Kluczowe postacie ruchu wzornictwa i dekoracji

Ruch Wzoru i Dekoracji zajmuje szczególne miejsce w historii sztuki współczesnej. Wyłaniając się z Ruchu Sztuki Feministycznej lat 60. XX wieku, Wzór i Dekoracja ogłosił się rodzajem „trzeciej metody” pomiędzy figuracją a abstrakcją. Liderzy ruchu dostrzegli, że instynkt tworzenia sztuki dekoracyjnej był istotnym aspektem każdej ludzkiej kultury od początku cywilizacji. Jednakże zdali sobie również sprawę, że patriarchalna cywilizacja zachodnia z jakiegoś powodu, gdzieś po drodze, przyjęła stanowisko, że sztuka dekoracyjna powinna być podporządkowana jako mniej ważna i mniej poważna niż inne tzw. Sztuki Piękne. Założyciele Ruchu Wzoru i Dekoracji stanowczo odrzucili to założenie, ogłaszając swoje formalistyczne podejście do pracy dekoracyjnej jako równie istotne, znaczące i historycznie ważne jak jakiekolwiek inne stanowisko estetyczne. Ogólna filozofia ruchu Wzoru i Dekoracji została wyłożona w 1978 roku przez dwóch założycieli ruchu — Valerie Jaudon i Joyce Kozloff — w ich wspaniale bombastycznym manifeście, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Jego otwierający akapit stwierdza: „Jako feministki i artystki badające dekoracyjność w naszych własnych obrazach, byłyśmy ciekawe pejoratywnego użycia słowa 'dekoracyjny' w współczesnym świecie sztuki. Przeglądając podstawowe teksty Sztuki Nowoczesnej, zdałyśmy sobie sprawę, że uprzedzenie wobec dekoracyjności ma długą historię i opiera się na hierarchiach: sztuka piękna ponad sztuką dekoracyjną, sztuka zachodnia ponad sztuką nie-zachodnią, sztuka mężczyzn ponad sztuką kobiet. Skupiając się na tych hierarchiach, odkryłyśmy niepokojący system wierzeń oparty na moralnej wyższości sztuki cywilizacji zachodniej.” Liderzy ruchu postanowili zatem skazać te przestarzałe i bezużyteczne hierarchie na stos historii. Dziedzictwo ich pracy to jedno z visceralnej piękności i intelektualnego zachwytu. Dopiero teraz, w rzeczywistości, publiczność naprawdę przyswaja moc tego istotnego ruchu oraz rolę, jaką nadal odgrywa dzisiaj w uczynieniu pola sztuki współczesnej bardziej sprawiedliwym, bardziej otwartym umysłowo i bardziej kompletnym.

Pięciu Liderów Ruchu

Już w 1960 roku Miriam Schapiro porzuciła dominujące trendy estetyczne tamtych czasów na rzecz odkrywania unikalnego, osobistego głosu wizualnego, opartego w dużej mierze na jej tożsamości jako kobiety. Jej pierwsze protofeministyczne prace to "Sanktuaria", które działały jako rodzaj uświęconego mostu między kobiecością, duchowością a skompartmentalizowanym językiem modernizmu opartym na siatce. Stworzyła także kilka innych wyraźnie feministycznych cykli prac, w tym monumentalne "Wentylatory" oraz serię ostrych, geometrycznych prac abstrakcyjnych, które przedstawiają odważne, świetliste obrazy archetypowej symboliki kobiecej. W 1973 roku Schapiro wzięła udział w "Womanhouse", jednym z najważniejszych dzieł sztuki feministycznej wszech czasów. Później ukuła również termin "Femmage" dla swojej charakterystycznej metody łączenia technik sztuki pięknej, takich jak kolaż i assemblage, z technikami rzemieślniczymi, takimi jak szycie.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryl, tekstylia, papier na płótnie. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Zdjęcie: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Spadek po Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff miała swoje olśnienie dotyczące historycznego umniejszenia sztuk dekoracyjnych po tym, jak mieszkała w Meksyku, a następnie odwiedziła Maroko i Turcję na początku lat 70. XX wieku. Zainspirowana tym, jak starożytne tradycje estetyczne w tych miejscach wciąż były żywe i rozwijały się w codziennym życiu, podjęła własne pomysły na ten temat na wielu różnych frontach. Zaczęła tworzyć wielkoformatowe obrazy i instalacje multimedialne, które wykorzystywały metody i materiały tradycyjnie przypisane do rzemiosła dekoracyjnego; dołączyła do Heresies Collective, które uczestniczyło w feministycznych akcjach społecznych i publikowało czasopismo HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; oraz współautorstwo wspomnianego manifestu Pattern and Decoration. W dziesięciolecia po założeniu ruchu, Kozloff stała się bardziej aktywna w dziedzinie sztuki publicznej i rozwinęła charakterystyczny głos estetyczny oparty na idei mapowania, zarówno w sensie kartograficznym, jak i kulturowym.

Joyce Kozloff - Gdybym była botanikiem. 3 panele z 9-panelowego dzieła. Akryl, archiwalne drukowanie cyfrowe atramentem i kolaż na płótnie. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Oprócz współtworzenia manifestu Pattern and Decoration, Valerie Jaudon ugruntowała swoją pozycję jako jeden z najbardziej pewnych siebie głosów estetycznych tego ruchu. Jej charakterystyczny styl łączy kaligraficzne znaki z wzorami i projektami nawiązującymi do bliskowschodnich stylów dekoracyjnych. Oprócz swoich obrazów i prac na papierze, Jaudon zrealizowała ponad tuzin dużych projektów publicznych, od inkrustowanych podłóg, przez freski sufitowe, po ogromne instalacje w parkach publicznych. Największym z tych projektów jest monumentalny „Filippine Garden (2004), cementowa ścieżka na terenie Federal Courthouse w St. Louis, Missouri. Jego kompozycja jest typowa dla jej twórczości, w sposób, który wydaje się jednocześnie znajomy i egzotyczny; jego korzenie są pięknie niejasne, doskonale wkomponowuje się w naturalne i architektoniczne otoczenie.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olej na płótnie. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Zdjęcie: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Już pod koniec lat 60. Susan Michod zaczęła rozwijać estetyczną pozycję pośrednią między modernistyczną abstrakcją a estetycznymi tendencjami różnych starożytnych tradycji rdzennych. Jej prace balansują na granicy tych dwóch współpracujących perspektyw, przywołując zarówno hipnotyzującą cudowność Op Art, jak i ponure geometryczne wzory charakterystyczne dla form artystycznych prekolumbijskiej Ameryki Środkowej. Oprócz wkładu, jaki wniosła do Ruchu Wzoru i Dekoracji jako artystka, Michod była współzałożycielką Galerii Artemisia w Chicago, wpływowej przestrzeni wystawienniczej dla artystek, w której swoje wczesne prace prezentowały takie luminarze jak Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff i Nancy Spero, wśród wielu innych.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryl na papierze. 40 x 30 cali. © Susan Michod

Wraz z Miriam Schapiro, Robert Kushner pomógł zorganizować niektóre z najwcześniejszych wystaw Pattern and Decoration. Kushner przeszedł do świata sztuki z branży ilustracji reklamowej, którą opuścił w 1961 roku po zobaczeniu wystawy prac Franza Kline'a. Zajęło mu jednak kilka lat, zanim zdobył pewność siebie, aby rozwinąć swój unikalny głos. Po eksperymentowaniu z różnymi stylami, od ekspresjonizmu abstrakcyjnego, przez minimalizm, po malarstwo pola koloru, ostatecznie porzucił panujące trendy, aby w 1972 roku wykonać osobisty skok stylistyczny, stosując szablonowe „kształty” na swoich płótnach w wzorze „wszechobecnym”. W całych latach 70. te malowane szablonem wzory ewoluowały, aby zawierać więcej motywów florystycznych, przyjmując środkową drogę między formalistycznymi celebracjami dekoracji a figuralnymi przedstawieniami symetrycznych ogrodów.

Robert Kushner - Różowe liście, 1979. Akryl, różne tekstylia. 205 x 330,5 cm. Dzięki uprzejmości Muzeum Ludwig – Muzeum Sztuki Współczesnej w Budapeszcie, darowizna Petera i Irene Ludwiga. Zdjęcie: Muzeum Ludwig – Muzeum Sztuki Współczesnej w Budapeszcie. © Robert Kushner

Obraz wyróżniony: Susan Michod - Bez tytułu, 1977. Akwarela na papierze. 30 cali x 22,5 cala (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery w Long Island City, NY. © Susan Michod
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio