Met bada głębokie dziedzictwo ekspresjonizmu abstrakcyjnego

Met Fifth Avenue w Nowym Jorku otworzył w tym tygodniu wystawę Epicka Abstrakcja: Pollock do Herrery. Prezentując ponad 50 ważnych dzieł niektórych z najbardziej fascynujących artystów abstrakcyjnych minionego stulecia, wystawa zasługuje na swoją nazwę, ponieważ bada wpływ monumentalnej skali. Monumentalność bywa wyrażana przez ogromne dzieła — takie jak dominująca w galerii rzeźba Louise Nevelson „Pałac Pani N” (1964–77) — czasem przez wielkie idee — na przykład stosowanie automatycznego rysunku do tworzenia obrazów, które przekazują tajemnice nieświadomego umysłu — a czasem przez techniczną metodę, jak w przypadku niezwykle złożonych kompozycji Thorntona Diala. Tymczasem podtytuł wystawy, Pollock do Herrery, odnosi się do dwóch ogólnych idei. Pierwsza to teoria, że prace Jacksona Pollocka z lat 40. XX wieku, dekady, od której zaczyna się kuracja, oznaczały przełom w świecie sztuki abstrakcyjnej: moment, w którym większe naprawdę zaczęto uważać za lepsze. Po drugie, że dzieła stosunkowo niedocenianych artystów, takich jak Carmen Herrera — kubańsko-amerykańska artystka minimalizmu, która w wieku 101 lat otrzymała swoją pierwszą retrospektywę w Whitney Museum of American Art w 2016 roku — są równie ważne jak dzieła znanych gwiazd. Rzeczywiście, na wystawie można zobaczyć prace wielu mniej znanych artystów, takich jak wspomniany już twórca kompozycji z przedmiotów znalezionych Thornton Dial; słynny członek grupy Gutai Kazuo Shiraga, który stworzył przełomowy (dosłownie) performance „Wyzwanie błota” (1955); oraz innowacyjna węgierska malarka abstrakcyjna Ilona Keserü. Kuracja sięga także do czasów współczesnych, prezentując prace młodszych artystów abstrakcyjnych, takich jak Chakaia Booker i Mark Bradford. Innym podstawowym założeniem kuratorów, które przedstawiają w opisie wystawy, jest to, że egzystencjalny niepokój był siłą napędową, która zainspirowała artystów abstrakcyjnych do tworzenia epickich dzieł 70 lat temu. Wystawa może więc skłonić do pytania: czy epicka abstrakcja coś zrobiła, by złagodzić nasz niepokój? A może po prostu pomogła nam zaakceptować egzystencjalny lęk jako podstawę naszej ludzkiej kondycji?

Miejsce w historii

Lista słynnych artystów uwzględnionych w Epickiej Abstrakcji z pewnością rozbudzi entuzjazm każdego miłośnika historii sztuki: oprócz wymienionych gigantów, znajdują się tu dzieła Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly’ego, Barnetta Newmana, Franza Kline’a, Willema de Kooninga, Clyfforda Stilla, Marka Rothko, Heddy Sterne, Joan Mitchell, Ellswortha Kelly’ego, Roberta Mangolda i Morrisa Louisa. Jest też wiele przykładów prac artystów, którzy będą nowością dla większości zwiedzających, takich jak japoński abstrakcjonista kaligraficzny Inoue Yūichi, filipiński artysta abstrakcyjny Alfonso Ossorio, rzeźbiarka minimalistyczna Anne Truitt oraz argentyński geniusz kolorystyczny Alejandro Puente. Jednak poza ogromem tego historycznego naporu, to, co uważam za najbardziej epickie w tej kuracji, to fakt, że dwie prace w szczególności podważają samą narrację ukrytą w podtytule wystawy. Wymieniając Pollocka i Herrera i stawiając ich na osobnym miejscu wśród innych artystów, wydaje mi się, że kuratorzy sugerują, iż Ekspresjonizm abstrakcyjny i Minimalizm to najważniejsze ruchy brane pod uwagę, a malarstwo jest głównym tematem wystawy. Jednak prace, metody i osiągnięcia Pollocka i Herrery, choć wspaniałe, nie są nawet bliskie bycia najbardziej epickimi na tej wystawie.

To zaszczyt, moim zdaniem, należy się Louise Nevelson i Thorntonowi Dialowi. Rzeźba Nevelson prezentowana na wystawie sprawi, że widzowie, którzy nigdy wcześniej nie zetknęli się z jej twórczością, zapytają, dlaczego ktokolwiek mówi o Pollocku, skoro Nevelson była jego współczesną. Jej prace są bardziej technicznie wymagające, bardziej intrygujące koncepcyjnie i bardziej związane z duchem Nowego Jorku, gdzie oboje pracowali. Pollock, w praktyce, wytyczył trochę nowej drogi, zapożyczając i doskonaląc pomysły i metody innych artystów. Potem, po zdobyciu sławy dzięki kolejnemu logicznemu krokowi, ponieważ był kolegą wpływowego krytyka, Pollock zniszczył samego siebie. Jego obrazy są hipnotyzujące, ale Nevelson dokonała znacznie więcej niż Pollock, była bardziej oryginalna i pracowała znacznie dłużej, pozostawiając po sobie znacznie bardziej intrygujące i skłaniające do refleksji dziedzictwo sztuki i idei.

Długo brakujący głos

A potem jest Thornton Dial. Jego „Cienie pola” (2008) są, moim zdaniem i moim umysłem, najbardziej poruszającymi dziełami na wystawie. Ich epicki charakter zawarty jest w materiałach, konstrukcji, kolorach i ukrytych światach — zarówno fizycznych, jak i metafizycznych — które kryją się w ich formie. Złożone z znalezionych i wyrzuconych odpadów, dzieło ma na celu przywołanie dziedzictwa dzierżawy gruntów, niesprawiedliwego i często brutalnego systemu rolniczego, w którym Dial urodził się w 1928 roku. Ogromna kompozycja z sznurka, syntetycznej waty bawełnianej, juty, blachy, szmat i metalu ma fizyczną obecność wyczerpania. Uosabia połączenie twardości i wrażliwości. Stworzona, gdy artysta miał 80 lat, ukazuje także jego samouctwo. Podczas gdy Pollock bogacił się i pił na śmierć, Dial żył w biedzie, pracując do granic wytrzymałości, by przetrwać w rasistowskim systemie społecznym, który wykluczał większość czarnoskórych Amerykanów z muzeów, nie tylko jako artystów, ale nawet jako płacących zwiedzających.

Być może w miarę upływu czasu tej wystawy pojawią się inne definicje tego, co jest epickie, a do walki dołączą jeszcze potężniejsze i bardziej intrygujące dzieła — daty wystawy są bowiem otwarte, a prezentowane prace, pochodzące z kolekcji stałej The Met, będą okresowo wymieniane. Ale na razie „Cienie pola”, jedno z dziesięciu dzieł Diala, które Met niedawno nabyło, składa najbardziej epickie oświadczenie. Mówi ono, że nieuczony czarnoskóry dzierżawca z południa stworzył jedne z najsilniejszych i najważniejszych dzieł abstrakcyjnych ostatnich 70 lat, przewyższając prace artystów, którzy mieli znacznie więcej przywilejów i możliwości niż on. Sygnalizuje też, że choć niepokój może być rzeczywiście nieuniknioną częścią naszej ludzkiej kondycji, sztuka, która z niego wypływa, może być, i często jest, zbawiennym ratunkiem.

Zdjęcie główne: Louise Nevelson - Pałac Pani N, 1964–77. Malowane drewno, lustro, 355,6 x 607,1 x 457,2 cm. The Metropolitan Museum of Art, dar artystki, 1985 © 2018 Fundacja Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork
Autor: Phillip Barcio