Definiowanie Abstrakcji Lirycznej

Liryczna Abstrakcja to pozornie samowyjaśniające się określenie, a jednak przez pokolenia jego pochodzenie i znaczenie były przedmiotem dyskusji. Amerykański kolekcjoner sztuki Larry Aldrich użył tego terminu w 1969 roku, aby określić charakter różnych dzieł, które niedawno zgromadził, a które według niego sygnalizowały powrót do osobistej ekspresji i eksperymentowania po minimalizmie. Jednak francuski krytyk sztuki Jean José Marchand użył wariantu tego terminu, Abstraction Lyrique, dekady wcześniej, w 1947 roku, aby odnieść się do pojawiającego się europejskiego nurtu w malarstwie podobnego do abstrakcyjnego ekspresjonizmu w USA. Oba użycia terminu odnosiły się do sztuki charakteryzującej się swobodnymi, emocjonalnymi, osobistymi kompozycjami niezwiązanymi z obiektywną rzeczywistością. Jednak te tendencje można prześledzić jeszcze dalej, przynajmniej do pierwszej dekady XX wieku i twórczości Wassily’ego Kandinsky’ego. Aby odkryć prawdziwe korzenie i znaczenie Lirycznej Abstrakcji oraz zrozumieć, jak obcować z jej tendencjami w sztuce, musimy sięgnąć do najwcześniejszych dni sztuki abstrakcyjnej.

Umieszczenie liryczności w Lirycznej Abstrakcji

W latach 10. XX wieku kilka różnych grup artystów flirtowało z abstrakcją, każda z unikalnej perspektywy. Kubistyczni i futuryści pracowali z obrazami ze świata rzeczywistego, przekształcając je w sposób koncepcyjny, by wyrazić abstrakcyjne idee. Suprematyści i konstruktywiści używali w swojej sztuce rozpoznawalnych form, ale w sposób niejednoznaczny lub symboliczny, albo próbując przekazać uniwersalia. Jednak inna grupa artystów podchodziła do abstrakcji z zupełnie innej perspektywy niż reszta.

Uosobiony przez Wassily’ego Kandinsky’ego, ten nurt podchodził do abstrakcji z założeniem, że nie wiedzą, jakie znaczenie może mieć to, co malują. Mieli nadzieję, że poprzez swobodne malowanie, bez uprzednich wyobrażeń o estetyce czy świecie obiektywnym, coś nieznanego może zostać wyrażone przez ich dzieła. Kandinsky porównywał swoje obrazy do kompozycji muzycznych, które przekazywały emocje w całkowicie abstrakcyjny sposób. Jego abstrakcyjne obrazy były pełne wyobraźni, emocji, ekspresji, osobiste, namiętne i całkowicie subiektywne; innymi słowy, liryczne.

Wassily Kandinsky - Kompozycja 6, 1913. Olej na płótnie. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Muzeum Ermitażu, Petersburg

Liryczna Abstrakcja po wojnie

Liryczna Abstrakcja Kandinsky’ego kontrastowała z wieloma innymi tendencjami abstrakcyjnej sztuki lat 20. i 30. Jego sztuka nie była ściśle związana z żadną religią, ale miała coś wyraźnie duchowego. Inni artyści związani ze stylami takimi jak De Stijl, Art Concrete i surrealizm tworzyli sztukę świecką, nadającą się do obiektywnej, akademickiej interpretacji. Kandinsky poszukiwał czegoś, co nigdy nie mogło być w pełni zdefiniowane ani wyjaśnione. Wyrażał swoją osobistą więź z tajemnicami wszechświata w sposób otwarty. To było jak wynalezienie rodzaju duchowego egzystencjalizmu.

Egzystencjalizm to filozofia, która zyskała na znaczeniu po II wojnie światowej, gdy ludzie zmagali się ze zrozumieniem tego, co postrzegali jako bezsens życia. Krytyczni myśliciele nie mogli uwierzyć, że istnieje wyższa siła, która pozwoliłaby na zniszczenia, których właśnie byli świadkami. Jednak zamiast popaść w nihilizm w obliczu pozornego braku boga, egzystencjaliści próbowali przepracować ogólny bezsens życia, poszukując osobistego sensu. Jak napisał egzystencjalistyczny autor Jean-Paul Sartre w swojej książce Bycie i nicość z 1943 roku: „Człowiek jest skazany na wolność; jest odpowiedzialny za wszystko, co robi.” Poszukiwanie tego, co zasadniczo osobiste, było kluczowe dla egzystencjalizmu, a także dla szerokiego odrodzenia Lirycznej Abstrakcji po II wojnie światowej.

Wassily Kandinsky - Ostatni sąd, 1912. Kolekcja prywatna

Pod innymi nazwami

W ciągu lat 40. i 50. XX wieku pojawiło się wiele ruchów sztuki abstrakcyjnej, które w taki czy inny sposób opierały się na subiektywnej, osobistej ekspresji jako podstawie wyrażania znaczenia w sztuce. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachizm, Art Brut, abstrakcyjny ekspresjonizm, malarstwo pola barw a nawet sztuka konceptualna i performatywna – wszystkie, w pewnym stopniu, można było sprowadzić do tego samego ogólnego egzystencjalnego poszukiwania. Jeden z najbardziej wpływowych krytyków sztuki tamtego czasu, Harold Rosenberg, rozumiał to, gdy pisał: „Dziś każdy artysta musi podjąć się wynalezienia samego siebie... Znaczenie sztuki w naszych czasach wypływa z tej funkcji samostworzenia.”

Jednak wraz ze zmianą kultury w kolejnych pokoleniach wiele z tych egzystencjalnych tendencji w sztuce straciło na popularności. I ponownie na miejsce tych tendencji wkroczyło beznamiętne, konkretne, geometryczne podejście do sztuki abstrakcyjnej, uosabiane przez minimalizm. Ale nie wszyscy artyści porzucili tradycję liryczną. Pod koniec lat 60. fala znów się odwróciła. Jak zauważył Larry Aldrich, który ukuł na nowo termin Liryczna Abstrakcja w 1969 roku: „Na początku zeszłego sezonu stało się jasne, że w malarstwie następuje odejście od geometrycznego, ostrego i minimalistycznego w stronę bardziej lirycznych, zmysłowych, romantycznych abstrakcji w kolorach miększych i bardziej żywych... Dotyk artysty jest zawsze widoczny w tego typu malarstwie, nawet gdy obrazy powstają za pomocą pistoletów natryskowych, gąbek lub innych przedmiotów.”

Jean-Paul Riopelle - Kompozycja, olej na płótnie, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Współczesna Liryczna Abstrakcja

Jest oczywiste, że, jak często bywa w ruchach artystycznych, tendencje definiujące Liryczną Abstrakcję istniały już przed ukuciem tego terminu. W pierwszych dekadach XX wieku artyści tacy jak Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee i Wols jako pierwsi ucieleśnili liryczne tendencje w abstrakcji. A dekady później artyści tacy jak Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages i Joan Mitchell kontynuowali je dalej. Następnie, pod koniec lat 60. i w latach 70., artyści tacy jak Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko i dziesiątki innych ożywili i rozszerzyli znaczenie tego nurtu.

W 2015 roku zmarł jeden z najbardziej fascynujących głosów we współczesnej Lirycznej Abstrakcji, hiszpański artysta Laurent Jiménez-Balaguer. Jednak jego koncepcje, teorie i techniki nadal przejawiają się w potężny sposób w pracach takich artystów jak Margaret Neill, której instynktowne kompozycje lirycznych, splecionych linii zapraszają widza do subiektywnego udziału w osobistym znaczeniu, oraz Ellen Priest, której twórczość ożywia jej wieloletnią i ciągłą, osobistą estetyczną rozmowę z muzyką jazzową. To, co łączy wszystkich tych artystów w wspólnej więzi, to podstawowe dążenie Lirycznej Abstrakcji: wyrazić coś osobistego, subiektywnego i emocjonalnego, i uczynić to w poetycki, abstrakcyjny sposób.

Ellen Priest - Studium tańca delfina 15.

Zdjęcie główne: Margaret Neil - Switchback (szczegół).
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio