W podróży z Antonim Tàpiesem

Kiedy Antoni Tàpies zmarł w 2012 roku, pozostawił ogromną lukę w hiszpańskiej kulturze. Był bez wątpienia najbardziej wpływowym hiszpańskim artystą wizualnym swojego pokolenia, a pod wieloma względami trudno wyobrazić sobie powojenną hiszpańską awangardę bez niego. W rzeczywistości można śmiało powiedzieć, że bez Tàpiesa sztuka XX wieku wyglądałaby zupełnie inaczej na całym świecie. W krytycznym momencie historii swojego kraju Tàpies odszedł od wygodnego, mieszczańskiego przeznaczenia i poświęcił się tworzeniu niepewnego życia artysty. Był jednym z sześciu założycieli Dau al Set, niezwykle wpływowego kolektywu awangardowego działającego w latach 1948–1956. Po opuszczeniu grupy w 1952 roku Tàpies stworzył język wizualny łączący najbardziej radykalne elementy surrealizmu i dadaizmu z podstawami formalnej abstrakcji oraz pojawiającymi się światowymi trendami w informalizmie. Z korzeni mistycyzmu i metafizyki ukształtował uniwersalną filozofię estetyczną opartą na docenieniu naturalnych materiałów oraz związku z Ziemią i jej żywiołami. Jego prace osiągnęły szczyt w tym, co stało się znane jako „Obrazy Materii” — dzieła tworzone z codziennych znalezionych materiałów, z których się składały i które celebrowały. Pozostawił po sobie bogaty zbiór esejów i wykładów, a ostatecznie był znany równie dobrze z filozoficznego spojrzenia na sztukę, co z samej twórczości. Podsumował swoje podstawowe podejście do sztuki i życia stwierdzeniem: „Perfekcja nie może pochodzić jedynie z szlachetnych idei, lecz powinna iść w parze z więzią z ziemią.”

Siódma Strona

Kiedy w 1939 roku zakończyła się hiszpańska wojna domowa, kraj przeszedł zdecydowanie w ręce faszystowskiego, nacjonalistycznego reżimu. Pod wodzą generała Francisco Franco reżim głosił, że wszystkie elementy hiszpańskiej kultury powinny służyć szerzeniu i utrzymaniu władzy politycznej rządu. Franco postulował między innymi, aby cała sztuka była tworzona w stylu faszystowskiego realizmu. Zakazał także używania języka katalońskiego. Było to bolesne dla pokolenia młodych artystów, którzy dorastali, podziwiając hiszpańskich gigantów awangardy, takich jak Pablo Picasso, Joan Miró i Salvador Dali. Wśród młodych artystów szybko rozprzestrzenił się strach, że nowoczesna hiszpańska kultura jest skazana na zagładę. Jednak co najmniej sześciu rewolucjonistów kultury miało inne plany. Kataloński poeta Joan Brossa zorganizował wraz z Tàpiesem, Joanem Ponçem, Modestem Cuixartem, filozofem Arnau Puigiem oraz niezależnym wydawcą Joanem-Josepem Tharratsem w 1948 roku grupę, która miała na celu podważenie nacjonalistycznej agendy. Mieli nadzieję zasadzić ziarna nowej, antyfaszystowskiej kultury awangardowej. Na cześć swoich bohaterów, surrealistów i dadaistów, nazwali się Dau al Set — termin oznaczający nieistniejącą siódmą stronę sześciennej kostki do gry.

Antoni Tàpies - Chaises (Krzesła), 1981. Karborundum. Kompozycja: 92 x 139 cm; Arkusz: 93 x 139 cm. Wydawca: Galerie Lelong, Paryż. Drukarz: Joan Barbarà, Barcelona. Edycja 30. Kolekcja MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż.

Ponieważ słowa były katalońskie, nazwa Dau al Set była automatycznie kontrowersyjna, a jej quasi-mistyczne konotacje oznaczały przyjęcie przekonania, że elitarna logika zawsze prowadziła świat jedynie do wojny. Dau al Set szerzyło swoje idee i unikalny język wizualny za pomocą czasopisma o tej samej nazwie, wydawanego na osobistej drukarni Tharratsa. Artykuły były również pisane w zakazanym języku katalońskim, a obrazy ukazywały mieszankę mistycyzmu, fantazji i czystej abstrakcji — wszystko to w bezpośredniej opozycji do faszystowskich rządów Franco. Spośród trzech artystów w grupie Tàpies był najbardziej abstrakcyjny. Był samoukiem, jego obrazy inspirowała filozofia, a metody opierały się na czystej radości z mediów i materiałów. Eksperymentował, mieszając nietypowe dodatki z farbami olejnymi, a wkrótce zaczął dodawać znalezione materiały i przedmioty do swoich farb. Do 1952 roku był tak pochłonięty poszukiwaniem własnej drogi artystycznej, że opuścił Dau al Set. Od tego momentu Tàpies całkowicie poświęcił się informalnej abstrakcji i eksploracji technik mieszanych jako samodzielnej pozycji estetycznej.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 akwafort (w tym okładka) z karborundum, kollagrafią i/lub akwafortą oraz 1 akwaforta i karborundum; oraz dodatkowy zestaw. Nieregularna strona 52 x 41 cm. Druki: różne rozmiary. Wydawca: Maeght Éditeur, Paryż. Drukarz: Atelier Morsang, Paryż. Edycja 195+. Fundusz Mrs. Gilbert W. Chapman i dar Galerie Maeght. Kolekcja MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż.

Materia Obrazu

Oprócz bycia samoukiem artystą, Tàpies był także samoukiem teoretykiem sztuki. To właśnie w jego pismach znajdujemy wiele wglądów w istotę jego sztuki. Dwa z jego najbardziej wymownych cytatów to: „Jeśli nie mogę zmienić świata, przynajmniej chcę zmienić sposób, w jaki ludzie na niego patrzą” oraz „Głębia nie znajduje się w jakimś odległym, niedostępnym miejscu. Jest zakorzeniona w codziennym życiu.” Oba te stwierdzenia widzimy w dziełach takich jak „Wielki Obraz” (1958), kolaż z tektury w kolorze ziemi. Powierzchnia pracy wygląda na przypaloną, posiniaczoną i poplamioną. Wykonana jest z najprostszych materiałów, najprostszymi technikami, ręką artysty bez formalnego wykształcenia estetycznego. A jednak w kompozycji spotykamy doskonałą równowagę, harmonię barw oraz mnogość faktur i odcieni. Przechodzilibyśmy obok tych materiałów na ulicy, ale tutaj nasze oczy mogą zagubić się w egzotycznej mapie skarbów o nieskończonej głębi i mistycznych zarysach.

Antoni Tàpies - Saint Gall, 1962. Litografia. Dar Paula F. Waltera. Kolekcja MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż.

Tàpies rozszerzył swoje myślenie także na dziedzinę rzeźby. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł, „Biurko ze słomą” (1970), jest tak proste, jak wskazuje tytuł — to zestawienie prawdziwego drewnianego biurka pokrytego słomą. Połączenie materiałów wydaje się na pierwszy rzut oka bezsensowne, a jednak doskonałe piękno ich zestawienia nadaje dziełu aurę nieuchronności, czyniąc je całkowicie racjonalnym, nie jako mebel, lecz jako dzieło sztuki. Tymczasem „Otwarty Łóżko” (1986) przyjmuje przeciwne podejście. Pełnowymiarowe łóżko z gliny ogniotrwałej pokryte emalią, znaczenie formy stoi w bezpośredniej opozycji do materiałów. Jednak nie trwa długo, zanim widz zrozumie, że absurd spania na glinie znika, jeśli pomyślimy o ziemi jako naszym łóżku. Jak we wszystkich dziełach Tàpiesa, głębia tkwi tuż obok, w codzienności zwykłych myśli; wszystko zależy od tego, jak na to patrzysz.

Zdjęcie główne: Antoni Tàpies - Wielki Obraz, 1958. Olej z piaskiem na płótnie. 199,3 x 261,6 cm. Muzeum Solomon R. Guggenheim, Nowy Jork. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork/VEGAP, Madryt.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio