Sadamasa Motonaga, Między sztuką wysoką a niską

Wystawa abstrakcyjnych obrazów z okresu dojrzałego twórczości Sadamasy Motonagi jest obecnie prezentowana w McCaffrey Fine Art w Nowym Jorku. Motonaga był jednym z pierwszych członków Grupy Gutai, eksperymentalnego kolektywu artystycznego, który powstał w Osace w Japonii w 1954 roku. Założyciel Gutai, Yoshihara Jiro, napisał w swoim manifeście Gutai z 1956 roku: „Postanowiliśmy z entuzjazmem dążyć do możliwości czystej kreatywności.” Istotą ducha Gutai było polecenie Yoshihary, by robić to, czego wcześniej nie robiono — echo powojennego wezwania modernistów do „tworzenia nowego!” Motonaga szybko ugruntował swoją pozycję jako kluczowy członek Gutai, prezentując to, co Yoshihara nazwał pierwszą w historii rzeźbą wodną, którą Motonaga pokazał w 1955 roku na „Eksperymentalnej plenerowej wystawie sztuki nowoczesnej przeciwko letniemu słońcu”, debiutanckiej wystawie Gutai, która odbyła się w Ashiya w Japonii. Rzeźba składała się z przezroczystych plastikowych rur zawieszonych między drzewami. W każdej rurze Motonaga wstrzyknął kolorowy płyn, który gromadził się w środku. Światło dzienne aktywowało kolorowy płyn, nadając mu ulotny blask. Praca tymczasowo nadawała formę siłom natury. Przez całą swoją długą karierę Motonaga nieustannie eksperymentował z nowymi mediami i technikami, ale teoretyczna istota pierwszej rzeźby Gutai wpływała na niego na każdym etapie. Pozostał pod wpływem zmieniających się, organicznych form natury, zmiennych, świetlistych kolorów wody i światła oraz niewidzialnych sił, które wpływają na wszystko, co widzimy, słyszymy, smakujemy i dotykamy. Wystawa w McCaffrey Fine Art skupia się na konkretnym okresie, gdy artysta na krótko przeprowadził się z żoną do Nowego Jorku pod koniec lat 60. Ta przeprowadzka pozwoliła Motonadze poznać nowe techniki, takie jak aerograf, i zmotywowała go do rozwoju swojej twórczości poza korzeniami Gutai.

Polityka twórczego zniszczenia

Grupa Gutai wyłoniła się z kultury zamętu. Cesarstwo Japonii poniosło straszliwą klęskę w II wojnie światowej — było jedynym krajem na świecie, który doświadczył terroru zniszczenia atomowego na własne oczy. Pewne grupy społeczne, zwłaszcza awangardowi artyści, uznały, że dawne sposoby i metody nie są już odpowiednie dla japońskiego społeczeństwa. Jeśli logika historii doprowadziła ich na skraj całkowitej zagłady, to taka logika musi zostać twórczo zniszczona. To właśnie skłoniło Yoshiharę do żądania nowości. Nie wiedział dokładnie, co jest potrzebne, by przekształcić japońską sztukę i wprowadzić ją w nowoczesność, wiedział tylko, że musi to być produkt nie przeszłości, lecz wyobraźni. Jedną z istotnych cech sztuki Gutai jest konfrontacja z walką między człowiekiem a światem przyrody. Motonaga poetycko ujął tę walkę w swojej rzeźbie wodnej. Naturalny element — woda — jest uchwycony i zamknięty, zmieniony sztucznym kolorem: triumf człowieka nad naturą. Jednak siły grawitacji, światła słonecznego i wiatru nieustannie wyrażają swój opór, zmieniając dzieło, przesuwając rozproszenie wody oraz blask koloru i światła.

Sadamasa Motonaga Change/Continuity: Nowy Jork 1966-67, widok instalacji w McCaffrey Fine Art, Nowy Jork, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości McCaffrey Fine Art, Nowy Jork

W swoich najwcześniejszych obrazach Motonaga kontynuował tę rozmowę między wolą człowieka a siłami natury. Wylewał duże ilości farby olejnej na powierzchnie, pozwalając jej się zbierać, a następnie przesuwał powierzchnię, mieszając media aż do powstania fantastycznych kompozycji. Do farby dodawał żwir i inne substancje, zmieniając fakturę dzieła i dając medium coś, z czym mogło się mierzyć. Zawsze w grze była równowaga między siłami natury, przypadkami, chaosem a kontrolą sprawowaną przez wybory i działania artysty. Walka między artystą a naturą była wyraźnie widoczna w formach, które powstawały na obrazach. Motonaga zmagał się z mediami, manipulując nimi najlepiej, jak potrafił, aż zlewały się w jakąś ostateczną formę. Jak sierocie elementy figuratywne unoszące się bez kontekstu w wirującej, abstrakcyjnej pustce, formy te przywołują samego Motonagę, człowieka próbującego znaleźć swoje miejsce w zmieniającej się kulturze.

Sadamasa Motonaga Change/Continuity: Nowy Jork 1966-67, widok instalacji w McCaffrey Fine Art, Nowy Jork, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości McCaffrey Fine Art, Nowy Jork

Zmiana serca

Kiedy Motonaga przeprowadził się do Nowego Jorku, przeszedł dwie głębokie przemiany. Po pierwsze, odkrył aerografię. Ta technika pozwoliła mu radykalnie zmienić powierzchnie z szorstkich, ziarnistych, fakturowanych płaszczyzn na cienkie, lekkie, eteryczne powierzchnie, które współczesny japoński artysta Takashi Murakami później nazwał „superpłaskimi”. W swoich kompozycjach Superflat Motonaga nawiązał zupełnie inną relację z kontrolą. Już nie tworzył obrazów podkreślających walkę między artystą a fizyczną naturą. Nowa walka w jego twórczości toczyła się między artystą a naturą wyobraźni. Jego wybory były teraz uważniej analizowane. Drugą głęboką zmianą w jego życiu było to, że podczas pobytu w Nowym Jorku jego żona urodziła ich pierwsze dziecko. Motonaga nagle został zalany wizualnym światem książek, zabawek i innych produktów przeznaczonych dla dzieci. Kaprys i optymizm tego języka wizualnego kierowały jego wyborami w obrazach, przynosząc serię dzieł pełnych radosnych, biomorficznych abstrakcyjnych form, które przypominają części ciała ludzkiego, warzywa, samoloty i okręty podwodne.

Sadamasa Motonaga Change/Continuity: Nowy Jork 1966-67, widok instalacji w McCaffrey Fine Art, Nowy Jork, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości McCaffrey Fine Art, Nowy Jork

Chociaż ta wielka zmiana w jego twórczości zaniepokoiła wielu zwolenników, którzy wcześniej zbierali jego obrazy, Motonaga pozostał wierny najważniejszemu punktowi swoich korzeni Gutai: ostatecznej autonomii artysty, by tworzyć dowolne dzieła, nie będąc związanym z dawnymi metodami. Dziedzictwo jego przełomowego czasu w Nowym Jorku wpłynęło na pokolenia japońskich artystów, którzy kontynuują jego estetyczną wizję nie tylko w świecie sztuki wysokiej, ale także w tzw. niskiej sztuce mangi i anime. Most między tymi dwoma światami, który stworzył Motonaga, jest szczególnie silny dzięki intensywnym emocjom, które jego obrazy często wyrażają. Nie tylko pełne są kaprysu i radości, ale często także wywołują samotność, izolację i strach. Są dowodem na to, że choć Motonaga rozwinął się daleko poza korzenie Gutai z wczesnej kariery, niepokój definiujący to pokolenie nigdy nie był naprawdę daleko. „Sadamasa Motonaga Change/Continuity: Nowy Jork 1966-67” jest prezentowana do 21 grudnia 2018 roku w McCaffrey Fine Art w Nowym Jorku.

Zdjęcie główne: Sadamasa Motonaga Change/Continuity: Nowy Jork 1966-67, widok instalacji w McCaffrey Fine Art, Nowy Jork, 2018. Zdjęcie dzięki uprzejmości McCaffrey Fine Art, Nowy Jork
Autor: Phillip Barcio