Najważniejsi artyści abstrakcyjni XXI wieku – jak dotąd

Jeśli jesteś choć trochę podobny do mnie, mimo że to ja napisałem ten tekst, tytuł tego artykułu może cię nieco niepokoić. Jak to możliwe, że po zaledwie dwóch dekadach mogę wiedzieć, kim będą najważniejsi artyści XXI wieku? W 1920 roku wielu z najważniejszych artystów XX wieku jeszcze się nie urodziło. A tak w ogóle, jakie są kryteria, by stwierdzić, czy artysta jest ważny? Choć zgadzam się z tymi uwagami, uważam, że warto od czasu do czasu zrobić bilans i zastanowić się, których artystów uważam za ważnych i dlaczego, a początek nowej dekady wydaje się ku temu doskonałą okazją. Jeśli chodzi o to, co definiuje ważnego artystę, w ciągu moich 11 lat pracy jako dziennikarz sztuki (co jest niczym w porównaniu z wieloma moimi kolegami) słyszałem dziesiątki odpowiedzi na to pytanie. Większość osób opiera się na trzech kryteriach: sławie, cenach na aukcjach oraz udziale w prestiżowych wystawach i kolekcjach. Jednak, choć to może być trójca sławy gwarantująca artyście stronę na Wikipedii, moim zdaniem ma to niewiele wspólnego z tym, by artysta był naprawdę ważny. Dla mnie jedynym satysfakcjonującym miernikiem ważności artysty jest wpływ, jaki wywiera na innych ludzi. Ważni artyści inspirują ludzi do dalszej wiary w wartość sztuki i przekonują innych do próbowania tworzenia własnej sztuki lub do kontynuowania jej tworzenia. Jeśli chodzi o to, kto znalazł się na tej liście, nieuniknione jest, że jest ona niepełna, niedokładna i kontrowersyjna; takie są wszystkie listy. Niemniej jednak każdy z tych dziesięciu artystów zasłużył na swoje miejsce tutaj ze względu na wpływ, jaki już wywarł zarówno na innych artystów, jak i na osoby spoza świata sztuki. Są jak zapylacze, rozprzestrzeniające niezbędne składniki inspiracji, eksperymentowania i działania, aby abstrakcja mogła kwitnąć w przyszłości.

Tomma Abts

Przez niemal dwie dekady niemiecka malarka Tomma Abts (ur. 1967) tworzy obrazy o tych samych wymiarach — 48 x 38 cm. Pracuje intuicyjnie, tworząc abstrakcyjne, geometryczne kompozycje, które podążają własną logiką, często malując wiele warstw na kompozycjach, aż będzie zadowolona, pozwalając jednocześnie, by wypukłości impastu z poprzednich warstw przebijały się przez powierzchnię. Nieprzywiązana do żadnego stylu wizualnego, oddana wyłącznie swojej metodzie, Abts słynie z powolnej pracy. Mimo że nie jest płodna i ignoruje presję na definiowanie swojego stylu wizualnego, Abts została pierwszą kobietą-malarzem, która zdobyła Nagrodę Turnera — żywy dowód na wartość podążania własną drogą.

Tomma Abts - Feke, 2013. Akryl i olej na płótnie. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Z kolekcji prywatnej, Nowy Jork. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (ur. 1961) łączy metody malarstwa, kolażu i décollage, tworząc abstrakcyjne obrazy, które odzwierciedlają jego relację między fizyczną a kulturową rzeczywistością teraźniejszości i przeszłości. Jego materiały i procesy zainspirowały pokolenie artystów do tworzenia dotykalnych dzieł, które mówią o wymianie między wzrostem a rozkładem. Poza karierą artystyczną Bradford jest wpływowym organizatorem społeczności, współpracując z filantropką Eileen Harris Norton i działaczem Allanem Dicastro, tworząc Art + Practice — miejsce, gdzie osoby zagrożone, takie jak dzieci wychodzące z opieki zastępczej, mogą uczestniczyć w sztuce.

Mark Bradford - Monster, 2009. Materiały drukowane, akryl, papier węglowy, sznurek, papier i techniki mieszane na płótnie. 102 x 144 cale (259,08 x 365,76 cm). Kolekcja SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Niemiecka malarka abstrakcyjna Charline von Heyl (ur. 1960) odrzuca cynizm postmodernizmu na rzecz wiary, że coś nowego może wyłonić się z jego ruin. Von Heyl przyjmuje całą historię wizualną jako swoje źródło, łącząc niezliczone odniesienia w indywidualistyczny sposób, sugerując, że jesteśmy spadkobiercami znacznie bogatszego i bardziej różnorodnego dziedzictwa estetycznego, niż pozwalali nam sądzić nauczyciele historii sztuki.

Charline von Heyl - Bez tytułu, 2007. Jeden z serii dziesięciu monotypii z litografią, drzeworytem,
sitodrukiem i drukiem cyfrowym, z dodatkami tuszu, akrylu i kolażu. Fundusz na XXI wiek. Kolekcja MoMA. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Wielodyscyplinarny południowoafrykański artysta Nicholas Hlobo (ur. 1975) reprezentuje awangardę nadziei, gdy dane i analiza staną się mniej ważne niż uczucia i twórczość. Jego prace są inspirowane jego tożsamością, lecz bez lęku wykracza poza fakty swoich kulturowych wpływów — fakty, które mogłyby go ograniczyć do tworzenia dzieł tylko o tym, co jest — by wyczarować półmagiczne abstrakcyjne dzieła sięgające po to, co mogłoby być.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Miedź. 51,18 x 112,99 x 72,83 cala (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Szkocki artysta Jim Lambie (ur. 1964) łączy główną ideę pop-artu — że ludzie „rozumieją” — z bardziej ulotnymi aspektami abstrakcji. Ogromne instalacje podłogowe, z których Lambie jest najbardziej znany, znajdują wspólny grunt między tymi stanowiskami, przenosząc formalizm ze ścian i wypełniając namacalną przestrzeń kolorem, linią, powierzchnią i blaskiem. Jego instalacje wywołują bezstresowe, codzienne interakcje z widzami, którzy mogą dosłownie zobaczyć siebie w środku dzieła.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Kolorowa winylowa folia metaliczna. Galeria Roslyn Oxley9. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Spotkanie z obrazem etiopskiej malarki amerykańskiej Julie Mehretu (ur. 1970) to zaproszenie do zupełnie nowej wizualnej cywilizacji. Każda z jej abstrakcyjnych kompozycji powstaje jak złożony, żywy organizm, rozprzestrzeniający się, mnożący i rozwijający coraz bardziej skomplikowane struktury i wzajemne zależności. Mehretu doskonale wyraża liczne lęki i możliwości współczesnej, połączonej epoki, do której należymy.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Tusz i akryl na płótnie. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 cala (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, Nowy Jork. Dar Jeanne Greenberg Rohatyn i Nicolasa Rohatyn oraz Funduszu Nabycia A. W. Mellona. © Julie Mehretu

Odili Donald

Nigerijski malarz abstrakcyjny amerykańskiego pochodzenia Odili Donald Odita (ur. 1966) jest częścią fali międzynarodowych artystów zwracających globalną uwagę na powiązania między dziedzictwem sztuki rdzennych ludów a zachodnim modernizmem. Odita łączy wzory, kolory i formy swojej ojczyzny Nigerii z estetycznymi strategiami modernistycznej abstrakcji, często prezentując swoje wielkoformatowe prace w miejscach publicznych, gdzie stają się ucieleśnieniem energii i uniwersalności na skalę architektoniczną.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Akryl na płótnie. 72 x 90 cali. Galeria Jack Shainman, Nowy Jork. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Irlandzka rzeźbiarka abstrakcyjna Eva Rothschild (ur. 1971) odważnie twierdzi, że aktywizm jest wpisany w wybór tworzenia sztuki abstrakcyjnej. W epoce, gdy narracja wydaje się królem, Rothschild pokazuje, jak ponadczasowe języki wizualne widoczne w suprematyzmie, konstruktywizmie i minimalizmie mogą tworzyć odważne, nowe abstrakcyjne formy, które mówią o wolności, niezależności, różnorodności i pokoju.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium i farba. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Zdjęcie: © Eva Rothschild, dzięki uprzejmości Stuart Shave/Modern Art, Londyn oraz Galerie Eva Presenhuber, Zurych

Thomas Scheibitz

Niemiecki artysta Thomas Scheibitz (ur. 1968) odpowiada na pytanie, jak można poważnie traktować kaprys i zabawę w dziedzinie sztuki abstrakcyjnej, nawet w epoce naznaczonej niepokojem. Łącząc dziedzictwo ruchów takich jak rajonizm, futuryzm i kubizm z echem architektonicznych wizualizacji i wzornictwa połowy XX wieku, Scheibitz tworzy niezwykle znajome dzieła, które zdają się pochodzić z równoległego estetycznego wszechświata.

Pae White

Amerykańska artystka Pae White (ur. 1963) używa abstrakcji, by pokazać nam rozpoznawalne obrazy naszych czasów. Jej fantastyczne prace łączą przedstawienia sił natury z fragmentami wyrzuconymi z naszego hipercyfrowego, hipermaterialnego współczesnego świata, ukazując czasem przerażające sceny z połączenia struktury i chaosu.

Zdjęcie główne: Charline von Heyl - The Language of the Underworld, 2017. Akryl i węgiel na lnie. 90 × 108". © Charline von Heyl
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio