Dewizjonizm i jego wpływ na kolor w sztuce

Dywizjonizm był jednym z najbardziej wpływowych rozwoju estetyki XIX wieku. Wyłonił się z okresu postimpresjonizmu i jest zasadniczo metodą malowania obrazu, w której kolory nie są mieszane wcześniej, lecz umieszczane obok siebie na powierzchni, aby później mieszały się „w oku”. Pomysł ten został po raz pierwszy opracowany przez Georges'a Seurata w 1884 roku, tego samego artystę, który dwa lata później opracował pozycję estetyczną nazwaną punktualizmem. Większość ludzi jest bardziej zaznajomiona z punktualizmem, ponieważ jego nazwa wyraźnie odnosi się do stylu — obrazy składające się z nieskończonej liczby małych kółek lub punktów. Punktualizm i dywizjonizm są do siebie podobne. Główna różnica polega na tym, że punktualizm nie opiera się koniecznie na mieszaniu kolorów w oku — jest to po prostu technika, w której obraz składa się z kropek zamiast płynnych pociągnięć pędzla. W obrazie punktualistycznym obraz staje się bardziej czytelny dla oczu, gdy widz oddala się od niego, a kropki się zlewają. Ta sama zasada ma zastosowanie w obrazie dywizjonistycznym, z tą różnicą, że nie tylko formy i figury zlewają się, gdy widz oddala się, ale także kolory. Dywizjonizm kwestionował naturę tego, czym jest kolor, i zadawał pytanie, czy naprawdę istnieje jako coś konkretnego, czy jest jedynie wytworem naszej percepcji i wyobraźni. Ruch ten miał głęboki wpływ na rozwój abstrakcji w Europie pod koniec XIX i na początku XX wieku, z wielu powodów. Po pierwsze, wyraźnie priorytetował elementy plastyczne, takie jak kolor, nad treścią. Po drugie, postawił pytanie o subiektywność w sztuce. Widzowie „kończą” obrazy dywizjonistyczne w swoich umysłach, co stało się podstawą idei nadania widzom autonomii w interpretacji dzieł sztuki — zwłaszcza dzieł sztuki abstrakcyjnej — w dowolny sposób, jaki im się podoba. Wreszcie, Seurat zainicjował podejście do sztuki, które obejmowało otwarte badania naukowe. Jego zainteresowanie nauką o kolorze i percepcji zainspirowało pokolenia artystów koncepcyjnych i abstrakcyjnych i nadal wywiera silny wpływ do dziś.

Przypadkowe Wrażenia

Chociaż Seurat jest uznawany za założyciela dywizjonizmu, nie był w rzeczywistości pierwszym malarzem, który zastosował technikę dywizjonistyczną. Wcześniejsi malarze impresjonistyczni, tacy jak Camille Pissarro i Claude Monet, odkryli dziesięciolecia wcześniej, że mogą osiągnąć większą luminescencję w swoich obrazach, stosując małe, precyzyjne pociągnięcia pędzla oraz umieszczając obok siebie pewne kolory komplementarne. To, co robili impresjoniści, było jednak bardziej kwestią intuicji. Seurat zdobył swoją reputację, analizując to, co zrobili impresjoniści, w sposób naukowy. W poszukiwaniu unikalnego sposobu malowania, który mógłby być uważany za całkowicie jego własny, sięgnął także dalej, aby studiować prace romantycznego malarza Eugène'a Delacroix, który był znany z błyskotliwych i żywych kolorów swoich płócien. Czytał również różne książki na temat teorii koloru z przeszłości, w szczególności "Gramatykę malarstwa i grawiury" (1867) autorstwa Charlesa Blanca oraz "Zasady harmonii i kontrastu kolorów" (1839) autorstwa Michela-Eugène'a Chevreula.

Dzięki swoim badaniom Seurat odkrył, że niektóre kolory reagują silniej, gdy są umieszczone obok siebie, niż inne. Doskonaląc impresjonistyczną technikę małych pociągnięć pędzla do jej najdokładniejszej realizacji oraz mobilizując najbardziej aktywne możliwe kombinacje kolorów, osiągnął coś, co nazwał chromoluminoznością — idealne, świetliste połączenie koloru i światła. Być może najsłynniejszym obrazem, który powstał w wyniku jego wczesnych badań nad chromoluminoznością, jest „Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte” (1884-86). Arcydzieło to jest fantastycznym dowodem na zdolność technik dywizjonistycznych do łączenia nie tylko koloru w oku, ale także innych formalnych elementów, takich jak ton, forma i linia. Najbardziej radykalnie, Seurat osiągnął poczucie ruchu w tym obrazie. Ułożenie małych kolorowych kropek sprawia, że woda wydaje się błyszczeć i świecić, a fale wydają się drgać. Liście na drzewach wydają się szumieć. Najdziwniejsze jest to, że kobieta w prawym dolnym rogu wydaje się unosić nad ziemią i delikatnie przesuwać do przodu.

Georges Seurat - Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte, 1884–1886. Olej na płótnie. 207,6 cm × 308 cm (81,7 in × 121,25 in). Instytut Sztuki w Chicago

Inspiracja na przyszłość

Seurat został natychmiast doceniony za swoje osiągnięcia intelektualne i estetyczne, ale nie mógł długo cieszyć się swoim sukcesem. Zmarł w wieku 31 lat, zaledwie pięć lat po ukończeniu „Niedzielnego popołudnia na wyspie La Grande Jatte”. Jego dziedzictwo jednak znacznie przewyższało krótkość jego kariery. Jego zdolność do pozornego przekazywania ruchu w jego obrazach okazała się głęboką inspiracją dla włoskich Futurystów. Kiedy w 1909 roku opublikowano Manifest Futurystyczny, chwalono w nim szybkość i przemysł jako idealne przejawy pięknego, nowego, nowoczesnego, przemysłowego świata. Futryści zapożyczyli pomysły Seurata, aby stworzyć swój własny charakterystyczny styl. Zamiast tylko umieszczać kolory lub punkty obok siebie, aby mogły być mieszane w oku, Futryści rozszerzyli ten koncept i zastosowali go do linii, kształtów i form. Malując wiele obrazów tych samych form obok siebie w swoich kompozycjach, sugerowali ruch maszyn, ludzi i zwierząt.

Ta sama idea wpłynęła również na Kubistów. Artyści tacy jak Picasso i Braque zastosowali myślenie dywizjonistyczne do płaszczyzn, umieszczając obok siebie wiele jednoczesnych punktów widzenia, aby stworzyć wizję czterowymiarowej rzeczywistości, w której sugerowany jest upływ czasu i ruch. Później, malarze Orficznego Kubizmu tacy jak Sonia Delaunay przywrócili ewolucję dywizjonizmu, badając sposoby, w jakie niektóre kolory wydają się wibrować, gdy są umieszczone obok siebie, nawet gdy są używane w całkowicie abstrakcyjnej kompozycji. To być może największe dziedzictwo ruchów postimpresjonistycznych, takich jak dywizjonizm, jeśli chodzi o sztukę abstrakcyjną: dzięki pracy Seurata, artyści tacy jak Delaunay, a później Piet Mondrian, Josef Albers i niezliczeni inni mogli całkowicie uwolnić się od wymagań dotyczących treści i tematyki, a także mieli swobodę eksploracji czysto plastycznych właściwości sztuk wizualnych.

Obraz wyróżniony: Georges Seurat - Grandcamp, Wieczór. 1885, malowana ramka ok. 1888-89. Olej na płótnie. 26 x 32 1/2 cala (66,2 x 82,4 cm). Kolekcja MoMA
Autor: Phillip Barcio