Definiowanie Abstrakcji Lirycznej

Abstrakcja Liryczna to pozornie samodefiniujący się termin, a jednak przez pokolenia jego pochodzenie i znaczenie były przedmiotem debat. Amerykański kolekcjoner sztuki Larry Aldrich użył tego terminu w 1969 roku, aby zdefiniować charakter różnych dzieł, które niedawno zebrał i które jego zdaniem sygnalizowały powrót do osobistej ekspresji i eksperymentowania po Minimalizmie. Jednak francuski krytyk sztuki Jean José Marchand użył wariacji tego terminu, Abstraction Lyrique, dziesięciolecia wcześniej, w 1947 roku, aby odnieść się do pojawiającego się europejskiego trendu w malarstwie podobnego do Ekspresjonizmu Abstrakcyjnego w USA. Oba użycia tego terminu odnosiły się do sztuki, która charakteryzowała się swobodnymi, emocjonalnymi, osobistymi kompozycjami niezwiązanymi z obiektywną rzeczywistością. Ale te tendencje można prześledzić jeszcze dalej, przynajmniej do pierwszej dekady XX wieku i prac Wassily'ego Kandinsky'ego. Aby odkryć prawdziwe korzenie i znaczenie Abstrakcji Lirycznej oraz zrozumieć, jak wchodzić w interakcje z jej tendencjami w sztuce, musimy spojrzeć na najwcześniejsze dni sztuki abstrakcyjnej.

Wkładanie Liryki w Liryczną Abstrakcję

W latach 10. XX wieku kilka różnych grup artystów flirtowało z abstrakcją, każda z unikalnej perspektywy. Artyści kubistyczni i futuryści pracowali z obrazami z rzeczywistego świata, zmieniając je w koncepcyjny sposób, aby wyrazić abstrakcyjne idee. Artyści suprematyzmu i konstruktywizmu pracowali z rozpoznawalnymi formami w swojej sztuce, ale używali ich w niejednoznaczny lub symboliczny sposób, lub w sposób, który próbował przekazać uniwersalia. Jednak inna grupa artystów podchodziła do abstrakcji z zupełnie innej perspektywy niż reszta.

Uosabiany przez Wassily'ego Kandinsky'ego, ta grupa podeszła do abstrakcji z perspektywy, że nie wiedzieli, jakie znaczenie może mieć to, co malowali. Mieli nadzieję, że poprzez swobodne malowanie, bez uprzednich pojęć estetycznych czy obiektywnego świata, coś nieznanego mogłoby być wyrażone w ich pracy. Kandinsky porównał swoje obrazy do kompozycji muzycznych, które komunikowały emocje w całkowicie abstrakcyjny sposób. Jego abstrakcyjne obrazy były pomysłowe, emocjonalne, ekspresyjne, osobiste, pełne pasji i całkowicie subiektywne; innymi słowy, liryczne.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Liryczna Abstrakcja Po Wojnie

Liryczna Abstrakcja Kandinsky'ego kontrastowała z wieloma innymi tendencjami sztuki abstrakcyjnej lat 20. i 30. Jego sztuka nie była ściśle związana z żadną religią, ale miała w sobie coś wyraźnie duchowego. Inni artyści związani z takimi stylami jak De Stijl, Art Concrete i Surrealizm tworzyli sztukę, która była świecka i sprzyjała obiektywnej, akademickiej interpretacji. Kandinsky poszukiwał czegoś, co nigdy nie mogło być w pełni zdefiniowane ani wyjaśnione. Wyrażał swoje osobiste połączenie z tajemnicami wszechświata w otwarty sposób. To było jakby wynalazł rodzaj duchowego egzystencjalizmu.

Egzystencjalizm był filozofią, która zyskała na znaczeniu po II wojnie światowej, kiedy ludzie zmagali się z próbą zrozumienia tego, co postrzegali jako bezsensowność życia. Krytyczni myśliciele nie mogli uwierzyć, że może istnieć wyższa siła, która pozwoliłaby na rodzaj zniszczenia, którego właśnie byli świadkami. Ale zamiast stać się nihilistami w oczywistej nieobecności boga, egzystencjaliści próbowali przepracować ogólną bezsensowność życia, poszukując osobistego sensu. Jak napisał egzystencjalistyczny autor Jean-Paul Sartre w swojej książce Bycie i nicość w 1943 roku: „Człowiek jest skazany na wolność; jest odpowiedzialny za wszystko, co robi.” Poszukiwanie tego, co jest zasadniczo osobiste, miało kluczowe znaczenie dla egzystencjalizmu, a także dla szerokiego ponownego pojawienia się Abstrakcji Lirycznej po II wojnie światowej.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Pod innymi nazwami

W latach 40. i 50. XX wieku pojawiło się wiele ruchów sztuki abstrakcyjnej, które w jeden sposób lub inny opierały się na subiektywnym wyrazie osobistym jako podstawie do wyrażania znaczenia w sztuce. Abstrakcja Liryczna, Sztuka Informel, Tachizm, Sztuka Brut, Ekspresjonizm Abstrakcyjny, Sztuka Pola Kolorów oraz nawet sztuka konceptualna i performatywna w pewnym stopniu mogą być śledzone do tego samego ogólnego egzystencjalnego poszukiwania. Jeden z najbardziej wpływowych krytyków sztuki tego czasu, Harold Rosenberg, zrozumiał to, gdy napisał: „Dziś każdy artysta musi podjąć się wynalezienia siebie... Znaczenie sztuki w naszym czasie płynie z tej funkcji samokreacji.”

Ale wraz ze zmianą kultury w następnej generacji wiele z tych egzystencjalnych tendencji w sztuce straciło na znaczeniu. I ponownie bezemocjonalne, konkretne, geometryczne podejście do sztuki abstrakcyjnej, uosabiane przez Minimalizm, zajęło ich miejsce. Ale nie wszyscy artyści porzucili tradycję liryczną. Pod koniec lat 60. sytuacja znów się zmieniła. Jak zauważył Larry Aldrich, który w 1969 roku ponownie ukuł termin Liryczna Abstrakcja, "Na początku zeszłego sezonu stało się jasne, że w malarstwie następuje ruch w stronę mniej geometrycznych, twardych krawędzi i minimalizmu, w kierunku bardziej lirycznych, zmysłowych, romantycznych abstrakcji w kolorach, które były łagodniejsze i bardziej żywe... Dotyk artysty jest zawsze widoczny w tym rodzaju malarstwa, nawet gdy obrazy są tworzone za pomocą pistoletów natryskowych, gąbek lub innych przedmiotów."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Współczesna Liryczna Abstrakcja

Jest oczywiste, że, jak to często bywa w przypadku ruchów w sztuce, tendencje definiujące Liryczną Abstrakcję istniały przed wprowadzeniem tego terminu. W pierwszych dekadach XX wieku artyści tacy jak Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee i Wols po raz pierwszy ucieleśnili liryczne tendencje w abstrakcji. A dekady później artyści tacy jak Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages i Joan Mitchell następnie je kontynuowali. Następnie, pod koniec lat 60. i 70., artyści tacy jak Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko i dziesiątki innych ożywili i rozszerzyli znaczenie tej pozycji.

W 2015 roku zmarł jeden z najbardziej fascynujących głosów współczesnej Abstrakcji Lirycznej, hiszpański artysta Laurent Jiménez-Balaguer. Jednak jego koncepcje, teorie i techniki wciąż manifestują się w potężny sposób w pracach takich artystów jak Margaret Neill, której instynktowne kompozycje lirycznych, splecionych linii zapraszają widza do subiektywnego uczestnictwa w osobistym znaczeniu, oraz Ellen Priest, której prace ożywiają jej całe życie i trwającą osobistą estetyczną rozmowę z muzyką jazzową. To, co łączy wszystkich tych artystów w wspólnym więzi, to fundamentalne poszukiwanie Abstrakcji Lirycznej: wyrażenie czegoś osobistego, subiektywnego i emocjonalnego oraz zrobienie tego w poetycki, abstrakcyjny sposób.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Obraz wyróżniony: Margaret Neil - Switchback (szczegół).
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio