6 rzeźb inspirowanych naturą, które możesz zobaczyć tego lata

Nadchodząca wystawa w Londynie tego lata obiecuje widzom unikalną okazję do zbadania przecięcia figuracji i abstrakcji w rzeźbie współczesnej, poprzez zestaw rzeźb inspirowanych naturą. Tytuł wystawy to Renaturing Nature, a jej organizatorem jest Hignell Gallery. Wystawa odbędzie się w dwóch wyraźnie różnych przestrzeniach – wewnątrz Hignell Gallery na Shepherd Street w Mayfair oraz w bujnych okolicach ogrodu Saint James’s Square, oddalonego o półtora kilometra. Sześć rzeźb zostało wybranych ze względu na ich zdolność do wykorzystania zarówno wnętrza, jak i zewnętrza, chociaż niektóre z nich z pewnością mogłyby być umieszczone w obu środowiskach, wywołując zupełnie różne reakcje. Na przykład, para ogromnych muchówek autorstwa niemiecko-kanadyjskiej artystki Vanessy Paschakarnis zamieszka wewnątrz galerii, zmuszając widzów do poczucia, że są przerażająco uwięzieni w pomieszczeniu z czymś, co wyraźnie należy do dzikiej natury. Jednak gdyby te muchówki były na zewnątrz, zareagowalibyśmy na nie zupełnie inaczej. Ich obecność wewnątrz uprzedmiotawia je i potęguje nienaturalne aspekty ich obecności. Na zewnątrz byłyby konkretnymi obiektami; pomnikami natury. Wewnątrz stają się abstrakcjami; pomnikami fetyszyzacji natury. Każde z pozostałych dzieł, które będą prezentowane na tej wystawie, w rzeczywistości działa w oparciu o ten sam rodzaj konceptualnej dychotomii. Każde z nich wykorzystuje narracyjną obrazowość lub treść, która uspokaja nas w natychmiastowej reakcji, że po prostu patrzymy na jakieś proste, konkretne przedstawienie czegoś, co rozpoznajemy – rodzaj pomnika tego czy tamtego. Im dłużej kontemplujemy te dzieła, jednak, tym bardziej uświadamiamy sobie świat ukrytych informacji i niewidocznych znaczeń czających się tuż przed naszymi oczami.

Na widoku w kwadracie

Być może najbardziej zwodniczo figuralnym dziełem, które będzie wystawione na Saint James’s Square, będzie „Te Danzante” (2018) autorstwa portugalskiej artystki Joany Vasconcelos. Duża, kutą żelaza rzeźba wydaje się być niewiele więcej niż ozdobną repliką czajnika. Pokryte dzieła będą jednak roślinami jaśminu, które często są używane do dodawania aromatu zielonej herbacie. W tym szczególe, a także w nazwie, czają się sekrety. Hiszpańskie tłumaczenie tytułu to tańcząca herbata. Portugalskie tłumaczenie to coś bardziej jak ty tańczysz. Dzieło odnosi się do historii handlu herbatą, która jest związana z kolonialną historią Portugalii i Europy. Ta metalowa klatka nie zawiera natury, lecz ją manipuluje i upiększa, czerpiąc z niej zyski z jej zgodą lub bez.

Joana Vasconcelos - Te Danzante, 2018. Zdjęcie © Unidade Infinita Projectos

W pobliżu czai się kolejna zwodniczo narracyjna rzeźba brytyjskiej artystki Sophie Ryder, zatytułowana „Aussie Earl” (1996). Na pierwszy rzut oka, to dzieło wygląda jak pomnik królika. Stojąc komicznie na swoich szorstkich haunchach, bestia wpatruje się przed siebie swoimi ślepymi oczami i małą głową, bezmyślnie przeglądając swoje trawiaste terytorium. Jednak przy bliższym zbadaniu widzimy, że sama tkanka zająca składa się z kolażu mniejszych obiektów—części maszyn, zabawek i niezliczonych innych kawałków pamiątek odzwierciedlających współczesną kulturę. Gdy prawdziwa natura tego obiektu ujawnia się, nie możemy się powstrzymać od rozważania relacji między zwierzętami, naturą a nowoczesnym światem w znacznie ciemniejszy i bardziej abstrakcyjny sposób. Dla tych, którzy znają zwyczaje królików, pojawia się inna interpretacja, dotycząca pożądania i reprodukcji—symboliczne odniesienie do związku, jaki te emocje mają z rozprzestrzenieniem się ludzi i ich wytworzonego świata.

Sophie Ryder - Aussie Earl, 1996.

Również na zewnątrz, na Placu, będzie można zobaczyć „Capricorno 1 i 2” (2017), kolejne dzieło Vanessy Paschakarnis. Składające się z dwóch odciętych czaszek rogatego kozła, to dzieło wykorzystuje skalę i materiał, aby zakwestionować nasze zrozumienie związku między naturą ludzką a zwierzęcą. Nasze przyjęcie tego bestii—Koziorożca—jako mistycznej, niebiańskiej istoty jest kwestionowane przez jego oczywistą śmiertelność. Co tak naprawdę monumentalizuje ta forma? Czy wywołuje śmierć, czy też wywołuje uwielbienie natury dla ludzkich celów? W formalnym, abstrakcyjnym sensie, jest tu wiele do podziwiania pod względem linii, kształtu, koloru i formy. Ale czy tylko bardziej uprzedmiotawiamy naturę, myśląc w tych kategoriach?

Vanessa Paschakarnis - Capricorno 1 i 2, 2017. Zdjęcie © James Brittain

Na wystawie w galerii

Jak już wspomniano, dwa masywne cranflies autorstwa Paschakarnis będą wystawione wewnątrz murów Hignell Gallery. Obok nich, dwie inne rzeźby w każdej ze swoich form przyczynią się do niesamowitej atmosfery wnętrza. Najbardziej przejmująca, być może, będzie płynna, biomorficzna masa zatytułowana „Slick” (2010), autorstwa brytyjskiej rzeźbiarki Kate MccGwire. Wykonana z iryzujących piór skrzydeł sroki, oozująca forma wydaje się wypływać z samej architektury. Części ciał martwych stworzeń połączyły się, tworząc nową, pozornie żywą siłę, uwięzioną gdzieś pomiędzy krainą żywych a krainą umarłych. To dzieło wprowadza świat naturalny do wnętrza, ale czyni to w najbardziej niepokojący sposób. Estetycznie, jest to abstrakcyjny cud do oglądania. Kiedy jednak treść się ujawnia, pojawiają się również poziomy dyskomfortu w zmieniający się, niepokojący sposób.

Peter Randall-Page RA - Rain Cloud Screen I & II, 2015. Zdjęcie © Aislinn McNamara

Również w galerii będzie można zobaczyć instalację zatytułowaną „Rain Cloud Screen I & II” (2015) autorstwa brytyjskiego rzeźbiarza Petera Randall-Page'a RA, artysty, którego prace inspirowane są geometrią natury. Przypominająca ekran w przymierzalni, praca składa się z czterech połączonych dużych rysunków. Gdy są podziwiane z bliska, każdy rysunek jest abstrakcją—zbiorem ciemnych linii na jasnym tle. Gdy są połączone i oglądane z daleka, pozytywne i negatywne przestrzenie współpracują w tworzeniu formy chmury. Efekt jest subtelny i kapryśny, oferując przemyślaną refleksję na temat wrodzonej abstrakcji kryjącej się w naszej interakcji z naturalnym światem oraz wrodzonych historii ukrytych w naszych subiektywnych reakcjach na nawet najbardziej abstrakcyjne ludzkie kreacje. Renaturing Nature będzie można oglądać od 21 czerwca do 21 lipca 2019 roku w Hignell Gallery oraz w ogrodzie na St James’s Square w Londynie.

Obraz wyróżniający: Kate MccGwire-Slick, 2010. Zdjęcie © Tessa Angus
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio