Monumentalne podejście Roberta Motherwella do malarstwa

Niektóre słowa nie zachowują tego samego znaczenia w czasie. Monumentalny to jedno z takich słów. Jego wartość – przynajmniej w odniesieniu do malarstwa – jest obecnie testowana w wystawie Sheer Presence: Monumental Paintings by Robert Motherwell, która jest prezentowana w nowej flagowej lokalizacji Kasmin Gallery, przy 509 West 27th Street w Nowym Jorku. Wystawa składa się z ośmiu rzadko wystawianych obrazów Motherwella z lat 60. XX wieku do 1990 roku, roku przed śmiercią Motherwella, z których kilka jest wypożyczonych z The Dedalus Foundation, którą Motherwell założył w 1981 roku „aby wspierać publiczne zrozumienie i docenienie zasad sztuki nowoczesnej.” Każdy z ośmiu obrazów oferuje coś nowego dla długoletnich fanów artysty do rozważenia. Dzieje się tak, ponieważ żaden z nich nie ma oczywistego estetycznego podobieństwa do najbardziej ikonicznych, a zatem najczęściej wystawianych obrazów Motherwella, które skłaniają się ku dużym, czarnym, emocjonalnym, gesturalnym formom na stonowanych tłach, jak w jego serii Elegies. Tutaj zamiast tego widzimy eksperymenty chromatyczne i kompozycyjną powściągliwość. Jednakże, nasuwa się pytanie: co oznacza monumentalny? Pisząc o wystawie dla Frieze Magazine, Matthew Holman cytuje Motherwella, który kiedyś powiedział: „Najwyższym darem, po świetle, jest skala.” Czy zatem mamy uwierzyć, że to właśnie oznacza monumentalny w tym przypadku? Każde z dzieł prezentowanych na tej wystawie jest zdecydowanie dużych rozmiarów, w porównaniu na przykład do „Mona Lisy”, która ma zaledwie 76 x 53 cm, czy „Trwałość pamięci” Salvadora Dali, która ma mikroskopijne 22 na 33 cm. „Open No. 97: The Spanish House” (1969), jeden z mniejszych obrazów na tej wystawie, ma porównawczo ogromne 235 x 289 cm – mogłoby pomieścić prawie 100 Dali. Ale nie mogę się oprzeć myśli, że w obrazie musi być obecne coś więcej, aby można go było nazwać monumentalnym, niż po prostu bycie większym, w jakimkolwiek stopniu, niż obrazy przeszłości. Fizyczna skala jest najłatwiejszym pomiarem dzieła sztuki. Aby odkryć, co naprawdę jest monumentalne w tych obrazach Motherwella, musimy spojrzeć głębiej.

Coś do zapamiętania

Jedna dodatkowa możliwa definicja monumentalności ma związek z pamięcią. Pomniki często upamiętniają wydarzenia z przeszłości. I są wyraźnie dwa sposoby, w jakie Motherwell przyjął upamiętnienie w obrazach prezentowanych na tej wystawie. Najbardziej oczywistym jest „Dublin 1916, z Black and Tan” (1964). Obraz przedstawia pionowe pasy czerni i ochry wraz z polami czerwieni, bieli i niebieskiego. W centrum niebieskiego pola znajduje się ochrowa forma przypominająca coś pomiędzy cyfrą cztery, strzałką skierowaną w górę a bezgłową osobą niosącą broń. Ogólny efekt dzieła przypomina flagę. Tytuł odnosi się do powstania wielkanocnego Irlandczyków przeciwko Brytyjczykom w 1916 roku, wydarzenia, które zostało uwiecznione przez Williama Butlera Yeatsa w wierszu Wielkanoc 1916. Dla mnie monumentalne aspekty tego obrazu znajdują się nie w rozmiarze płótna, ale w ponurym, abstrakcyjnym pomniku oferowanym przez jego treść.

Robert Motherwell - Western Air, 1946-47. Olej i piasek na płótnie. 6' x 54" (182,9 x 137,2 cm). Zakup (w zamian). Kolekcja MoMA.

Koncepcja upamiętnienia pojawia się również w „Wielkim Inkwizytorze” (1989-90), który odważnie wita widzów na wystawie. Najbardziej emocjonalny i złożony obraz w pokazie, to jedno z ostatnich dzieł, które Motherwell ukończył przed swoją śmiercią. Należy do jego ostatniej serii, nazwanej Pustymi Ludźmi na cześć obrazu o tej samej nazwie z 1983 roku, który przedstawia sześć globularnych, przezroczystych form paraduje po ochrowym polu, otoczone poziomymi pasami żółci i czerni. W „Wielkim Inkwizytorze” puste formy są bardziej substancjalne, a otaczające pasy kolorów—czerwony, żółty i czarny tym razem—są bardziej złowieszcze. Motherwell nie zamierzał tego jako pomnika żadnemu wydarzeniu historycznemu; raczej jest to pomnik ewolucji jego własnego procesu twórczego, który w końcu obdarzył go zdolnością do odpuszczenia i przekazania czegoś osobistego z wnętrza. W swoich własnych słowach, Motherwell kiedyś powiedział o tej serii: „Szukam sposobu na zsyntetyzowanie całego życia pracy... Moja praca przez cały czas miała pewien estetyczny dystans lub rezerwę, a teraz myślę, że zaczyna się łagodzić... Widzę, gdzie jestem bliżej swojego wewnętrznego ja i gdzie od niego odchodzę.”

Robert Motherwell - Elegia dla Republiki Hiszpańskiej, 108, 1965-67. Olej na płótnie. 6' 10" x 11' 6 1/4" (208,2 x 351,1 cm). Fundusz Charlesa Mergentime'a. Kolekcja MoMA.

Coś do świętowania

Inna definicja monumentalności może dotyczyć celebracji. Wiele z pozostałych prac w tej wystawie należy do serii, którą Motherwell rozpoczął w 1967 roku, określanej jako jego obrazy „Otwarte”. Prace te często omawiane są jako czerpiące inspirację z alegorycznego symbolu okna, jako otwarcia między jednym światem a drugim. Charakteryzujące się abstrakcyjnymi liniami architektonicznymi, które rzeczywiście przywołują okna, drzwi, a nawet całe domy, obrazy w tej serii porównywano do dzieł z przeszłości, takich jak „Widok na Notre Dame” (1914) autorstwa Matisse'a, uproszczona, liniowa kompozycja, w której francuska katedra jest spłaszczona w przestrzeni i umieszczona w taki sposób, że wydaje się stawać rodzajem okna na ścianie obrazu. Te obrazy można zatem nazwać monumentalnymi za sposób, w jaki celebrują niektóre z kluczowych osiągnięć malarzy z historii sztuki.

Robert Motherwell - Open Number 24 w Variations of Orange, 1968. Farba syntetyczna i węgiel na płótnie. 6' 9" x 9' 7 1/8" (205,6 x 292,3 cm). Dar artysty. Kolekcja MoMA.

Jednak w serii „Otwarte” dzieje się także coś innego, coś celebracyjnego, co wynika z innego odczytania słowa „otwarte”. Uproszczony język wizualny, który zastosował w tych obrazach, jest całkowitym odejściem od kompozycji abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które zaledwie kilka lat wcześniej uczyniły go jednym z najsłynniejszych malarzy swojego pokolenia. Dosłownie oznaczają jego otwartość na ideę przekształcania własnej metody. W swojej minimalnej ciszy stoją w opozycji do wszystkiego, czego Motherwell mógł być oczekiwany przez swoich fanów, przyjaciół i dealerów. Nie są to jego największe obrazy, ale są celebracją eksperymentu, co czyni je moim wyborem na najbardziej „monumentalne” obrazy w wystawie. Czysta Obecność: Monumentalne Obrazy Roberta Motherwella jest wystawiana w Kasmin Gallery w Nowym Jorku do 18 maja 2019.

Obraz wyróżniony: Robert Motherwell - Open Study #8A (W niebieskim z czarną linią), 1968. Farba polimerowa na papierze. 22 1/8 x 30 1/2" (56,2 x 77,5 cm). Dar Kolekcji Rysunków Współczesnych Fundacji Judith Rothschild. Kolekcja MoMA. © 2019, Dedalus Foundation, Inc./Licencjonowane przez VAGA, NY.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio