Spontaniczny, Ekstatyczny i Wolny: Wprowadzenie do Abstrakcji Lirycznej

Zanim omówimy, czym jest Lyrical Abstraction i co oznacza dla miłośników sztuki oraz kolekcjonerów, powinniśmy oddać należny szacunek najbardziej drobiazgowym spośród nas, stwierdzając, że pochodzenie tego terminu jest tematem czasem zażartej dyskusji. Wielu w świecie sztuki twierdzi, że termin ten powstał we Francji w latach 40. XX wieku, gdy używano określenia abstraction lyrique do opisania różnych zmysłowych i abstrakcyjnych powojennych europejskich nurtów artystycznych. Inni utrzymują, że został ukuty w 1969 roku przez Larry’ego Aldricha, wpływowego amerykańskiego kolekcjonera sztuki, który użył tego terminu do opisania dzieł tworzonych przez amerykańskich artystów pod koniec lat 60. Dla naszych celów po prostu stwierdźmy, że obie strony tej debaty mają rację. Francuzi rzeczywiście ukuli termin abstraction lyrique. A Larry Aldrich opisał dzieła, które kupował i wystawiał w 1969 roku, jako Lyrical Abstraction.

Istota sporu

Z punktu widzenia widza spór o to, kto ukuł termin, jest niemal nieistotny. Wynika to z faktu, że podstawowe doświadczenie odbiorców, gdy spotykają się z dziełami opisanymi którymkolwiek z tych dwóch terminów, jest zasadniczo takie samo. Europejscy twórcy abstraction lyrique tworzyli dzieła, które nie poddawały się ograniczeniom. Były intuicyjne i wolne. Ich znaki wydawały się spontaniczne i romantyczne. Prace były błogo wolne od intelektualnej żmudności. Amerykańscy Lyrical Abstractioniści z końca lat 60. osiągnęli dokładnie ten sam efekt. Ich dzieła są zmysłowe, intuicyjne i wolne. Ich wybory kolorów i metody mają spontaniczną, naturalną wrażliwość. Atmosfera dzieł jest uspokajająca, kapryśna, emocjonalna i niepowściągliwa.

Zarówno europejscy, jak i amerykańscy Lyrical Abstractioniści z przeszłości, jak i współcześni artyści, którzy kontynuują rozwijanie tej formy, są znani z dzieł malarskich i dojrzałych. Lyrical Abstraction, zarówno dawniej, jak i dziś, emanuje wyrafinowanym poczuciem mistrzostwa. Wolność, intuicja i kojący charakter dzieł nie wynikają z dziecinności, lecz z oświeconego wysiłku, by być nieograniczonym.

Greet Helsen - Sonnentaler, 2017. Akryl na płótnie. 65 x 65 cm.

Założyciele

Georges Mathieu uważany jest za jedną z kluczowych postaci europejskiego abstraction lyrique. Jego prace wywoływały poczucie nieograniczonej wolności i dzikiego ruchu po płótnie. Był zapalonym teoretykiem i szeroko publikował swoje idee na temat tego, czym powinna być Lyrical Abstraction. Sformułował następujące cztery idee dotyczące tego stylu:

*Powinna być szybka: Artysta powinien pracować szybko, aby gesty i znaki nie były zakłócane przez świadomy umysł artysty.
*Kształty powinny być nierozpoznawalne: Artysta nie może polegać na żadnych istniejących formach ani się do nich odnosić.
*Powinna być spontaniczna: Praca nie powinna być intelektualizowana ani planowana. Powinna być spontaniczna i nieświadoma.
*Powinna być ekstaza: Artysta powinien dążyć do poczucia uwolnienia od samokontroli.

Dan Christensen jest jednym z założycieli amerykańskiej szkoły Lyrical Abstraction. Prace, z których jest najbardziej znany, wykorzystywały pistolety natryskowe do tworzenia złożonych, żywych i spontanicznych liniowych wzorów na płótnach. Zabawny, nieregularny i żywy charakter dzieł Christensena silnie przywodził na myśl abstrakcyjny ekspresjonizm, podczas gdy uspokajające tła zachęcały do porównań z ruchem pola koloru.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Czarnobiała fotografia. 50,8 x 50,8 cm.

Nowoczesne procesy w działaniu

Współcześni malarze eksplorujący Lyrical Abstraction wprowadzają do dyskusji stymulujące środki i metody. Malarz Greet Helsen pracuje z rozcieńczonymi akrylami, które osiągają spokojne poczucie stonowanej przezroczystości na płótnie, które wykorzystuje do nakładania warstw ewoluujących kompozycji kształtów i kolorów. Helsen jest artystką urodzoną w Belgii, pracującą w Szwajcarii. Jej prace są jednocześnie stonowane i żywe. Tworzą naturalny współczesny most między przeszłością a teraźniejszością, a także łączą europejskie i amerykańskie wyrazy tego stylu.

Tenesh Webber, Kanadyjka obecnie pracująca w USA, tworzy oszałamiająco współczesne dzieła, które łączą korzenie Lyrical Abstraction z głębokim poczuciem obecnej ery cyfrowej. W pewnym sensie jest fotografką, ale jej technika łączy wiele dyscyplin i środków wyrazu. Zaczyna od intuicyjnego szkicu, który następnie rozwija, nanosząc znaki na pleksi za pomocą markerów i nici. Po wykonaniu wielu takich "płyt" nakłada arkusze pleksi i używa ich do stworzenia finalnego produktu, "fotografii bez aparatu". Powstałe obrazy zawierają wiele kapryśności i eksperymentów Lyrical Abstraction, dodając jednocześnie wyraźnie współczesny sznyt.

W dużej mierze samouczka amerykańska artystka Ellen Priest być może najpełniej reprezentuje współczesną Lyrical Abstraction w działaniu. Jej jazzowe inspiracje zawierają dzikość, pasję, zmysłowość i nowość kształtów tak cenionych przez europejskich twórców tego stylu. Jej jaskrawo kolorowe płótna stanowią doskonałą aktualizację stylu. Zawierają coś pierwotnego, a jednocześnie dają wskazówkę co do potencjalnej przyszłości Lyrical Abstraction.

Zdjęcie główne: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papier, olej, flashe, ołówek, żel MSA. 81,3 x 119,4 cm.