Kiedy Miriam Schapiro używała komputerów do generowania geometrycznej sztuki abstrakcyjnej
Miriam Schapiro była legendarną postacią w świecie sztuki przez ponad pół wieku. Była mistrzynią sztuk wizualnych, wpływową nauczycielką i błyskotliwą teoretyczką. Jednak jej najbardziej znane dziedzictwo wiąże się z jej znaczeniem dla pierwszej fali Ruchu Sztuki Feministycznej. Schapiro była jedną z założycielek Ruchu Wzoru i Dekoracji (1975–1985), który odważnie kwestionował typowe modernistyczne uwielbienie dla męskich, zachodnich tendencji estetycznych. Współzałożyła Program Sztuki Feministycznej w California Institute of the Arts w Walencji w Kalifornii, wraz z Judy Chicago (której przypisuje się ukucie terminu „sztuka feministyczna”). Była także jedną z artystek zaangażowanych w Womanhouse (1972), przełomową instalację, która przemieniła zrujnowaną, siedemnastopokojową rezydencję w West Hollywood w być może najbardziej wizjonerską wystawę grupową związaną z miejscem w historii — odwiedziło ją ponad 10 000 osób w ciągu miesiąca jej istnienia, a temat ten został poruszony w dwóch filmach dokumentalnych. Poza ogromnym wpływem, jaki Schapiro wywarła na przekształcenie naszego rozumienia relacji między tożsamością, kulturą, sztuką, władzą i historią, przeszła także kilka fascynujących formalnych i estetycznych przemian jako artystka — i jest to część jej spuścizny, która nie została dostatecznie opowiedziana. Wystawa trwająca do 17 lutego 2018 roku w Honor Fraser w Los Angeles robi mały krok w kierunku naprawienia tego zaniedbania, prezentując osiem obrazów, które Schapiro stworzyła w jednym konkretnym momencie swojej kariery — w okresie między 1967 a 1971 rokiem, kiedy stała się pionierką w ówcześnie rodzącej się dziedzinie sztuki wspomaganej komputerowo.
Zmiany formalne i koncepcyjne
Schapiro w różnych okresach eksperymentowała z ponad pół tuzinem technik, w tym malarstwem, rysunkiem, tkaninami i rzeźbą. W dowolnym momencie tej ewolucji mogła łatwo przestać szukać i po prostu pozostać przy stylu, który w danym momencie rozwinęła, tworząc wciąż epokowe, definitywne dzieło. Jednak nieustannie pchała się na nieznane terytoria, zarówno formalnie, jak i koncepcyjnie. W latach 50. zdobyła sławę na konkurencyjnym i zatłoczonym nowojorskim rynku sztuki swoimi hipnotycznymi, mistycznie wyglądającymi, lirycznymi abstrakcyjnymi obrazami. Ich złożoność i głębia ukazują jej mistrzostwo koloru i techniki. Jednak porzuciła ten styl, szukając czegoś bardziej osobistego. Eksperymentowała z kolażem i litografią, a na początku lat 60. stworzyła cykl prac nazwany przez nią serią Sanktuarium — quasi-surrealistyczne, geometryczne kompozycje przypominające pionowe ołtarze, zawierające figuratywne odniesienia do kobiecości i historii sztuki. Te niepokojące i dziwne dzieła nie wpisują się w to, co robili jej współcześni. Ukazują artystkę gotową do eksperymentów i niebojącą się wyróżniać.
Miriam Schapiro - Widok instalacji, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, Kalifornia, 2017
Honor Fraser są wynikiem tego eksperymentalnego procesu. Niektóre prace, jak Thunderbird (1970), ukazują czysto formalne sposoby, w jakie Schapiro współdziałała z komputerem. Inne, jak Keyhole (1971), pokazują jej pragnienie wykorzystania wszelkich dostępnych narzędzi do wyrażenia idei, które zajmowały ją w sferze koncepcyjnej.
Miriam Schapiro - Keyhole, 1971, akryl i farba w sprayu na płótnie, 71 x 106 cali
Nowe sposoby patrzenia
To nie pierwszy raz, gdy te obrazy wspomagane komputerowo były wystawiane w ostatnich latach. Pokazano je w Eric Firestone Loft w Nowym Jorku w 2016 roku, około rok po śmierci Schapiro, pod tytułem Miriam Schapiro, Lata kalifornijskie: 1967–1975. Różnica między tymi dwoma wystawami polega na ich analitycznym podejściu. W Nowym Jorku wystawa analizowała te prace w kontekście ewolucji estetycznej, która nastąpiła zaraz po nich. Badała obrazowanie jonowe w obrazach takich jak Keyhole i Big Ox pod kątem tego, jak zapowiadało ono język wizualny, który Schapiro nazwała Central Core. Następnie eksplorowała, jak Schapiro całkowicie porzuciła ostrą abstrakcję na rzecz nowego stylu, który wynalazła, nazwanego Femmage — połączenia kobiecości i kolażu. Femmage łączyło tradycyjne techniki i powierzchnie malarskie z materiałami i technikami tradycyjnie kojarzonymi z kobiecością: na przykład elementy szyte na płótnie lub kawałki tkanin wkomponowane w tradycyjną powierzchnię. Femmage było wpływowym i pionierskim aspektem ruchu Wzoru i Dekoracji.
Miriam Schapiro - Thunderbird, 1970, akryl na płótnie, 72 x 80 cali
W przeciwieństwie do wcześniejszej, rozbudowanej wersji tej wystawy, pokaz w Honor Fraser zawęża fokus, by zaoferować widzom czysto formalistyczne spojrzenie na dzieła. Może się to wydawać dziwne lub w pewien sposób umniejszające. Łatwo byłoby osobie nieznającej jej twórczości zobaczyć tę wystawę i źle zrozumieć Schapiro. Ale z innej strony, ta wystawa kładzie podwaliny pod co najmniej pół tuzina podobnych pokazów, które mogłyby badać wyizolowane momenty jej kariery. To hojność spojrzeć na każdy aspekt pracy artysty. Jeśli pozwolimy sobie skupiać się tylko na kulturowym znaczeniu dzieł, nie rozmawiając nigdy o ich kolorach, liniach, kształtach, fakturach i procesach, pozbawiamy Schapiro pełni jej wartości. Z tych obrazów wspomaganych komputerowo wyraźnie widać, że takie formalne kwestie były dla niej ważne. Równie wyraźne jest, że była mistrzynią koloru i kompozycji, która mogłaby spędzić całe życie tworząc ważne dzieła abstrakcyjne, gdyby tylko chciała. W końcu te obrazy wydają się tak świeże i współczesne, jakby zostały namalowane wczoraj. Ale ekscytujące jest też myślenie, że te prace reprezentują moment tuż przed tym, jak Schapiro dramatycznie zmieniła historię sztuki, odchodząc od tego, co pewne, i zagłębiając się w wtedy jeszcze nieopisaną historię sztuki feministycznej.
Miriam Schapiro - Widok instalacji, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, Kalifornia, 2017
Zdjęcie główne: Miriam Schapiro - Widok instalacji, Honor Fraser Gallery, Los Angeles, Kalifornia, 2017
Wszystkie zdjęcia dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery
Autor: Phillip Barcio
