraz wyróżniony: Otto Piene - Bez tytułu (Rysunek dymem), 1959. Sadza na papierze. 20 x 29′′ (51 x 73 cm). Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Nowy Jork. Zakupiono z funduszy przekazanych przez Sheldona H. Solowa © 2019 Otto Piene / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / VG. Bild-Kunst, Niemcy
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
