Najważniejsi artyści abstrakcyjni XXI wieku – jak dotąd

Jeśli jesteś choć trochę podobny do mnie, to mimo że napisałem ten tekst, możesz być nieco zaniepokojony tytułem tego artykułu. Jak, zaledwie dwie dekady po, mogę wiedzieć, kto będzie najważniejszymi artystami XXI wieku? W 1920 roku wielu z najważniejszych artystów XX wieku nawet się nie urodziło. A tak w ogóle, jakie są kryteria ustalania, czy artysta jest ważny? Mimo że zgadzam się z tymi punktami, uważam, że warto co jakiś czas podsumować, których artystów uważam za ważnych i dlaczego, a początek nowej dekady wydaje się być doskonałą wymówką. Jeśli chodzi o to, co definiuje ważnego artystę, w moich 11 latach jako dziennikarz sztuki (to kropla w morzu w porównaniu do wielu moich kolegów), słyszałem dziesiątki odpowiedzi na to pytanie. Większość ludzi opiera się na trzech kryteriach: sławie, cenach na aukcjach i obecności w prestiżowych wystawach i kolekcjach. Jednak, chociaż może to być tryptyk rozgłosu, który może zapewnić artyście stronę na Wikipedii, ma to, moim zdaniem, niewiele wspólnego z tym, co czyni artystę ważnym. Dla mnie jedyną satysfakcjonującą miarą ważności artysty jest wpływ, jaki ma na innych ludzi. Ważni artyści inspirują ludzi do dalszego wierzenia w wartość sztuki i przekonują innych do spróbowania tworzenia własnej sztuki lub do kontynuowania tworzenia własnej sztuki. Jeśli chodzi o to, kto znajduje się na tej liście, nieuchronnie jest ona niekompletna, niedokładna i kontrowersyjna; wszystkie listy takie są. Niemniej jednak każdy z tych dziesięciu artystów zasłużył na swoje miejsce tutaj z powodu wpływu, jaki już mieli zarówno na innych artystów, jak i na ludzi spoza świata sztuki. Są zapylaczami, rozprzestrzeniającymi niezbędne składniki inspiracji, eksperymentowania i działania, abyśmy mogli utrzymać abstrakcję w rozkwicie w przyszłości.

Puste Abts

Przez prawie dwie dekady niemiecka malarka Tomma Abts (ur. 1967) tworzy obrazy o tych samych wymiarach – 48 x 38 cm. Pracuje intuicyjnie, aby stworzyć abstrakcyjne, geometryczne kompozycje, które podążają własną logiką, często malując wiele warstw na kompozycjach, aż będzie zadowolona, jednocześnie pozwalając, aby impasto poprzednich warstw przebijało się. Nieprzywiązana do żadnego stylu wizualnego, oddana tylko swojej metodzie, Abts jest znana z wolnego tempa pracy. Mimo że nie jest płodna i ignoruje żądanie zdefiniowania swojego stylu wizualnego, Abts stała się pierwszą kobietą malarką, która zdobyła nagrodę Turnera – żywy dowód na wartość odnajdywania własnej drogi.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl i olej na płótnie. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Dzięki uprzejmości kolekcji prywatnej, Nowy Jork. Galeria Serpentine.

Mark Bradford

Mark Bradford (ur. 1961) łączy metody malarstwa, kolażu i dekolażu, aby tworzyć abstrakcyjne obrazy, które mapują jego relację między fizycznymi a kulturowymi rzeczywistościami teraźniejszości i przeszłości. Jego materiały i procesy zainspirowały pokolenie artystów do tworzenia dotykowych dzieł, które mówią o wymianie między wzrostem a rozkładem. Poza swoją karierą artystyczną, Bradford jest wpływowym organizatorem społecznościowym, współpracując z filantropką Eileen Harris Norton i aktywistą Allanem Dicastro, aby stworzyć Art + Practice, miejsce, w którym zagrożeni sąsiedzi, tacy jak dzieci przechodzące z pieczy zastępczej, mogą uczestniczyć w sztuce.

Mark Bradford - Monster, 2009. Materiały drukowane, akryl, papier węglowy, sznurek, papier i media mieszane na płótnie. 102 x 144 in. (259,08 x 365,76 cm). Kolekcja SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Niemiecka malarka abstrakcyjna Charline von Heyl (ur. 1960) odrzuca cynizm postmodernizmu na rzecz przekonania, że coś nowego może wyłonić się z jego zgliszczy. Von Heyl przyjmuje całą historię wizualną jako swój materiał źródłowy, łącząc niezliczone odniesienia w indywidualistyczny sposób, który sugeruje, że jesteśmy spadkobiercami znacznie bogatszego i bardziej zróżnicowanego dziedzictwa estetycznego, niż pozwalają na to nasi nauczyciele historii sztuki.

Charline von Heyl - Bez tytułu, 2007. Jeden z serii dziesięciu monotypii z litografią, drzeworytem,
sitodruk i druk cyfrowy, z dodatkami tuszu, akrylu i kolażu. Fundusz na XXI wiek. Kolekcja MoMA. © Charline von Heyl

Mikołaj Hlobo

Wielodyscyplinarny południowoafrykański artysta Nicholas Hlobo (ur. 1975) reprezentuje awangardę nadziei na czas, w którym dane i analiza staną się mniej ważne niż uczucie i kreatywność. Jego prace są inspirowane jego tożsamością, jednak bez lęku wykracza poza fakty swoich kulturowych wpływów — fakty, które mogłyby go zmusić do tworzenia dzieł tylko o tym, co jest — aby przywołać półmagiczne abstrakcyjne prace, które sięgają w stronę poczucia tego, co mogłoby być.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Miedź. 51,18 x 112,99 x 72,83 cala (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Szkocki artysta Jim Lambie (ur. 1964) łączy centralną koncepcję Pop Artu – że ludzie "rozumieją" – z bardziej niematerialnymi aspektami Abstrakcji. Ogromne instalacje podłogowe, z których Lambie jest najbardziej znany, znajdują wspólną płaszczyznę między tymi pozycjami, przenosząc formalizm z ścian i wypełniając namacalną przestrzeń kolorem, linią, powierzchnią i blaskiem. Jego instalacje inicjują interakcje bez presji, codzienne interakcje z widzami, którzy teraz dosłownie mogą zobaczyć siebie wewnątrz dzieła.

Jim Lambie - System Dźwiękowy, 2015. Kolorowe metaliczne winyle. Galeria Roslyn Oxley9. © Jim Lambie

Julia Mehretu

Spotkanie z obrazem urodzonej w Etiopii, amerykańskiej malarki Julie Mehretu (ur. 1970) to zaproszenie do całkowicie nowej cywilizacji wizualnej. Każda z jej abstrakcyjnych kompozycji powstaje jak złożony, żywy organizm, rozprzestrzeniając się, mnożąc i rozwijając coraz bardziej skomplikowane struktury i współzależności. Mehretu doskonale wyraża liczne lęki i możliwości epoki połączeń, do której należymy.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Tusz i akryl na płótnie. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 cali (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, Nowy Jork. Dar Jeanne Greenberg Rohatyn i Nicolasa Rohatyna oraz Fundusz Zakupu A. W. Mellona. © Julie Mehretu

Donald Trump

Odita, urodzony w Nigerii, amerykański malarz abstrakcyjny Odili Donald Odita (ur. 1966) jest częścią fali międzynarodowych artystów, którzy przyciągają globalną uwagę do powiązań między dziedzictwem sztuki rdzennych ludów a zachodnim modernizmem. Odita łączy wzory, kolory i formy swojej rodzimej Nigerii z estetycznymi strategiami abstrakcji modernistycznej, często wykorzystując swoje wielkoformatowe prace w miejscach publicznych, gdzie stają się materializacją energii i uniwersalności w skali architektonicznej.

Odili Donald Oditaa - Desert Sun, 2014. Akryl na płótnie. 72 x 90 cali. Jack Shainman Gallery, Nowy Jork. © Odili Donald Odita

Ewa Rothschild

Irlandzka rzeźbiarka abstrakcyjna Eva Rothschild (ur. 1971) odważnie stwierdza, że aktywizm jest wbudowany w wybór tworzenia sztuki abstrakcyjnej. W erze, gdy narracyjna treść wydaje się być najważniejsza, Rothschild pokazuje, jak ponadczasowe języki wizualne widoczne w Suprematyzmie, Konstruktywizmie i Minimalizmie mogą tworzyć odważne, nowe formy abstrakcyjne, które mówią o wolności, niezależności, różnorodności i pokoju.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium i farba. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Zdjęcie: © Eva Rothschild, dzięki uprzejmości Stuart Shave/Modern Art, Londyn oraz Galerie Eva Presenhuber, Zurych.

Thomas Scheibitz

Niemiecki artysta Thomas Scheibitz (ur. 1968) odpowiada na pytanie, jak kapryśność i zabawa mogą być traktowane poważnie w dziedzinie sztuki abstrakcyjnej, nawet w erze naznaczonej lękiem. Łącząc dziedzictwo języków ruchów takich jak rayonizm, futuryzm i kubizm z echem architektonicznych wizualizacji i designu z połowy wieku, Scheibitz tworzy niezwykle znajome dzieła, które wydają się pochodzić z równoległego estetycznego wszechświata.

Pae Biały

Amerykańska artystka Pae White (ur. 1963) wykorzystuje abstrakcję, aby pokazać nam rozpoznawalne obrazy naszych czasów. Jej fantastyczne prace łączą przedstawienia sił natury z fragmentami wyrzuconymi z naszej hiper-digitalizowanej, hiper-materializowanej teraźniejszości, ukazując nam czasami przerażające sceny z małżeństwa struktury i chaosu.

Obraz wyróżniony: Charline von Heyl - Język podziemia, 2017. Akryl i węgiel na lnie. 90 × 108". © Charline von Heyl
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio