Spontaniczny, Ekstatyczny i Wolny: Wprowadzenie do Abstrakcji Lirycznej

Zanim omówimy, czym jest Lyrical Abstraction i co oznacza dla miłośników sztuki i kolekcjonerów, powinniśmy oddać należny szacunek najbardziej wybrednym z nas, stwierdzając, że pochodzenie tego terminu jest tematem czasami zażartej debaty. Wiele osób w świecie sztuki twierdzi, że termin powstał we Francji w latach 40. XX wieku, kiedy to abstraction lyrique używano do opisywania różnych zmysłowych i abstrakcyjnych powojennych europejskich ruchów artystycznych. Inni twierdzą, że został on ukuty w 1969 roku przez Larry'ego Aldricha, wpływowego amerykańskiego kolekcjonera sztuki, który użył tego terminu do opisania prac tworzonych przez amerykańskich artystów pod koniec lat 60. XX wieku. Dla naszych celów, stwierdźmy po prostu, że obie strony tej debaty mają rację. Francuzi rzeczywiście ukuli termin abstraction lyrique. A Larry Aldrich rzeczywiście opisał prace, które kupował i wystawiał w 1969 roku, jako Lyrical Abstraction.

Substancja za debatą

Z punktu widzenia widza debata na temat tego, kto ukuł ten termin, graniczy z nieistotnością. To dlatego, że podstawowe doświadczenie, jakie widzowie otrzymują, gdy stykają się z dziełem opisanym przez którykolwiek z tych dwóch terminów, jest zasadniczo takie samo. Europejscy praktycy abstraction lyrique tworzyli dzieła, które nie poddawały się ograniczeniom. Były intuicyjne i wolne. Ich znaki wydawały się spontaniczne i romantyczne. Dzieło było błogo wolne od intelektualnego trudu. Amerykańscy Lyrical Abstractionists z końca lat 60. osiągnęli dokładnie ten sam efekt. Ich prace są zmysłowe, intuicyjne i wolne. Ich wybory kolorów i metody mają spontaniczną, naturalną wrażliwość. Atmosfera dzieła jest uspokajająca, kapryśna, emocjonalna i nieograniczona.

Zarówno europejscy, jak i amerykańscy abstrakcjoniści liryczni z przeszłości, jak i współcześni artyści, którzy nadal rozwijają tę formę, znani są z dzieł, które są malarskie i dojrzałe. Abstrakcja liryczna, zarówno w przeszłości, jak i obecnie, emanuje wyrafinowanym poczuciem mistrzostwa. Wolność, intuicja i kojący charakter tych prac nie pochodzą z dziecięcości, lecz z oświeconego wysiłku, aby być nieograniczonym.

Greet Helsen - Sonnentaler, 2017. Akryl na płótnie. 65 x 65 cm.

Założyciele

Georges Mathieu jest uważany za jedną z kluczowych postaci w europejskiej abstrakcji lirycznej. Prace Mathieu wywoływały poczucie nieograniczonej wolności i dzikiego ruchu na płótnie. Był zapalonym teoretykiem i szeroko publikował swoje pomysły na temat tego, co powinno oznaczać Abstrakcja Liryczna. Sformułował następujące cztery idee dotyczące tego stylu:

*To powinno być szybkie: Artysta powinien pracować szybko, aby gesty i znaki nie były zakłócane przez świadomy umysł artysty.
*Kształty powinny być nierozpoznawalne: artysta nie może polegać na ani odnosić się do żadnych istniejących form.
*Powinno być spontaniczne: Praca nie powinna być intelektualizowana ani planowana. Powinna być spontaniczna i nieświadoma.
*Powinno być ekstatyczne: Artysta powinien dążyć do poczucia uwolnienia od samokontroli.

Dan Christensen jest jednym z założycieli amerykańskiej szkoły Lirycznej Abstrakcji. Praca, za którą jest najbardziej znany, wykorzystywała pistolety natryskowe do tworzenia złożonych, żywych i spontanicznych wzorów liniowych na płótnach. Zabawny, nieregularny i żywy charakter prac Christensena silnie przywoływał odniesienia do abstrakcyjnego ekspresjonizmu, podczas gdy uspokajające tła zapraszają do porównań z ruchem kolorowego pola.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Czarno-biała fotografia. 50,8 x 50,8 cm.

Nowoczesne procesy w pracy

Współcześni malarze eksplorujący Liryczną Abstrakcję wprowadzają stymulujące medium i metody do rozmowy. Malarz Greet Helsen pracuje z rozcieńczonymi akrylami, które osiągają spokojne poczucie stonowanej przezroczystości na płótnie, które wykorzystuje do warstwowego tworzenia ewoluujących kompozycji kształtu i koloru. Helsen jest artystką urodzoną w Belgii, pracującą w Szwajcarii. Jej prace są jednocześnie stonowane i żywe. Tworzą naturalny współczesny most między przeszłością a teraźniejszością, a także łączą zarówno europejskie, jak i amerykańskie wyrażenia tego stylu.

Tenesh Webber, Kanadyjka obecnie pracująca w USA, tworzy oszałamiająco współczesne prace, które łączą korzenie Abstrakcji Lirycznej z głębokim poczuciem obecnej epoki cyfrowej. W pewnym sensie jest fotografką, ale jej technika łączy wiele dyscyplin i mediów. Zaczyna od intuicyjnego szkicu, który następnie rozwija, wykonując znaki na pleksiglasie za pomocą markerów i nici. Po wyprodukowaniu w ten sposób wielu "płyt", układa arkusze pleksiglasu i wykorzystuje je do stworzenia ostatecznego produktu, "fotografii bez użycia aparatu". Powstałe obrazy zawierają wiele kaprysu i eksperymentowania Abstrakcji Lirycznej, dodając jednocześnie wyraźnie współczesny akcent.

Amerykańska artystka Ellen Priest, w dużej mierze samouka, być może najbardziej wyraźnie reprezentuje współczesną Liryczną Abstrakcję w działaniu. Jej dzieła inspirowane jazzem zawierają dzikość, pasję, zmysłowość i nowość kształtu, które są tak cenione przez europejskich założycieli tego stylu. Jej jasnokolorowe płótna stanowią doskonałą aktualizację tego stylu. Zawierają jednocześnie coś prymitywnego, a także dają wskazówkę co do potencjalnej przyszłości Lirycznej Abstrakcji.

Obraz wyróżniony: Ellen Priest- Jazz: Myślenie na głos, sięganie po piosenkę 31, 2011. Papier, olej, flashe, ołówek, żel MSA. 81,3 x 119,4 cm.