Kluczowe postacie ruchu wzornictwa i dekoracji

Ruch Pattern and Decoration zajmuje szczególne miejsce w historii sztuki współczesnej. Wywodząc się z Ruchu Sztuki Feministycznej lat 60. XX wieku, Pattern and Decoration ogłosił się jako swoisty „trzeci sposób” pomiędzy figuracją a abstrakcją. Liderzy tego ruchu dostrzegli, że instynkt tworzenia sztuki dekoracyjnej był istotnym elementem każdej ludzkiej kultury od początku cywilizacji. Jednocześnie uświadomili sobie, że patriarchalna cywilizacja Zachodu z jakiegoś powodu, gdzieś po drodze, przyjęła stanowisko, że sztuki dekoracyjne powinny być podporządkowane jako mniej ważne i mniej poważne niż inne tak zwane Sztuki Piękne. Założyciele ruchu Pattern and Decoration stanowczo odrzucili to założenie, deklarując, że ich formalistyczne podejście do pracy dekoracyjnej jest równie istotne, znaczące i historycznie ważne jak każda inna estetyczna postawa. Główna filozofia ruchu Pattern and Decoration została wyłożona w 1978 roku przez dwie założycielki ruchu — Valerie Jaudon i Joyce Kozloff — w ich wspaniale bombastycznym manifeście „Art Hysterical Notions of Progress and Culture”. Jego pierwszy akapit brzmi: „Jako feministki i artystki eksplorujące dekoracyjność w naszych własnych obrazach, byliśmy ciekawi pejoratywnego użycia słowa ‘dekoracyjny’ we współczesnym świecie sztuki. Czytając ponownie podstawowe teksty sztuki nowoczesnej, doszliśmy do wniosku, że uprzedzenie wobec dekoracyjności ma długą historię i opiera się na hierarchiach: sztuka piękna ponad sztuką dekoracyjną, sztuka zachodnia ponad sztuką niezachodnią, sztuka mężczyzn ponad sztuką kobiet. Skupiając się na tych hierarchiach, odkryliśmy niepokojący system wierzeń oparty na moralnej wyższości sztuki cywilizacji zachodniej.” Liderzy ruchu postanowili więc skazać te przestarzałe i bezużyteczne hierarchie na stos historii. Dziedzictwo ich pracy to piękno pełne emocji i intelektualne zdumienie. Dopiero teraz, w rzeczywistości, publiczność naprawdę zaczyna dostrzegać siłę tego żywotnego ruchu oraz rolę, jaką nadal odgrywa dziś w uczynieniu pola sztuki współczesnej bardziej sprawiedliwym, otwartym i pełnym.

Pięciu liderów ruchu

Już w 1960 roku Miriam Schapiro porzucała dominujące wówczas trendy estetyczne na rzecz odkrywania unikalnego, osobistego głosu wizualnego, opartego w dużej mierze na jej tożsamości jako kobiety. Jej pierwsze protofeministyczne prace to „Świątynie”, które działały jako swego rodzaju uświęcony most między kobiecością, duchowością a skompartamentalizowanym modernistycznym językiem siatki. Następnie stworzyła kilka innych wyraźnie feministycznych cykli, w tym monumentalne „Wachlarze” oraz serię ostrych, geometrycznych abstrakcji przedstawiających odważne, świetliste obrazy archetypicznej symboliki kobiecej. W 1973 roku Schapiro uczestniczyła w „Womanhouse”, jednym z najważniejszych feministycznych dzieł sztuki wszech czasów. Później ukuła także termin „Femmage” na określenie swojej charakterystycznej metody łączenia technik sztuki pięknej, takich jak kolaż i asamblaż, z technikami rzemieślniczymi, jak szycie.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryl, tkaniny, papier na płótnie. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Fot. Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Zespół Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff doznała olśnienia na temat historycznego umniejszania sztuk dekoracyjnych po pobycie w Meksyku, a następnie podczas wizyt w Maroku i Turcji na początku lat 70. Zainspirowana tym, jak starożytne tradycje estetyczne w tych miejscach wciąż żyły i kwitły w codziennym życiu, podjęła własne badania na ten temat na wielu frontach. Zaczęła tworzyć wielkoformatowe obrazy i instalacje multimedialne, wykorzystujące metody i materiały tradycyjnie przypisywane rzemiosłu dekoracyjnemu; dołączyła do kolektywu Heresies, który brał udział w feministycznych akcjach społecznych i wydawał czasopismo HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; oraz współautorstwo wspomnianego manifestu Pattern and Decoration. W dekadach po założeniu ruchu Kozloff stała się bardziej aktywna w dziedzinie sztuki publicznej i rozwinęła charakterystyczny głos estetyczny oparty na idei mapowania, zarówno w sensie kartograficznym, jak i kulturowym.

Joyce Kozloff - If I Were a Botanist Mediterranean. 3 panele z 9-panelowego dzieła. Akryl, archiwalny cyfrowy druk atramentowy i kolaż na płótnie. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Oprócz współautorstwa manifestu Pattern and Decoration, Valerie Jaudon ugruntowała swoją pozycję jako jeden z najbardziej pewnych głosów estetycznych ruchu. Jej charakterystyczny styl łączy kaligraficzne znaki z wzorami i motywami przywodzącymi na myśl dekoracyjne style Bliskiego Wschodu. Oprócz obrazów i prac na papierze, Jaudon zrealizowała ponad tuzin wielkoformatowych projektów publicznych, od intarsjowanych podłóg, przez malowidła sufitowe, po ogromne instalacje w parkach publicznych. Największym z tych projektów jest monumentalny „Filippine Garden” (2004), cementowa ścieżka na terenie Federalnego Sądu w St. Louis, Missouri. Jego kompozycja jest typowa dla jej twórczości, łącząc w sobie jednocześnie coś znajomego i egzotycznego; jego korzenie są pięknie niejasne, a dzieło harmonijnie wtapia się w naturalne i architektoniczne otoczenie.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olej na płótnie. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Fot. Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Już pod koniec lat 60. Susan Michod zaczęła rozwijać estetyczną postawę pośrednią między modernistyczną abstrakcją a estetycznymi tendencjami różnych starożytnych tradycji rdzennych. Jej prace balansują na granicy tych dwóch współistniejących perspektyw, przywołując zarówno hipnotyczne zdumienie Op Artu, jak i ponure geometryczne wzory charakterystyczne dla sztuki prekolumbijskiego Ameryki Środkowej. Oprócz wkładu artystycznego w ruch Pattern and Decoration, Michod była współzałożycielką galerii Artemisia w Chicago, wpływowej przestrzeni wystawienniczej dla artystek, gdzie swoje wczesne prace prezentowały takie luminarze jak Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff i Nancy Spero, między innymi.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryl na papierze. 40 x 30 cali. © Susan Michod

Wraz z Miriam Schapiro, Robert Kushner pomógł zorganizować jedne z pierwszych wystaw Pattern and Decoration. Kushner przyszedł do świata sztuki z branży ilustracji reklamowej, którą opuścił w 1961 roku po obejrzeniu wystawy prac Franza Kline’a. Potrzebował jednak kilku lat, zanim zdobył pewność, by rozwinąć własny, unikalny głos. Po eksperymentach z różnymi stylami, od ekspresjonizmu abstrakcyjnego, przez minimalizm, po malarstwo pola barw, ostatecznie porzucił panujące trendy, by w 1972 roku wykonać osobisty stylistyczny skok, nanosząc na swoje płótna szablonowe „kształty” w wzór „all-over”. W całych latach 70. te wzorzyste obrazy ze szablonów ewoluowały, obejmując coraz więcej motywów kwiatowych, łącząc środek między formalistycznym świętowaniem dekoracji a figuratywnymi przedstawieniami symetrycznych ogrodów.

Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Akryl, różne tkaniny. 205 x 330,5 cm. Z uprzejmości Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapeszt, darowizna Peter und Irene Ludwig / darowizna Petera i Irene Ludwig. Fot. Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapeszt. © Robert Kushner

Zdjęcie główne: Susan Michod - Bez tytułu, 1977. Akwarela na papierze. 30 cali x 22,5 cala (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery w Long Island City, NY. © Susan Michod
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio