Abstrakcyjne fotografie do sprzedaży, których nie powinieneś przegapić!
Przekraczając granice, fotografia abstrakcyjna wykraczała poza proste definicje i charakterystyki. Choć początkowo zakorzeniona w realizmie, medium fotograficzne na przestrzeni wieków przyjmowało formy niereprezentacyjne, czego dowodem są dzieła legendarnych artystów takich jak Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto, a później Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff i Jessica Eaton. Część tego różnorodnego dorobku prezentujemy w naszej wyjątkowej kolekcji wysokiej jakości odbitek fotografii abstrakcyjnej dostępnych poniżej. Z dumą zwracamy uwagę na sześciu wybitnych artystów, których twórczość głęboko przekształca zarówno medium fotografii, jak i samą sztukę abstrakcyjną. Poniżej znajdziesz dziewięć najwyższej jakości odbitek fotografii abstrakcyjnej na sprzedaż, których nie możesz przegapić!
Richard Caldicott - Untitled 153
Richard Caldicott zdobył światowe uznanie dzięki abstrakcyjnej kompozycji kolorów i form geometrycznych powstałych z (prze)układu i obiektywizacji pojemników Tupperware, które w jego fotografiach rozpuszczają się w czystej abstrakcji. Jego nieustanne i śmiałe próby kwestionowania kanonu fotografii nie osłabły na przestrzeni lat, gdyż jego twórczość obejmowała także rysunek i rzeźbę, podkreślając tę samą wyrafinowaną powściągliwość i opanowanie. Najnowsze prace Caldicotta ukazują stopniowe odejście od modernistycznej bezruchu ku kompozycjom naśladującym zakłócenia i pęknięcia.
W Untitled 153 Caldicott kontynuuje tradycyjne podejście do fotografii analogowej, by wprowadzić swój minimalistyczny zestaw elementów obfitych w kolor i żywiołowość. Te formy, powierzchnie i kolory wyłaniają się z jego najbardziej osobistych doświadczeń i wciągają widza w jego najintymniejszy wszechświat. Untitled 153 podąża za wyraźną liniową logiką kompozycyjną i rozwija się w cudowną abstrakcyjną pracę, która jest zarówno samowyjaśniająca się, jak i częścią większego dialogu. Podkreślając powielanie, replikację i subtelne korekty kolorów, Caldicott skromnie ogłasza swoje nowe estetyczne i symboliczne zamiary, które opierają się na ikonicznym minimalizmie, malarstwie pola koloru oraz popowej reapropriacji.
Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. Odbitka C. 61 x 50,8 cm.
Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010
Nowsze prace Caldicotta oznaczają ostateczne odejście od modernistycznej spokoju ku przyjęciu dynamizmu i siły. Chance/Fall (4), 2010 ukazuje nakładające się i unoszące warstwy migoczących kolorów, emanujące żywością i intensywnością świetlistej, przyciągającej energii. Jego przejrzysta świetlistość przyciąga widza, gdy zdecydowanie opiera się na przezroczystości i nasyceniu. Powtarzalność wpisana w samą naturę serii czyni Caldicotta zwolennikiem „postawy seryjnej” (Derek Horton) i nawiązuje do minimalizmu, który przenosi widza do kontemplacyjnego labiryntu fotografii abstrakcyjnej.
Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. Odbitka C. 127 x 101,6 cm.
Luuk De Haan - Color Field 12
Luuk De Haan, holenderski artysta wizualny, wypracował własny, odrębny wyraz. De Haan tworzy geometryczną kompozycję, używając cyfrowego oprogramowania graficznego, które fotografuje bezpośrednio z ekranu. Zmienia warunki fizyczne, w jakich wykonywane jest zdjęcie, podkreślając niepewność i nieprzewidywalny element zaskoczenia, ujawniany przez interakcję z obrazem cyfrowym. Nowo powstałe obrazy zachwycają naturalną i organiczną wizualną wymową oraz rygorystycznym graficznym badaniem kształtu, koloru, geometrii i linii.
Color Field 12 to zdumiewający przykład skrupulatnego badania koloru inspirowanego abstrakcyjnym ekspresjonizmem takich artystów jak Ellsworth Kelly, Barnett Newman i Kenneth Noland. Dzieło to zdaje się być w ciągłym ruchu, lecz ruch ten wymyka się dokładniejszej interpretacji i wyjaśniającej ścisłości. De Haan trafnie ujawnia swoją minimalistyczną estetykę i kompozycje definiowane przez pewne, geometryczne kształty, wyraźne linie i gładkie powierzchnie, które żywo rezonują z jego wizualnym słownictwem. Jego prace emanują swobodnym ruchem i kaskadową głębią, wywołując poczucie ulotnego spokoju, który ulatnia się w utopijnej ciszy zarówno kolorów, jak i form.
Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. UltraChrome HD Ink na papierze Hahnemühle. 100 x 72,5 cm.
Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11
De Haan prezentuje swój wyjątkowy talent w próbie przetłumaczenia dwuwymiarowych kształtów na trójwymiarowe obrazy, badając deformacje i zmiany wywołane przez aparat. Wybiera pokaz slajdów z dwoma lub więcej obrazami, które fotografuje w jednym ujęciu, poruszając i przybliżając obiektyw, tworząc w ten sposób trójwymiarowy obraz. Te obrazy potrafią uchwycić ruch, geometrię i dynamiczne relacje kolorystyczne podczas ich powstawania. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Nie wkładaj ręki do wirującego bębna), znak ostrzegawczy nadrukowany na wirującej maszynie, posłużył De Haanowi za inspirację.
Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11, 2015. UltraChrome HD Ink na papierze Hahnemühle. 59,4 x 42 cm.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium)
Biegły w wielu formach i technikach artystycznych, Seb Janiak czuje się swobodnie, oscylując między fotografią a produkcją wideo. Jego fotograficzne wyprawy sięgają od wczesnych matowych prac po najnowsze fotografie laserowe wykonane przez pryzmat. Nie jest wierny żadnej szkole ani dogmatowi, badając złożoność otaczającego go świata. Jego fotografie znane są z wyjątkowego ucieleśnienia napięcia rodzącego się z dychotomii i przeciwieństw naszego świata. Jego twórczość wędruje przez szaloną fantazję i science fiction, by dotrzeć do brzegów udręczonej natury i utopijnej ludzkości. Janiak to francuski producent wideo i muzyki, ceniony na całym świecie za wkład w współczesną fotografię analogową.
Gravity liquid 04 (Medium) głęboko osadza metafizyczne przekonanie Janiaka, że forma nie może istnieć bez otoczenia, a widzialne formy zależą od warunków, które pozwalają im istnieć. Aby wizualnie podważyć swoje metafizyczne założenie, Janiak skupił się na grawitacji jako ukrytej sile kształtującej nasz wszechświat. W tej serii fotografii bada transformującą moc grawitacji na ciecze i gazy. Zastosował proces fotograficzny, by zatrzymać formę, ale ponieważ środowisko ciągle się zmienia, tak samo zmienia się ten proces.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Odbitka chromogeniczna. 110 x 86 cm.
Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language
Gianfranco Pezzot to włoski artysta abstrakcyjny, głęboko zainspirowany sposobami, w jakie doświadczamy i wpływamy na otaczające nas środowisko. Jego zainteresowania sięgają głęboko w złożone sposoby naszych interakcji ze światem, a jego prace coraz bardziej splatają się z obszarami historii, polityki i gospodarki. W ten sposób Pezzot tworzy nowy współczesny język fotograficzny, łączący różne obrazy i media, tworząc złożony, warstwowy obraz, prezentowany w ostatecznej formie jako cyfrowa odbitka C-type.
Deceit of Language to część jego serii Dichotomy of a Human Brain, w której Pezzot zagłębia się w narracje konstruowane przez mózg podczas postrzegania różnych obrazów. Pezzot stara się dostarczyć interpretacyjnych ram dla narracji zniekształconych, gdy obrazy są zmieniane, restrukturyzowane lub łączone z innymi obrazami. W III. Deceit of Language łączy fragmenty kwiatów, krajobrazu plaży i pogniecionych kartek papieru w zespół, który zaprasza do dalszej artystycznej interwencji. To jedna z jego najbardziej przekonujących prób zbadania zmieniającej się roli fotografii jako współczesnego medium artystycznego.
Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language, 2017. Cyfrowa odbitka C-Type na papierze fotograficznym Kodak Endura. 240 x 180 cm.
Paul Snell - Intersect # 201701
Artysta z Tasmanii, Paul Snell łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, poszerzając granice abstrakcji i minimalizmu. Jego proces twórczy zaczyna się od uchwycenia obiektu lub miejsca tradycyjnym aparatem, a następnie cyfrowego dekodowania. Po redukcji i uproszczeniu kolorów i form Snell odwraca proces, ponownie kodując obraz — te uproszczone kolory i formy stają się samoodniesieniowe w nowej kompozycji, aż proces tworzenia i wykonywania zostaje koncepcyjnie i praktycznie zaciemniony. Ostateczny efekt prezentowany jest na jego odbitkach chromogenicznych, które rozpraszają świetliste, żywe nadruki na metalicznym papierze zamontowanym na pleksi. Intersect # 201701 uosabia odrębny wizualny leksykon Snella, inspirowany malarstwem modernistycznym, szczególnie minimalizmem i abstrakcją o ostrych krawędziach. Opisując swój proces twórczy jako poszukiwanie „zmysłowego zrozumienia fizycznego obiektu”, Snell uznaje materialną substancję abstrakcyjnego świata. To zdjęcie jest ucieleśnieniem jego fascynacji relacjami kolorów i przestrzennymi rzeczywistościami — ich dynamicznymi powiązaniami, żywym i zaskakującym współgraniem. Jego prace zawierają przekonującą, kontemplacyjną wizję, graniczącą z metafizyczną sferą.
Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Odbitka chromogeniczna, zamontowana na 4,5 mm pleksi. 118 x 118 cm.
Paul Snell - Hover # 201909
Najnowsza i głęboko urzekająca praca Snella wykorzystuje rytmiczne, harmonijne struktury wizualne, które przenoszą widza w dalekie głębiny czystej myśli. Tworzy wizualne sugestie, które przekładają refleksję na autentycznie medytacyjny stan. Hover # 201909 ukazuje dynamikę relacji kolorystycznych Snella, wynikającą z połączenia architektonicznych aspektów jego kompozycji i jego żywych, świetlistych powierzchni. Brak metasemantyki i reprezentacji wciąga widza w sam środek pierwotnej i tonalnej materii estetycznej. W tym pierwotnym doświadczeniu widz zanurza się w kolorze, rytmie i przestrzeni, które otwierają drogę do interpretacyjnej refleksji, oczyszczając ścieżkę do czystej transcendencji.
Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Odbitka chromogeniczna, zamontowana na 3 mm matowej pleksi. 80 x 80 cm.
Tenesh Webber - Boxy
Tenesh Webber, kanadyjska artystka, jest szeroko ceniona za odważne próby stworzenia wyraźnego skrzyżowania fotografii i rzeźby. Zręcznie tworzy dwuwymiarowe obiekty, nakładając i tnijąc nici do szycia lub powtarzające się rysunki liniowe na pleksi. Obiekty te służą do tworzenia fotografii bez użycia aparatu, które uchwytują element nieprzewidywalności i niepewności generowany przez ruch ręki. W swoich nowszych pracach zagłębia się w ukrytą naturę fotografii jako medium, kontynuując refleksję nad postrzeganiem przestrzeni negatywnej i pozytywnej, ruchu i całkowitego bezruchu.
Boxy to przykład ikonicznych eksploracji Webber wyzwań i konwencji tradycyjnej fotografii czarno-białej. Tworzy rytmiczną, intuicyjną kompozycję, która uchwyca zarówno napięcie, jak i równowagę między organicznym a prostokątnym. Wyrafinowana kompozycja Boxy emanuje sprzecznymi makro- i mikropoglądami na naturę oraz ich związkiem z człowiekiem.
Tenesh Webber - Boxy, 2005. Fotografia czarno-biała. 50,8 x 50,8 cm.
Zdjęcie wyróżnione: Richard Caldicott - Untitled 153, widok instalacji.
Autor: Jovana Vuković
