W podróży z Antonim Tàpiesem
Kiedy Antoni Tàpies zmarł w 2012 roku, pozostawił ogromną lukę w hiszpańskiej kulturze. Był bez wątpienia najbardziej wpływowym hiszpańskim artystą wizualnym swojego pokolenia, a w wielu aspektach trudno sobie wyobrazić hiszpańską awangardę po II wojnie światowej bez niego. W rzeczywistości można nawet bezpiecznie powiedzieć, że bez Tàpiesa sztuka XX wieku byłaby zupełnie inna na całym świecie. W krytycznym momencie w historii swojego kraju, Tàpies odszedł od swojego wygodnego burżuazyjnego przeznaczenia i poświęcił się zamiast tego kształtowaniu niepewnego życia jako artysta. Był jednym z sześciu założycieli Dau al Set, niezwykle wpływowej awangardowej grupy artystycznej, która działała w latach 1948-1956. Po odejściu z grupy w 1952 roku, Tàpies stworzył język wizualny, który łączył najbardziej radykalne elementy surrealizmu i dadaizmu z fundamentami formalnej abstrakcji oraz nowo pojawiającymi się globalnymi trendami w informalizmie. Z korzeni mistycyzmu i metafizyki uformował uniwersalną estetyczną filozofię opartą na docenieniu naturalnych materiałów oraz połączeniu z Ziemią i jej elementami. Jego prace kulminowały w tym, co stało się znane jako jego „Obrazy Materii” — dzieła sztuki uformowane z, składające się z i celebrujące codzienne materiały, którymi był otoczony. Zostawiając po sobie dużą kolekcję esejów i wykładów, z czasem był znany tak samo za swoje filozoficzne spojrzenie na sztukę, jak i za same swoje dzieła. Podsumował swoje podstawowe spojrzenie na sztukę i życie w stwierdzeniu: „Perfekcja nie może pochodzić jedynie z szlachetnych idei, ale powinna iść w parze z relacją z ziemią.”
Siódma strona
Kiedy hiszpańska wojna domowa zakończyła się w 1939 roku, kraj przeszedł w ręce faszystowskiego, narodowego reżimu. Kierowany przez generała Francisco Franco, reżim głosił, że wszystkie elementy kultury hiszpańskiej powinny być skierowane na szerzenie i utrzymywanie władzy politycznej rządu. Wśród innych programów, Franco opowiadał się za tym, aby wszelka sztuka była tworzona w stylu realizmu faszystowskiego. Zakazał również używania języka katalońskiego. Było to agonizujące dla pokolenia młodych artystów, którzy dorastali, idolizując hiszpańskich gigantów awangardy, takich jak Pablo Picasso, Joan Miró i Salvador Dali. Strach szybko rozprzestrzenił się wśród młodych artystów, że nowoczesna kultura hiszpańska jest skazana na zagładę. Ale przynajmniej sześciu rewolucjonistów kulturowych miało inne plany. Kataloński poeta Joan Brossa zorganizował się z Tàpiesem, Joanem Ponç, Modestem Cuixartem, filozofem Arnau Puigiem i niezależnym wydawcą o imieniu Joan-Josep Tharrats w 1948 roku, aby założyć grupę, która miała na celu podważenie narodowej agendy. Mieli nadzieję zasadzić ziarna nowej, kontr-faszystowskiej kultury awangardowej. Na cześć swoich bohaterów surrealistów i dadaistów, nazwali się Dau al Set—terminem na nieistniejącą siedmiościenną stronę sześciościennej kostki.
Antoni Tàpies - Krzesła (Chairs), 1981. Karborund. Kompozycja: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Arkusz: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Wydawca: Galerie Lelong, Paryż. Drukarnia: Joan Barbarà, Barcelona. Edycja 30. Kolekcja MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż.
Ponieważ słowa były w języku katalońskim, nazwa Dau al Set była automatycznie kontrowersyjna, a jej quasi-mistyczne konotacje sygnalizowały przyjęcie idei, że elitarna logika prowadziła świat tylko do wojny. Dau al Set szerzył swoje idee i unikalny język wizualny za pośrednictwem magazynu o tej samej nazwie, wydawanego na osobistej drukarce Tharratsa. Jego artykuły były również pisane w zakazanym języku katalońskim, a obrazy przedstawiały mieszankę mistycyzmu, fantazji i czystej abstrakcji — wszystko w bezpośredniej opozycji do faszystowskich rządów Franco. Z trzech artystów w grupie, Tàpies był najbardziej abstrakcyjny. Był samoukiem, jego obrazy inspirowane były filozofią, a jego metody opierały się na czystej radości z mediów i materiałów. Eksperymentował, mieszając nietypowe dodatki z farbami olejnymi, a wkrótce zaczął dodawać znalezione materiały i obiekty do swoich farb. Do 1952 roku był tak pochłonięty poszukiwaniem własnej ścieżki artystycznej, że opuścił Dau al Set. Od tego momentu Tàpies całkowicie poświęcił się nieformalnej abstrakcji i eksploracji mediów mieszanych jako estetycznej pozycji samodzielnej.
Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 akwatint (w tym okładka) z karborundum, kolagrafią i/lub akwatintą oraz 1 miedzioryt i karborundum; oraz zestaw uzupełniający. Niereg. strona 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Druki: różne wymiary. Wydawca: Maeght Éditeur, Paryż. Drukarnia: Atelier Morsang, Paryż. Edycja 195+. Fundusz pani Gilbert W. Chapman i dar Galerie Maeght. Kolekcja MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż.
Sprawa malarstwa
Oprócz bycia samoukiem artystą, Tàpies był samoukiem teoretykiem sztuki. To w jego pismach, w rzeczywistości, znajdujemy wiele wglądów w istotę jego sztuki. Dwa z jego najbardziej odkrywczych cytatów to: „Jeśli nie mogę zmienić świata, przynajmniej chcę zmienić sposób, w jaki ludzie na niego patrzą;” oraz „Głębokość nie znajduje się w jakimś odległym, niedostępnym miejscu. Jest zakorzeniona w codziennym życiu.” Oba te stwierdzenia widzimy w dziełach takich jak „Wielkie Malowanie” (1958), kolaż z tektury w kolorze ziemi. Powierzchnia dzieła wygląda na przypaloną, posiniaczoną i poplamioną. Zostało wykonane z najprostszych materiałów, przy użyciu najsurowszych technik, przez rękę artysty bez formalnego wykształcenia estetycznego. A jednak w kompozycji napotykamy doskonałą równowagę, chromatyczną harmonię oraz mnóstwo faktur i odcieni. Przechodząc obok tych materiałów na ulicy, moglibyśmy je zignorować, ale tutaj nasze oczy mogą zagubić się w egzotycznej mapie skarbów o nieskończonej głębi i mistycznym bazgrocie.
Antoni Tàpies- Saint Gall, 1962. Litografia. Dar Paula F. Waltera. Kolekcja MoMA. © 2019 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż.
Tàpies rozszerzył swoje myślenie na obszar rzeźby. Jednym z jego najsłynniejszych dzieł, „Biurko ze słomą” (1970), jest tak proste, jak wskazuje jego tytuł – to zestawienie rzeczywistego drewnianego biurka pokrytego słomą. Połączenie materiałów wydaje się na początku bezsensowne, a jednak doskonałe piękno ich zestawienia nadaje dziełu aurę nieuchronności, czyniąc je całkowicie racjonalnym, nie jako mebel, ale jako sztukę. Tymczasem „Otwarte łóżko” (1986) przyjmuje przeciwne podejście. Pełnowymiarowe łóżko z gliny ogniotrwałej pomalowanej farbą emaliową, znaczenie formy jest w bezpośredniej opozycji do materiałów. Jednak nie trwa długo, zanim widz zrozumie, że absurdalność spania na glinie znika, jeśli pomyślimy o ziemi jako naszym łóżku. Jak w przypadku wszystkich prac, które stworzył Tàpies, głębia jest tuż obok, w codzienności codziennych myśli; wszystko sprowadza się do tego, jak na to patrzysz.
Obraz wyróżniony: Antoni Tàpies - Wielki obraz, 1958. Olej z piaskiem na płótnie. 78 1/2 x 103 cale (199,3 x 261,6 cm). Muzeum Solomona R. Guggenheima, Nowy Jork. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Prawa Artystów (ARS), Nowy Jork/VEGAP, Madryt.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
