Znaczenie serii Burst Adolpha Gottlieba

Adolph Gottlieb powiedział kiedyś: „Rola artysty zawsze polegała na tworzeniu obrazów. Różne czasy wymagają różnych obrazów.” Gottlieb był świadkiem wielu wyraźnie odmiennych epok i trzykrotnie znacząco zmieniał swoją metodę, aby odpowiedzieć na ewolucję kultury. Jego twórczość osiągnęła szczyt dzięki serii obrazów Burst, którą rozpoczął w 1957 roku i kontynuował aż do swojej śmierci w 1974 roku. Język wizualny serii Burst jest prosty i bezpośredni — płótno podzielone jest na dwie strefy: górną i dolną. W górnej strefie znajdują się jedna lub więcej okrągłych form w ograniczonej gamie kolorów; dolna strefa wypełniona jest gwałtownym, gestualnym wybuchem kakofonicznej, wirującej energii, zwykle malowanej na czarno. Dla Gottlieba obrazy Burst stanowiły ostateczne wyrażenie jego wielkiej idei: że we wszechświecie istnieją jednocześnie biegunowości, takie jak ciemność i światło. Powszechna mądrość zwykle opisuje takie siły jako dichotomiczne — jakby światło było zasadniczo przeciwieństwem ciemności. Gottlieb rozumiał, że światło i ciemność to punkty na spektrum, zbudowane z tej samej materii, rozłożonej w różnym stopniu. Uważał biegunowości za tak podobne, że jedna może stać się drugą przy najmniejszym pchnięciu sił wyższych, a dwie strefy na jego obrazach Burst działają podobnie. Okrągłe formy zdają się być uporządkowane, unosząc się pewnie nad tym, co wygląda na zamieszanie. Ale obie są częścią tego samego obrazu i żadna nie jest w stałym stanie bytu. To, co jest na górze, może spaść, a to, co wydaje się chaotyczne, w odpowiednich warunkach może się zjednoczyć i stać jednym.

Najważniejsze Bursty

Przykłady obrazów Burst zdobią niektóre z najbardziej cenionych kolekcji sztuki na świecie. Ogromny „Blast I” (1957), o wymiarach 228,7 x 114,4 cm, wisi w MoMA w Nowym Jorku. Na nim gigantyczna czerwona kula stoicko unosi się nad równie groźnym tłumem czarnych, gestualnych znaków. Ten ikoniczny obraz rozpoczął serię, a poetyckie nawiązanie do jego ikonografii pojawiło się ponownie w 1973 roku, zaledwie rok przed śmiercią Gottlieba. W „Burst” (1973), jednym z ostatnich obrazów artysty, czerwony orb złagodniał i zaczął się rozpadać, wysyłając różowe wybuchy słońca w eter. Tymczasem chaotyczny tłum gestualnych znaków rozpadł się na rodzaj rodziny form, opadających poniżej linii horyzontu, zdających się emitować macki i nasiona w przestrzeń.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olej na płótnie. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Fundusz Philipa Johnsona. © Fundacja Adolpha i Esther Gottlieb / Licencja VAGA, Nowy Jork, NY. Kolekcja MoMA.

Gottlieb eksplorował w swoim stosunkowo prostym temacie, nadając każdemu dziełu z serii Burst indywidualne, charakterystyczne znaczenie.

Adolph Gottlieb - Icon, 1964. Olej na płótnie. 144 x 100". © Fundacja Adolpha i Esther Gottlieb.

Przygotowanie do wybuchu

Chociaż zaczął malować w latach 20. XX wieku, droga Gottlieba do prostego geniuszu jego obrazów Burst rozpoczęła się w latach 30. Wtedy to przyjął surrealistyczne podejście do podświadomości. Doszedł do wniosku, że najistotniejsze wyrażenia estetyczne są ponadczasowe, ponieważ odnoszą się do fundamentalnych egzystencjalnych prawd, takich jak władza, strach, narodziny i śmierć: materii mitów. Jego badania w tym kierunku doprowadziły go do stworzenia pierwszej dużej serii obrazów, które nazwał Piktogramami. Oparte na symbolicznym, intuicyjnym języku abstrakcyjnych form, Piktogramy były uporządkowane w siatkach — próba przekazania podzielonych wyrażeń rzeczywistości. Choć często uważane za abstrakcyjne, Gottlieb opisywał swoje Piktogramy jako realistyczne, ponieważ wyrażały prawdziwy, pełen niepokoju i tajemnic ludzki stan. Malował je do 1951 roku, kiedy zdecydował, że czasy wymagają czegoś nowego. W poszukiwaniu uproszczonej metody porzucił siatkę i podzielił płótno na dwie części — górną i dolną z linią horyzontu między nimi. Nazwał tę nową serię Wyobrażonymi Krajobrazami, ponieważ przekazywały wewnętrzny pejzaż istnienia, włączając stany emocjonalne, intelektualne, intuicyjne i podświadome.

Adolph Gottlieb - Mężczyzna patrzący na kobietę, 1949. Olej na płótnie. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Dar artysty. © Fundacja Adolpha i Esther Gottlieb / Licencja VAGA, Nowy Jork, NY. Kolekcja MoMA.

Seria Burst wyewoluowała z Wyobrażonych Krajobrazów i stanowi esencję tej samej idei. Gottlieb uprościł to, co działo się w górnej i dolnej części Wyobrażonych Krajobrazów, przestając polegać na rzeczywistej linii horyzontu dzielącej płótno na dwie części. Ale obrazy Burst to także pewnego rodzaju dodatek — dodatek przestrzeni. Mówiąc najprościej, Gottlieb zrozumiał, że gdy usunięto linię horyzontu, jedyną rzeczą między górnymi i dolnymi formami na płótnie była przestrzeń, a im większe płótno, tym bardziej rozległe i epickie formy oraz więcej przestrzeni się pojawiało. Ale nie myślał o przestrzeni tylko jako o mierzalnej odległości. Miało to więcej wspólnego z całością wizualnego i emocjonalnego świata obrazu. Formy zamieszkują tę samą przestrzeń, a jednak zajmują w niej odrębne terytoria. Ich przestrzeń kolorystyczna jest odrębna; ich przestrzeń formalna jest odrębna; ich przestrzeń liniowa jest unikalna; a ich przestrzeń intelektualna jest wyjątkowa. Ostatecznie to właśnie to pojęcie przestrzeni było kluczowe dla tego, jak Gottlieb postrzegał swoje obrazy Burst, ponieważ rozumiał je jako wyostrzone wyrażenie całości istnienia i mitu jego pozornie indywidualnych części.

Zdjęcie główne: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olej na płótnie. 80 x 185". © Fundacja Adolpha i Esther Gottlieb.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor Phillip Barcio