Kiedy Miriam Schapiro używała komputerów do generowania geometrycznej sztuki abstrakcyjnej

Miriam Schapiro była legendarną postacią w świecie sztuki przez ponad pół wieku. Była mistrzowską artystką wizualną, wpływową nauczycielką i genialną teoretyczką. Jednak jej najbardziej znane dziedzictwo związane jest z jej znaczeniem dla pierwszej fali ruchu sztuki feministycznej. Schapiro była jedną z założycielek ruchu Pattern and Decoration (1975 – 1985), który pewnie kwestionował typowe modernistyczne uwielbienie dla męskich, zachodnich tendencji estetycznych. Współzałożyła program sztuki feministycznej w California Institute of the Arts w Walencji w Kalifornii, razem z Judy Chicago (która podobno ukuła termin „sztuka feministyczna”). Była również jedną z artystek zaangażowanych w Womanhouse (1972), przełomową instalację, która przekształciła zrujnowaną, 17-pokojową willę w West Hollywood w być może najbardziej wizjonerską wystawę grupową site-specific wszech czasów—wystawę, którą odwiedziło ponad 10 000 osób w jej miesięcznym istnieniu i która jest tematem dwóch filmów dokumentalnych. Ale oprócz ogromnego wpływu, jaki Schapiro miała na przekształcanie naszego zrozumienia relacji między tożsamością, kulturą, sztuką, władzą a historią, przeszła również przez kilka fascynujących formalnych ewolucji estetycznych jako artystka—i to jest jedna część jej dziedzictwa, która nie została odpowiednio opowiedziana. Wystawa trwająca do 17 lutego 2018 roku w Honor Fraser w Los Angeles stawia mały krok w kierunku skorygowania tego niedopatrzenia, prezentując osiem obrazów, które Schapiro stworzyła w jednym konkretnym momencie swojej kariery—okresie między 1967 a 1971 rokiem, kiedy stała się pionierką w wówczas rozwijającym się obszarze sztuki wspomaganej komputerowo.

Zmiany formalne i koncepcyjne

Schapiro w różnych momentach eksperymentowała z ponad pół tuzinem mediów, w tym malarstwem, rysunkiem, tekstyliami i rzeźbą. W każdym momencie tej ewolucji mogła łatwo przestać szukać i po prostu pozostać przy stylu, który rozwinęła w danym momencie, i nadal stworzyć epickie, definitywne dzieło. Ale nieustannie popychała się w niezbadane terytoria, zarówno formalnie, jak i koncepcyjnie. W latach 50. zdobyła uznanie w konkurencyjnym i zatłoczonym nowojorskim świecie sztuki dzięki swoim hipnotyzującym, mistycznie wyglądającym, lirycznym abstrakcyjnym obrazom. Ich złożoność i głębia ujawniają jej mistrzostwo w zakresie koloru i techniki. Ale porzuciła ten styl w poszukiwaniu czegoś bardziej osobistego. Eksperymentowała z kolażem i litografią, a na początku lat 60. dotarła do zbioru prac, który nazwała serią Sanktuarium—quasi-surrealistyczne, geometryczne kompozycje przypominające pionowe ołtarze, zawierające figuralne odniesienia do kobiecości i historii sztuki. Te przejmujące i dziwne prace nie pasują do niczego, co robili jej współcześni. Ujawniają artystkę gotową do eksperymentów i niebojącą się stać z boku.

Miriam Schapiro - Installation view, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

To właśnie ten duch dodał Schapiro odwagi do przeprowadzki do Kalifornii w 1967 roku. Tam osiągnęła punkt zwrotny, kiedy stała się jedną z pierwszych artystek, które odkryły potencjał komputerów w pomaganiu artystom w ich wstępnych szkicach. W tym czasie już skłaniała się ku twardym, abstrakcyjnym, minimalistycznym obrazom w swojej pracy. Zdała sobie sprawę, że wprowadzając swoje formalne pomysły do cyfrowego świata wizualnego, mogła szybko i bez końca wprowadzać drobne poprawki w perspektywie, aż pojawił się idealny obraz. Obrazy obecnie wystawione w Honor Fraser są wynikiem tego eksperymentalnego procesu. Niektóre z prac, jak Thunderbird (1970), ujawniają czysto formalne sposoby, w jakie Schapiro współdziałała z komputerem. Inne prace, jak Keyhole (1971), ujawniają jej pragnienie wykorzystania wszelkich narzędzi, które ma do dyspozycji, aby wyrazić pomysły, które ją zajmują w sferze koncepcyjnej.

Miriam Schapiro - Keyhole, 1971, Acrylic and spray-paint on canvas, 71 x 106 in

Nowe sposoby patrzenia

To nie jest pierwszy raz, kiedy te obrazy wspomagane komputerowo były wystawiane w ostatnich latach. Zostały pokazane w Eric Firestone Loft w Nowym Jorku w 2016 roku, około rok po śmierci Schapiro, pod tytułem Miriam Schapiro, Lata w Kalifornii: 1967–1975. Różnica między tymi dwoma wystawami leży w ich analitycznym podejściu. W Nowym Jorku wystawa badała te prace w kontekście estetycznej ewolucji, która nastąpiła tuż po. Analizowano w niej yoniczne obrazy w takich dziełach jak Keyhole i Big Ox pod kątem tego, jak przewidywały wizualny język, który Schapiro określała jako Central Core. Następnie zbadano, jak Schapiro całkowicie porzuciła twardą abstrakcję na rzecz nowego stylu, który wynalazła, nazwanego Femmage—amalgamatem kobiecości i kolażu. Femmage łączyło tradycyjne techniki malarstwa i powierzchnie z materiałami i technikami tradycyjnie kojarzonymi z kobiecością: na przykład, elementy szyte na płótnie lub kawałki tkaniny sklejone na tradycyjnej powierzchni. Femmage było wpływowym i pionierskim aspektem ruchu Pattern and Decoration.

Miriam Schapiro - Thunderbird, 1970, Acrylic on canvas 72 x 80 in

W przeciwieństwie do wcześniejszej, rozszerzonej wersji tej wystawy, pokaz Honor Fraser zawęża fokus, aby zaoferować widzom czysto formalistyczne spojrzenie na dzieło. Może się to wydawać dziwne lub w pewien sposób umniejszające. Łatwo jest, aby ktoś nowy w jej twórczości zobaczył tę wystawę i źle zrozumiał Schapiro. Ale z innej perspektywy, ta wystawa kładzie fundamenty pod to, co mogłoby być pół tuzina innych podobnych wystaw, które mogłyby każda badać izolowane momenty w jej karierze. To hojne spojrzeć na każdy aspekt pracy, jaką artysta wykonuje. Jeśli pozwolimy sobie tylko na rozważanie kulturowego znaczenia dzieła, nie rozmawiając nigdy o jego kolorach, liniach, kształtach, teksturach i procesach, pozbawiamy Schapiro jej pełnej miary. Z tych obrazów wspomaganych komputerowo oczywiste jest, że takie formalne zagadnienia były dla niej ważne. Również oczywiste jest, że była mistrzynią koloru i kompozycji, która mogłaby spędzić całe życie, tworząc ważne abstrakcyjne dzieła, gdyby tylko tego chciała. W końcu te obrazy wydają się tak świeże i współczesne, jakby były malowane wczoraj. Ale równie ekscytujące jest myślenie, że te prace reprezentują moment w czasie tuż przed tym, jak Schapiro dramatycznie zmieniła historię sztuki, odchodząc od tego, co było pewne, i zagłębiając się w wtedy nieopisaną historię sztuki feministycznej.

Miriam Schapiro - Installation view, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Obraz wyróżniający: Miriam Schapiro - Widok instalacji, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, CA, 2017

Wszystkie obrazy dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery

Autor: Phillip Barcio