Dlaczego Jackie Winsor jest ekscentrycznie abstrakcyjna

Twórczość Jackie Winsor stanowi doskonały kontrapunkt dla akademickich teorii dotyczących współczesnej abstrakcji. Dyskusja, która napędza większość obecnych rozmów o sztuce abstrakcyjnej, nieuchronnie krąży wokół różnicy między czystą abstrakcją — sztuką, która nie ma żadnego związku z tak zwanym światem rzeczywistym — a abstrakcją wywodzącą się z czegoś figuratywnego lub z czegoś abstrakcyjnie przekształconego. Przez ponad pięć dekad Winsor tworzyła dzieła, które teoretycznie mogłyby pasować do obu stron tej debaty. Na przykład niezwykła obecność „Chunk Piece” (1970), zwiniętego kłody z konopi, mogłaby być uznana za coś abstrakcyjnie wywiedzionego ze świata rzeczywistego, mimo że nic dokładnie takiego nie istnieje w rzeczywistości. Tymczasem „Pink and Blue Piece” (1985), lustrzana kostka, mogłaby być nazwana czystą formalistyczną abstrakcją, ponieważ jest to po prostu prosta, geometryczna forma spoczywająca w przestrzeni. Jednak oba te dzieła można opisać na niezliczone inne sposoby. Rzekomo formalistyczna kostka może być figuratywna, ponieważ przypomina wiele innych przedmiotów ze świata rzeczywistego; a rzekomo abstrakcyjna kłoda wcale nie musi być abstrakcyjna — może być konkretnym, samoodniesionym obiektem, który istnieje jedynie po to, by wyrazić swoje własne cechy. Rzeźby Winsor są tak ekscentryczne i indywidualistyczne, że całkowicie rozmontowują debatę o abstrakcji. Istnieją poza rozmową, czyniąc ją nieistotną. A jednak są tak przekonujące na poziomie odczuwalnym — tak wzniosłe w wyrażaniu czegoś istotnego, ale wykraczającego poza nasz intelekt — że nie mogę nie myśleć, iż są kluczowe dla naszego rozumienia abstrakcji. Podobnie jak dwaj inni wizjonerzy jej pokolenia — Richard Serra i Eva Hesse — Winsor reprezentuje obietnicę, że sztuka abstrakcyjna może być jednocześnie niewyobrażalnie ezoteryczna i niezaprzeczalnie ludzka.

Uporczywie istnieć

W 1979 roku, w wieku 37 lat, Winsor otrzymała indywidualną wystawę w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Wystawa obejmowała 24 dzieła. W eseju katalogowym do wystawy Winsor opisywano jako „jedną z najbardziej utalentowanych młodszych rzeźbiarek dzisiejszych czasów.” Esej jednak nie wyjaśnia dokładnie, co sprawiło, że kuratorzy uznali jej twórczość za tak ważną. Unikając wszelkiej przesady, wskazuje jedynie na „obiektowość” dzieł lub, jak mówi Ellen Johnson, cytując Rilkego, ich „uporczywe istnienie.” Prace na wystawie w MoMA dzieliła uniwersalna cecha najlepiej opisana jako komunikowanie skrupulatnego, długotrwałego wysiłku: były dowodem pracy. „Bound Square” (1972) wygląda jak prosty drewniany stelaż, ale kilometry sznurka owiniętego wokół jego narożników przeczą temu, że Winsor spędziła niezliczone godziny, metodycznie wiążąc ten element. „Four Corners” (1972) to proste ułożenie czterech okrągłych form na podłodze, ale ile godzin zajęło uformowanie tych kul? Podobnie niezliczone gwoździe wbite w drewniany wierzch „Nail Piece” (1970) sugerują maniakalną jakość, podczas gdy samoodniesiona nazwa „30 to 1 Bound Trees” (1971-72) zdaje się badać wartość całej ludzkiej pracy w odniesieniu do natury.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Drewno i sznurek. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., na cześć Jamesa Thralla Soby i Grace M. Mayer Fund na cześć Alfreda H. Barra Jr. Kolekcja MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Pierwszą reakcją na spotkanie z rzeźbami takimi jak „Bound Square”, „Four Corners”, „Nail Piece” i „30 to 1 Bound Trees” może być podziw dla abstrakcyjnej prostoty form. Być może drugą jest odczucie instynktownego przyciągania do surowej fizyczności materiałów — drewna, konopi i metalu. Jednak to w procesie wyobrażania sobie wysiłku włożonego w stworzenie tych rzeźb nasza ludzka więź z tymi formami i materiałami osiąga szczyt. Wtedy uświadamiamy sobie, że proste geometryczne formy nie zostały wybrane tylko ze względu na ich formalne abstrakcyjne cechy, lecz dlatego, że najlepiej nadają się do powtarzalnej, monotonne pracy. Wyobrażenie sobie uczucia trzymania w dłoniach drewna, konopi, młotka i gwoździ przez godziny łączy rzeźby z naszą krwią i ciałem. Te dzieła naprawdę uporczywie istnieją, mimo naszej zdolności do ich opisywania, potwierdzania czy nadawania im znaczenia; uporczywie zajmują też intelektualną przestrzeń, świętując swoim istnieniem inherentnie piękną, lecz zagadkową naturę wszelkiego wysiłku.

Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Cement, spalone drewno i siatka druciana. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Dar Agnes Gund. Kolekcja MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Koniec etykiet

Jedną z bardziej wątpliwych etykiet, które często przypisywano Winsor, jest „Sztuka procesu”, co oznacza opis zjawisk estetycznych, dla których końcowy obiekt nie jest najważniejszy — liczy się przede wszystkim proces tworzenia. To, co z pewnością myli ludzi w przypadku Winsor, to fakt, że proces jest tak oczywiście kluczowy dla jej dzieł. Rzeczywiście, nic, co tworzy, nie mogłoby powstać bez wynalezienia często całkowicie nowych procesów, które obejmują nowatorskie metody i techniki, być może specyficzne tylko dla stworzenia jednej konkretnej rzeźby. Mimo że jej procesy są ważne, końcowy obiekt pozostaje istotny. Tak, jest wynikiem procesu i jego potwierdzeniem, ale jest też powodem istnienia tego procesu. Bez wizji Winsor dotyczącej obiektu, uporczywie istniejącego w realnej przestrzeni i czasie, proces nie miałby powodu, by istnieć.

Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Sklejka. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Dar Fundacji Gilman na cześć J. Frederica Byersa III. Kolekcja MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Inną etykietą często przypisywaną Winsor jest postminimalizm. Ta etykieta również niewiele mówi o jej twórczości. Sztuka postminimalistyczna wykorzystuje minimalizm jako punkt wyjścia lub odniesienia, ale nie przyjmuje wszystkich jego koncepcyjnych założeń. Winsor wyróżnia się spośród tego niejasnego opisu i wszystkich innych niepełnych etykiet. Podobnie jak Marcel Duchamp, jest jednoosobowym ruchem artystycznym. Tworzy rzeźby, które pewnie mówią o tym, co znaczy mieć obecność; zawierać fakturę; zajmować przestrzeń; być wynikiem pracy. Tworzy sztukę, która oświadcza, że ma takie samo prawo do istnienia jak każdy kamień, drzewo czy stworzenie. Jej rzeźby nie potrzebują potwierdzenia przez teorię ani akademickiego wyjaśnienia, by rościć sobie prawo do bytu. Uwalniają nas od konieczności kategoryzowania czy nawet rozumienia. Wszystko, co musimy zrobić, by docenić jej twórczość, to po prostu ją docenić za to, czym niewątpliwie jest: konkretną; abstrakcyjną; ezoteryczną; ekscentryczną; i ludzką.

Zdjęcie główne: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Konopie. 36 x 38 cali (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio