Abstrakcyjne fotografie do sprzedaży, których nie powinieneś przegapić!
W swoim przekroczeniu granic, fotografia abstrakcyjna wykraczała poza proste definicje i charakterystyki. Chociaż początkowo zakorzeniona w realizmie, medium fotograficzne przez wieki istnienia przyjęło non-reprezentacyjne, z dziełami legendarnych artystów takich jak Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto, a później Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff i Jessica Eaton. Część tego zróżnicowanego dorobku jest prezentowana w naszej własnej znakomitej selekcji wysokiej jakości odbitek fotografii abstrakcyjnej na sprzedaż, przedstawionej poniżej. Jesteśmy dumni, że możemy zwrócić Państwa uwagę na sześciu najbardziej niezwykłych artystów, których prace głęboko transformują zarówno medium fotografii, jak i samą sztukę abstrakcyjną. Poniżej znajdą Państwo dziewięć odbitek fotografii abstrakcyjnej na sprzedaż najwyższej jakości, których nie można przegapić!
Richard Caldicott - Bez tytułu 153
Richard Caldicott zdobył światowe uznanie dzięki swojej abstrakcyjnej kompozycji kolorów i form geometrycznych emanujących z (prze)ustawionych i obiektowych Tupperware, które rozpuszczają się w czystej abstrakcji w jego fotografiach. Jego ciągłe i odważne wysiłki, aby zakwestionować kanon fotograficzny, nie osłabły na przestrzeni lat, ponieważ jego sztuka obejmowała również rysunek i rzeźbę, podkreślając tę samą wyrafinowaną elegancję. Ostatnie prace Caldicotta ujawniają stopniowe odejście od modernistycznej statyki do kompozycji, które naśladują zakłócenia i pęknięcia.
W Utworze bez tytułu 153, Caldicott kontynuuje swoje tradycyjne podejście do fotografii analogowej, aby wprowadzić swój minimalistyczny zestaw komponentów obfitych w kolor i witalność. Te formy, powierzchnie i kolory wyłaniają się z jego najbardziej osobistego doświadczenia i wciągają widza w jego najbardziej intymny wszechświat. Utwór bez tytułu 153 podąża za dostrzegalną liniową logiką kompozycyjną i rozwija się w wspaniałe abstrakcyjne dzieło, które jest zarówno samowyjaśniające, jak i częścią szerszego dialogu. Podkreślając duplikację, replikację i subtelne dostosowania kolorów, Caldicott skromnie ogłasza swoje nowe estetyczne i symboliczne intencje, które opierają się na ikonicznym minimalizmie, malarstwie Color Field oraz pop reappropriacji.
Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. C print. 61 x 50,8 cm.
Richard Caldicott - Szansa/Upadek (4), 2010
Nowsza praca Caldicotta oznacza ostateczne odejście od nowoczesnej spokojności w kierunku przyjęcia dynamizmu i siły. Chance/Fall (4), 2010, ukazuje nakładające się i dryfujące warstwy migoczących kolorów, emanowanych żywotnością i intensywnością świetlistej, atrakcyjnej energii. Jej przezroczysta promienność przyciąga widza, który stanowczo polega na przezroczystości i nasyceniu. Powtarzalność wpisana w samą naturę serii czyni Caldicotta zwolennikiem 'serialnej postawy' (Derek Horton) i echo Minimalizmu, które przenosi widza do kontemplacyjnego labiryntu fotografii abstrakcyjnej.
Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. C print. 127 x 101,6 cm.
Luuk De Haan - Pole Kolorów 12
Łącząc historyczne techniki fotograficzne z nowoczesną technologią oprogramowania graficznego, Luuk de Haan, holenderski artysta wizualny, opracował własny, wyraźny wyraz artystyczny. De Haan tworzy kompozycję geometryczną, korzystając z oprogramowania graficznego, które fotografuje bezpośrednio z ekranu. Zmienia warunki fizyczne, w jakich wykonywana jest fotografia, podkreślając niepewność i nieprzewidywalny element zaskoczenia, który ujawnia się poprzez interakcję z obrazem cyfrowym. Nowo powstałe obrazy fascynują naturalną i organiczną wizualną elokwencją, a także rygorystycznym graficznym badaniem kształtu, koloru, geometrii i linii.
Color Field 12 jest zdumiewającym przykładem skrupulatnego badania koloru inspirowanego abstrakcyjnymi ekspresjonistami takimi jak Ellsworth Kelly, Barnett Newman i Kenneth Noland. To dzieło sztuki sugeruje, że jest w stanie przepływu, ale ten przepływ umyka bardziej precyzyjnej interpretacji i wyjaśniającej rygorystyce. De Haan trafnie ujawnia swoją minimalistyczną estetykę i kompozycje zdefiniowane przez pewne, geometryczne kształty, wyraźne linie, gładkie powierzchnie, które żywo rezonują z jego wizualnym słownictwem. Jego prace emanują swobodnym ruchem i kaskadowymi głębokościami, jednocześnie przywołując poczucie ulotnej spokojności, która paruje w utopijnej harmonii zarówno kolorów, jak i form.
Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. UltraChrome HD Ink na papierze Hahnemühle. 100 x 72,5 cm.
Luuk De Haan - Nie wkładaj ręki do wirującej bębna 11
De Haan prezentuje swój unikalny talent w tym próbie przetłumaczenia dwuwymiarowych kształtów na obrazy trójwymiarowe, badając deformacje i zmiany tworzone przez aparat. Wybiera pokaz slajdów z dwóch lub więcej obrazów, które fotografuje w jednym ujęciu, poruszając się i przybliżając oraz oddalając obiektyw, tworząc w ten sposób obraz trójwymiarowy. Te obrazy udaje się uchwycić ruch, geometrię i dynamiczne relacje kolorystyczne ich powstania. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Nie wpadaj w wirującą bęben), znak ostrzegawczy wydrukowany na wirującej maszynie, posłużył jako inspiracja dla de Haana.
Luuk De Haan - Nie wkładaj ręki do wirującej bębna 11, 2015. UltraChrome HD Ink na papierze Hahnemühle. 59,4 x 42 cm.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium)
Będąc dobrze zaznajomionym z wieloma formami sztuki i mediami, Seb Janiak czuje się jak w domu, oscylując między fotografią a produkcją wideo. Jego fotograficzne przygody sięgają od wczesnej pracy matowej do najnowszych zdjęć laserowych wykonanych przez pryzmat. Nie jest lojalny wobec żadnej szkoły ani dogmatu, badając złożoność otaczającego go świata. Jego fotografie znane są z wyjątkowego ucieleśnienia napięcia wynikającego z dychotomii i przeciwieństw naszego świata. Jego prace wędrują przez szaloną fantastykę i science fiction, aby dotrzeć do brzegów udręczonej natury i utopijnej ludzkości. Janiak jest francuskim producentem wideo i muzyki, globalnie uznawanym za swój wkład w współczesną fotografię analogową.
"Gravity liquid 04 (Medium)" głęboko osadza metafizyczne twierdzenie Janiaka, że forma nie może istnieć bez środowiska oraz że widoczne formy są zależne od warunków, które pozwalają tym formom istnieć. Aby wizualnie zakwestionować swoje metafizyczne twierdzenie, Janiak postanowił skupić się na grawitacji jako ukrytej sile, która kształtuje nasz wszechświat. W tej serii fotografii bada transformującą moc grawitacji na cieczy i gazach. Zastosował proces fotograficzny, aby zamrozić formę, ale ponieważ środowisko nieustannie się zmienia, tak samo ten proces.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Druk chromogeniczny. 110 x 86 cm.
Gianfranco Pezzot - III. Oszustwo Języka
Gianfranco Pezzot jest włoskim artystą abstrakcyjnym, który jest głęboko zainspirowany sposobami, w jakie doświadczamy i wpływamy na otaczające nas środowisko. Jego zainteresowania przenikają głęboko przez złożone modalności naszych interakcji ze światem, ponieważ jego prace stają się coraz bardziej splątane z obszarami historii, polityki i ekonomii. W ten sposób Pezzot wynajduje nowy współczesny język fotograficzny, który łączy różne obrazy i media oraz tworzy złożony, warstwowy obraz, prezentowany w swojej ostatecznej formie jako cyfrowy C-print. III.
"Oszustwo języka" jest częścią jego serii "Dichotomia ludzkiego mózgu", w której Pezzot zagłębia się w narracje, które mózgi konstruują, postrzegając różne obrazy. Pezzot stara się dostarczyć interpretacyjny kontekst dla narracji, które są zniekształcone, gdy obrazy są zmieniane, restrukturyzowane lub łączone z innymi obrazami. W III. "Oszustwie języka" łączy fragmenty kwiatów, krajobrazu plażowego i zgniecionych arkuszy papieru w assemblage, które zaprasza do dalszej interwencji artystycznej. To jedna z jego najbardziej przekonujących prób zbadania zmieniającej się roli fotografii jako współczesnego medium artystycznego."
Gianfranco Pezzot - III. Oszustwo języka, 2017. Cyfrowy wydruk C-Type na papierze fotograficznym Kodak Endura. 240 x 180 cm.
Paul Snell - Intersect # 201701
Tasmański artysta, Paul Snell, łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, poszerzając granice abstrakcji i minimalizmu. Jego proces twórczy zaczyna się od uchwycenia obiektu lub lokalizacji za pomocą tradycyjnego aparatu, a następnie następuje dekodowanie cyfrowe. Po zredukowaniu i uproszczeniu kolorów oraz form, Snell odwraca proces, ponownie kodując obraz – te uproszczone kolory i formy stają się samoreferencyjne w nowej kompozycji, aż proces robienia zdjęcia i tworzenia zostaje konceptualnie i praktycznie zaciemniony. Ostateczny rezultat prezentowany jest na jego wydrukach chromogenicznych, które rozpraszają świetliste, żywe nadruki na metalicznym papierze zamontowanym na pleksiglasie. Intersect # 201701 ucieleśnia wyraźny leksykon wizualny Snella, inspirowany malarstwem modernistycznym, szczególnie minimalizmem i abstrakcją o ostrych krawędziach. Sam opisując swój proces twórczy jako poszukiwanie „zmysłowego zrozumienia fizycznego obiektu”, Snell uznaje materialną substancję abstrakcyjnego świata. To zdjęcie epitomizuje jego fascynację relacjami kolorów i rzeczywistościami przestrzennymi – ich dynamicznymi relacjami, żywym i zaskakującym współgraniem. Jego prace zawierają przekonującą kontemplacyjną wizję, która graniczy z metafizycznym królestwem.
Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Druk chromogeniczny z zamontowanym na froncie plexi 4,5 mm. 118 x 118 cm.
Paul Snell - Hover # 201909
Najnowsze i głęboko hipnotyzujące dzieło Snella wykorzystuje rytmiczne, harmonijne struktury wizualne, które przenoszą widza w głębokie otchłanie czystej myśli. Tworzy wizualne sugestie, które przekształcają refleksję w autentyczny stan medytacyjny. Hover # 201909 ujawnia dynamikę relacji kolorystycznych Snella, która wynika z połączenia architektonicznych aspektów jego kompozycji oraz jego żywych, świetlistych powierzchni. Brak metasemantyki i reprezentacji wciąga widza w sam środek pierwotnej i tonalnej estetycznej materii. W tym pierwotnym doświadczeniu widz zanurza się w kolorze, rytmie i przestrzeni, które otwierają się na jego/jej interpretacyjną refleksję, tym samym torując drogę do czystej transcendencji.
Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Druk chromogeniczny zamocowany na 3mm matowym plexiglasie. 80 x 80 cm.
Tenesh Webber - Boxy
Tenesh Webber, kanadyjska artystka, jest szeroko uznawana za swoje odważne próby stworzenia wyraźnego przecięcia fotografii i rzeźby. Zręcznie tworzy obiekty dwuwymiarowe, nakładając i tnąc nitkę do szycia lub powtarzający się rysunek na pleksiglasie. Te obiekty są wykorzystywane do tworzenia zdjęć bez użycia aparatu, które uchwycają element nieprzewidywalności i niepewności generowanej przez ruch ręki. W swojej nowszej pracy zagłębia się w ukrytą naturę fotografii jako medium, kontynuując refleksję nad postrzeganiem przestrzeni negatywnej i pozytywnej, ruchu oraz całkowitej nieruchomości.
Boxy jest przykładem ikonicznych eksploracji Webbera dotyczących wyzwań i konwencji tradycyjnej fotografii czarno-białej. Kończy tworzenie rytmicznej, intuicyjnej kompozycji, która uchwyca zarówno napięcie, jak i równowagę spowodowaną między organicznym a prostokątnym. Wyrafinowana kompozycja Boxy emanuje sprzecznymi makro- i mikropunktami widzenia natury oraz ich relacją z człowiekiem.
Tenesh Webber - Boxy, 2005. Czarno-biała fotografia. 50,8 x 50,8 cm.
Obraz wyróżniony: Richard Caldicott - Bez tytułu 153, widok instalacji.
Przez Jovana Vuković
