Dlaczego Jackie Winsor jest ekscentrycznie abstrakcyjna

Prace Jackie Winsor stanowią doskonały kontrapunkt dla akademickich teorii dotyczących współczesnej abstrakcji. Debata, która napędza większość obecnych rozmów na temat sztuki abstrakcyjnej, nieuchronnie krąży wokół różnicy między czystą abstrakcją — sztuką, która nie ma żadnego związku z tzw. rzeczywistym światem — a abstrakcją, która jest wyprowadzona z czegoś figuralnego lub z czegoś, co można zfiguralizować. Przez ponad pięć dekad Winsor tworzyła prace, które teoretycznie mogłyby pasować do obu stron tej debaty. Na przykład, niepokojąca obecność „Chunk Piece” (1970), zwiniętego kłody konopnej, mogłaby być uznana za coś wyabstrahowanego z rzeczywistego świata, mimo że nic podobnego nie istnieje w rzeczywistości. Tymczasem „Pink and Blue Piece” (1985), lustrzana kostka, mogłaby być określona jako czysta abstrakcja formalistyczna, ponieważ jest jedynie prostą, geometryczną formą spoczywającą w przestrzeni. Jednak obie te prace można również opisać na niezliczone inne sposoby. Rzekomo formalistyczna kostka mogłaby być figuralna, ponieważ przypomina wiele innych obiektów w rzeczywistym świecie; a rzekomo wyabstrahowana kłoda może wcale nie być abstrakcyjna — może być konkretnym, samoreferencyjnym obiektem, który istnieje tylko po to, aby wyrażać swoje własne cechy. Tak ekscentryczne i indywidualistyczne są rzeźby Winsor, że całkowicie rozplątują debatę o abstrakcji. Istnieją poza tą rozmową, czyniąc ją nieistotną. A jednak są tak przekonujące na poziomie visceralnym — tak wspaniale deklaratywne czegoś istotnego, ale wykraczającego poza nasz intelekt — że nie mogę się oprzeć myśli, że są niezbędne dla naszego zrozumienia abstrakcji. Jak dwóch innych wizjonerów jej pokolenia — Richard Serra i Eva Hesse — Winsor reprezentuje obietnicę, że sztuka abstrakcyjna może jednocześnie być niewyobrażalnie ezoteryczna i niezaprzeczalnie ludzka.

Uparcie istnieć

W 1979 roku, w wieku 37 lat, Winsor miał wystawę indywidualną w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Wystawa obejmowała 24 prace. W eseju katalogowym do wystawy Winsor został opisany jako „jeden z najbardziej utalentowanych młodszych rzeźbiarzy dzisiejszych czasów”. Esej nie dostarcza jednak wiele jasności co do tego, co dokładnie sprawiło, że kuratorzy uznali pracę Winsora za tak ważną. Unikając wszelkiej hiperboli, po prostu wskazuje na pracę „jej obiektowość lub, jak mówi Ellen Johnson, cytując Rilkego, jej 'uporczywą egzystencję'.” Prace na wystawie w MoMA miały uniwersalną cechę, którą najlepiej można opisać jako komunikatywną, starannie wykonaną pracę: były dowodem pracy. „Bound Square” (1972) wygląda tak prosto jak zwykła drewniana rama, ale mile sznurka owiniętego wokół jej rogów zaprzecza faktowi, że Winsor spędził niezliczone godziny, metodycznie łącząc tę pracę. „Four Corners” (1972) to proste ułożenie czterech okrągłych form na podłodze, ale ile godzin zajęło uformowanie kul? Podobnie, niezliczone gwoździe wbite w drewniany wierzch „Nail Piece” (1970) sugerują maniakalną jakość, podczas gdy samoreferencyjnie zatytułowane „30 do 1 Bound Trees” (1971-72) wydaje się kwestionować wartość całej ludzkiej pracy w odniesieniu do natury.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Drewno i sznurek. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). Fundacja Joseph G. Mayer, Inc., na cześć Jamesa Thrall Soby i Fundusz Grace M. Mayer na cześć Alfreda H. Barra, Jr. Kolekcja MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Pierwszą reakcją, jaką można mieć, spotykając rzeźby takie jak „Bound Square”, „Four Corners”, „Nail Piece” i „30 to 1 Bound Trees”, jest podziw dla abstrakcyjnej prostoty form. Może po drugie, można poczuć visceralną atrakcję do surowej fizyczności materiałów — drewna, konopi i metalu. Ale to w procesie wyobrażania sobie wysiłku, który włożono w stworzenie rzeźb, nasza ludzka więź z tymi formami i tymi materiałami osiąga swój szczyt. Wtedy uświadamiamy sobie, że proste geometryczne formy nie zostały wybrane tylko ze względu na swoje formalne abstrakcyjne cechy, ale dlatego, że najlepiej nadają się do powtarzalnej, monotonnej pracy. Wyobrażając sobie uczucie trzymania drewna, konopi, młotka i gwoździ w naszych rękach godzinami, łączymy rzeźby z naszą cielesną i krwistą ludzkością. Te dzieła rzeczywiście upierają się, istniejąc pomimo naszej zdolności do opisywania ich, weryfikowania ich lub nadawania im znaczenia; upierają się również, zajmując terytorium intelektualne, celebrując swoją obecnością inherentnie piękną, ale mylącą naturę wszelkiego wysiłku.

Jackie Winsor - Spalony kawałek, 1977-78. Cement, spalona drewno i siatka druciana. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Dar Agnes Gund. Kolekcja MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Koniec etykiet

Jedną z bardziej wątpliwych etykiet, które często przypisywane są Winsor, jest „Sztuka Procesu”, co jest sposobem opisywania zjawisk estetycznych, dla których końcowy obiekt nie ma znaczenia – to proces tworzenia jest najważniejszy. Co z pewnością myli ludzi w przypadku Winsor, to fakt, że proces jest tak oczywiście kluczowy dla jej dzieł. Rzeczywiście, nic, co tworzy, nie mogłoby powstać bez wynalezienia często całkowicie nowych procesów, które włączają nowatorskie metody i techniki, specyficzne, być może, tylko dla stworzenia jednej konkretnej rzeźby. Tak ważne, jak jej procesy, końcowy obiekt pozostaje kluczowy. Tak, jest to rezultat procesu i walidacja procesu, ale jest to także raison d’etre procesu. Bez wizji, jaką Winsor miała dla obiektu, upartych w realnej przestrzeni i czasie, proces nie miałby powodu, by istnieć.

Jackie Winsor - Sklejka laminowana, 1973. Sklejka. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Dar Fundacji Gilman na pamiątkę J. Frederica Byersa III. Kolekcja MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Inna etykieta często przypisywana Winsor to postminimalizm. Ta etykieta również ma niewielkie znaczenie dla jej pracy. Sztuka postminimalistyczna wykorzystuje minimalizm jako punkt wyjścia lub punkt odniesienia, ale nie przyjmuje wszystkich jego koncepcyjnych przekonań. Winsor wyróżnia się z tego zamieszania i wszystkich innych niedopracowanych etykiet. Podobnie jak Marcel Duchamp, jest jednoosobowym ruchem artystycznym. Tworzy rzeźby, które pewnie mówią o tym, co to znaczy mieć obecność; zawierać teksturę; zajmować przestrzeń; być wynikiem pracy. Tworzy sztukę, która ogłasza, że ma tyle samo prawa, by tu być, co każdy kamień, drzewo czy stworzenie. Jej rzeźby nie muszą być weryfikowane przez teorię ani wyjaśniane akademicko, aby mogły rościć sobie prawo do agencji. Uwalniają nas od konieczności kategoryzowania, a nawet rozumienia. Wszystko, co musimy zrobić, aby docenić jej pracę, to po prostu docenić ją za to, czym niewątpliwie jest: konkretna; abstrakcyjna; ezoteryczna; ekscentryczna; i ludzka.

Obraz wyróżniony: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Konopie. 36 x 38 cali (91,4 x 96,5 cm). Galeria Paula Cooper. © Jackie Winsor
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio