Znaczenie serii Burst Adolpha Gottlieba

Adolph Gottlieb powiedział kiedyś: „Rola artysty, oczywiście, zawsze była rolą twórcy obrazów. Różne czasy wymagają różnych obrazów.” Gottlieb był świadkiem wielu wyraźnie różnych czasów i trzykrotnie znacząco zmienił swoją metodę, aby odpowiedzieć na ewolucję kultury. Jego twórczość osiągnęła szczyt w serii obrazów Burst, którą rozpoczął w 1957 roku i kontynuował aż do swojej śmierci w 1974 roku. Język wizualny Burst jest prosty i bezpośredni—płótno jest podzielone na dwie strefy: górną i dolną. Górna strefa jest zamieszkana przez jedną lub więcej okrągłych form w ograniczonej palecie kolorów; dolna strefa jest zamieszkana przez frenetyczny, gesturalny wybuch kakofonicznej, wirującej energii, zazwyczaj malowanej na czarno. Dla Gottlieba obrazy Burst oznaczały ostateczne wyrażenie jego wielkiej idei: że w uniwersum istnieją jednocześnie przeciwstawne bieguny, takie jak ciemność i światło. Konwencjonalna mądrość skłania się do opisywania takich sił, jakby były one dychotomiczne—jakby światło było zasadniczo przeciwieństwem ciemności. Gottlieb rozumiał, że światło i ciemność są punktami na spektrum i składają się z tej samej substancji rozproszonej w różnych proporcjach. Uważał, że bieguny są tak podobne, że jeden może stać się drugim przy tylko najmniejszym pchnięciu od sił, które rządzą, a obie strefy w jego obrazach Burst działają w podobny sposób. Okrągłe formy wydają się być w porządku, pewnie unosząc się nad tym, co wydaje się być chaosem. Ale obie są częścią tego samego obrazu i żadna nie jest w stałym stanie istnienia. To, co jest na górze, może zejść na dół, a to, co wydaje się być chaotyczne, w odpowiednich okolicznościach, może się zjednoczyć i stać się jednością.

Główne wybuchy

Przykłady obrazów Burst zdobią niektóre z najbardziej cenionych kolekcji sztuki na świecie. Ogromny „Blast I” (1957), o wymiarach 228,7 x 114,4 cm, wisi w MoMA w Nowym Jorku. Na nim gargantuiczna czerwona kula stoicko unosi się nad równie groźnym zlepkiem czarnych, gesturalnych znaków. Ten ikoniczny obraz zapoczątkował serię, a poetycko naładowana reinterpretacja jego ikonografii pojawiła się ponownie w 1973 roku, zaledwie rok przed śmiercią Gottlieba. W „Burst” (1973), jednym z ostatnich obrazów, które artysta stworzył przed swoją śmiercią, czerwona kula złagodniała i zaczęła się rozpadać, wysyłając różowe promienie słoneczne w eter. Tymczasem chaotyczny zlepek gesturalnych znaków rozpadł się na rodzaj rodziny form, opadając poniżej linii horyzontu, zdawałoby się emitując wici i nasiona w przestrzeń.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olej na płótnie. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Fundusz Philipa Johnsona. © Fundacja Adolpha i Esther Gottliebów / Licencjonowane przez VAGA, Nowy Jork, NY. Kolekcja MoMA.

Wśród innych słynnych obrazów Burst znajduje się „Blues” (1962), obecnie w zbiorach Smithsonian American Art Museum. Jego niebiesko-czarna paleta jest ponura i spokojna, ciemność przypomina zaćmienie lub solarne poświaty. „Trinity” (1962), kolejny monumentalny Burst, wisi w stałej kolekcji Crystal Bridges Museum of American Art. Ten płótno o wymiarach 203,2 x 469,9 cm rozszerza pole widzenia w poziomie. Trzy solidne kule—jedna niebieska, jedna czerwona i jedna czarna—unoszą się w przestrzeni nad eleganckim zbiorem kaligraficznych pociągnięć pędzla. Pociągnięcia zdają się rzucać szary cień, gdy delikatna żółta kula unosi się w środkowej strefie między górną a dolną strefą. Zakres wariacji, który ilustrują „Blues” i „Trinity”, pokazuje ogromną różnorodność, którą Gottlieb badał w swoim stosunkowo prostym temacie, nadając każdemu dziełu z serii Burst idiosynkratyczne poczucie znaczenia, które jest tylko jego własne.

Adolph Gottlieb-Ikona, 1964. Olej na płótnie. 144 x 100". ©Fundacja Adolpha i Esther Gottlieb.

Przygotowanie do wybuchu

Chociaż zaczął malować w latach 20. XX wieku, droga, którą Gottlieb przeszedł, aby dotrzeć do prostego geniuszu swoich obrazów Burst, zaczęła się w latach 30. To wtedy wziął sobie do serca surrealistyczne przyjęcie podświadomości. Zdał sobie sprawę, że najważniejsze wyrażenia estetyczne są ponadczasowe, ponieważ odnoszą się do fundamentalnych rzeczywistości egzystencjalnych, takich jak władza, strach, narodziny i śmierć: materia mitów. Jego badania w tym kierunku doprowadziły go do opracowania swojej pierwszej dużej serii obrazów, którą nazwał Piktogramy. Oparte na symboliczny, intuicyjny język abstrakcyjnych form, jego Piktogramy były zorganizowane w siatki — próba przekazania podzielonych wyrażeń rzeczywistości. Choć często uważane za abstrakcyjne, Gottlieb opisał swoje Piktogramy jako realistyczne, ponieważ wyrażały prawdziwy, niepokojący, tajemniczy stan ludzki. Malował je aż do 1951 roku, kiedy zdecydował, że czasy wymagają czegoś nowego. W poszukiwaniu uproszczonej metody porzucił siatkę i podzielił płótno na dwie części — górną i dolną z linią horyzontu między nimi. Nazwał tę nową serię Wyimaginowane Krajobrazy, ponieważ przekazywały wewnętrzny krajobraz istnienia, w tym emocjonalne, intelektualne, intuicyjne i podświadome stany bycia.

Adolph Gottlieb - Mężczyzna patrzący na kobietę, 1949. Olej na płótnie. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Dar artysty. © Adolph i Esther Gottlieb Foundation/ Licencjonowane przez VAGA, Nowy Jork, NY. Kolekcja MoMA.

Seria Burst wyewoluowała z Imaginary Landscapes i reprezentuje destylację tej samej idei. Gottlieb uprościł to, co działo się w górnych i dolnych częściach Imaginary Landscapes, i przestał polegać na rzeczywistej linii horyzontu, aby podzielić płótno na dwie części. Ale obrazy Burst reprezentują również pewnego rodzaju dodatek — dodatek przestrzeni. Mówiąc najprościej, Gottlieb zdał sobie sprawę, że gdy linia horyzontu została usunięta, jedyną rzeczą między górnymi a dolnymi formami na płótnie była przestrzeń, a im większe płótno, tym bardziej epickie były formy i tym więcej przestrzeni wydawało się być. Ale nie myślał o przestrzeni tylko w kategoriach odległości, którą można zmierzyć. Miało to więcej wspólnego z całością wizualnego i emocjonalnego świata obrazu. Formy zamieszkują tę samą przestrzeń, a jednak zajmują wyraźne terytoria w tej przestrzeni. Ich przestrzeń kolorystyczna jest wyraźna; ich przestrzeń formalna jest wyraźna; ich przestrzeń liniowa jest unikalna; a ich przestrzeń intelektualna jest unikalna. Ostatecznie, to jest pojęcie przestrzeni, które było kluczowe dla tego, jak Gottlieb postrzegał swoje obrazy Burst, ponieważ rozumiał je jako wyższy wyraz całości istnienia i mitu jego pozornie indywidualnych części.

Obraz wyróżniony: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olej na płótnie. 80 x 185". ©Fundacja Adolpha i Esther Gottlieb.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio