Martin Puryear - Pomiędzy rzemiosłem a sztuką
Dzieła Martina Puryeara emanują pewnego rodzaju estetyczną grawitacją. Przyciągają naszą uwagę swoją obecnością, wabiąc nas ku sobie ukrytymi obietnicami piękna, komfortu, a po dłuższym przyjrzeniu się im – nawet zrozumienia. Urodzony w 1941 roku, Puryear tworzy rękami od dzieciństwa. Potrafi zbudować gitarę lub łódź ręcznie. Pracuje w północnej części stanu Nowy Jork w pracowni, którą sam zbudował, często używając naturalnych materiałów, które sam zbierał, formując je narzędziami, które sam wykonał. Ręczne wykonanie jego rzeźb przyniosło Puryearowi reputację prawdziwego rzemieślnika: osoby oddanej tradycjom rękodzieła, zasługującej na szacunek, jaki wymaga tak trudna praca. Jednak to jego zdolność do ukazywania uniwersalności zawartych w tworzonych przez niego przedmiotach przyniosła mu sławę jednego z najwybitniejszych żyjących artystów w Stanach Zjednoczonych. Wiele jego dzieł jest bez tytułu i uważanych za abstrakcyjne, lecz ich istota jest nie do pomylenia. Choć możemy nie potrafić ich nazwać, mogą one posiadać jaśniejszą wizję tego, czym są, niż my sami o naturze własnej istoty. W związku z dużą wystawą jego prac, która otwiera się 19 września w Parasol Unit Foundation for Contemporary Art w Londynie, postanowiliśmy przyjrzeć się bliżej Martinowi Puryearowi i przedstawić trochę tła dotyczącego jego fascynującego życia i twórczości.
Bio-Minimalista
Proszę wybaczyć mi wymyślenie, co może być niczym więcej niż bezużytecznym żargonem artystycznym, ale oto słowo, które stworzyłem, by opisać twórczość Martina Puryeara: Bio-Minimalizm. To, co mam na myśli, może być oczywiste, ale na wszelki wypadek wyjaśnię: mam na myśli, że przedmioty tworzone przez Puryeara są minimalne w swojej istocie – by posłużyć się słowami Donala Judda, są to konkretne przedmioty; uporządkowane, jednolite i potężne – ale jednocześnie pełne wrodzonej narracji zawartej w biologicznej rzeczywistości. Można je określić jako rzeczy samoodniesione, które docenia się zgodnie z materiałami i procesami, które doprowadziły do ich powstania. Są jednak także złożone, a ta złożoność odgrywa kluczową rolę w potwierdzeniu ich wartości. Są opanowane przez własne rzemiosło. Oczywiście zostały wykonane przez człowieka, a trud, intelekt, wizja i osobowość tego człowieka są nieodłączną częścią tego, co czyni je interesującymi.
Podczas zdobywania tytułu magistra sztuki na Yale, Puryear był częściowo szkolony przez dwóch artystów, którzy sami pomogli wyjaśnić znaczenie minimalizmu: Richarda Serrę i Roberta Morrisa. Jednak podczas gdy tacy artyści mogli unikać osobistego rzemiosła i woleli, by przedmioty były produkowane, Puryear wolałby wejść do lasu, ściąć drzewo, pociąć i wysuszyć drewno w swojej pracowni, a następnie ukształtować je narzędziami, które sam wykonał. Podczas gdy purystyczny minimalista mógłby zaplanować konkretną formę z góry, a następnie zlecić jej wykonanie z materiałów i procesów pozbawionych treści czy emocji, Puryear wybiera materiały, które wyrażają swoją historię, prowadząc je ku ujawnieniu ich estetycznych nieuchronności. Podczas gdy minimalista może dążyć do tworzenia rzeczy bezsensownych i bezużytecznych, Puryear stara się tworzyć rzeczy, które zawierają tę samą bogactwo, fakturę i poetycką substancję co ich surowe materiały. Tak ściśle związane z naturą, nie mogą być bezsensowne ani bezużyteczne. A ponieważ dzielimy ich pochodzenie, nie mogą nie przyciągać naszej uwagi.
Martin Puryear - Sanctuary, 1982, sosna, klon i czereśnia (po lewej) oraz Night Watch, 2011, klon, wierzba, płyta OSB, zdjęcie dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery, fotografia Christian David Erroi (po prawej)
Wielodyscyplinarny i Uniwersalny
Puryear jest najbardziej znany ze swoich rzeźb i dzieł publicznych. Jego monumentalne dzieło plenerowe Box and Pole, stworzone w 1977 roku, pozostaje do dziś jednym z najbardziej eleganckich i prostych wyrazów jego estetycznej postawy. Jego Ladder for Booker T. Washington z 1996 roku stała się ikonicznym współczesnym wyrazem, cenionym za abstrakcyjne cechy, materialne aspekty, skrupulatny proces tworzenia oraz historyczne implikacje narracyjne. Jednak od lat 60. Puryear konsekwentnie pracuje także w technice grafiki warsztatowej. Po raz pierwszy nauczył się wykonywać odbitki w Królewskiej Akademii Sztuk w Sztokholmie, gdzie studiował po dwóch latach pracy jako nauczyciel w Korpusie Pokoju w Sierra Leone. Wiele jego odbitek, wraz z innymi dziełami, zostało utraconych w pożarze jego pracowni w Brooklynie w 1977 roku. Jednak niektóre zostały uratowane i naprawione przez Puryeara lub przerobione przez niego na nowe sposoby.
Martin Puryear - Question, 2013-14, brąz, 222 x 272 x 87 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery
Na nadchodzącą wystawę w Parasol Unit kuratorka Ziba Ardalan wyznaczyła osobną galerię na pierwszym piętrze muzeum, aby zaprezentować aspekt grafiki warsztatowej w jego twórczości. Jego odbitki ukazują staranne pociągnięcia i rustykalną estetykę, która dodaje głębi i warstw jego całemu dorobkowi. Będą one niespodzianką dla wielu fanów, którzy znają Puryeara tylko z rzeźb. Ale nie martwcie się, ci, którzy liczą na osobiste spotkania z rzeźbami, z których Puryear jest znany, również nie będą zawiedzeni. Na wystawie Martin Puryear w Parasol Unit będzie można zobaczyć różnorodne rzeźby reprezentujące pełne spektrum materiałów i procesów stosowanych przez Puryeara. Wśród nich znajdą się dzieła z brązu i żelaza, takie jak Question i Shackled, współczesne prace drewniane jak The Load (2012) i Night Watch (2011), a także starsze obiekty drewniane, takie jak Believer (1977-82). Wystawa będzie dostępna od 19 września do 8 grudnia 2017 roku w Parasol Unit Foundation for Contemporary Art, mieszczącej się przy 14 Wharf Road, Londyn.
Martin Puryear - Question, 2013-14, brąz, 222 x 272 x 87 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Matthew Marks Gallery, fotografia Christian David Erroi
Zdjęcie główne: Martin Puryear -
Wszystkie zdjęcia © Martin Puryear; Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
