Brice Marden i kaligraficzne traktowanie linii

Oprócz tradycyjnych pędzli, na stole w nowojorskiej pracowni Brice'a Mardena leży dziesiątki patyków. Zwykłe patyki z gałęzi drzew, z tym że każdy patyk jest pomalowany na jednym końcu, w wyniku zanurzenia w atramencie. Marden rysuje nimi, tworząc gesturalne symbole w kolumnach i wierszach na papierze, w kompozycjach przypominających poezję pisaną na zwoju. Rysowane intuicyjnie z wyobraźni Mardena, symbole są częściowo inspirowane chińską kaligrafią. Są również wpływane przez obiekty zwane gongshí, znane również jako chińskie kamienie uczonych. Kamienie gongshí znajdują się w naturze, a raczej są wybierane z natury. Ceni się je za ich abstrakcyjne właściwości fizyczne i są używane przez uczonych do celów kontemplacyjnych. Wiele można się nauczyć, badając ich formy, zmarszczki, perforacje, asymetryczną równowagę, połysk ich powierzchni, ich cechy teksturalne, kolory i ich podobieństwo do naturalnych rzeczy. Tak jak w obrazach, które tworzy Marden, potencjały w gongshí czekają na odkrycie, ukryte na widoku w warstwach i liniach.

Obraz samolotu

Brice Marden zyskał uznanie jako malarz w latach 60. XX wieku. Otrzymał tytuł magistra sztuki (MFA) na Uniwersytecie Yale w 1963 roku i w tym samym roku przeprowadził się do Nowego Jorku. Szybko zaoferowano mu pracę jako ochroniarz w Muzeum Żydowskim. Tam mógł studiować prace swoich najbardziej utalentowanych współczesnych. W tym okresie wielu jego kolegów artystów odczuwało ogólne zniechęcenie do malarstwa. Niektórzy szydzili z wiekowego prostokątnego płótna i eksperymentowali z płótnami uformowanymi w nietypowe kształty. A wielu artystów wręcz ogłaszało, że malarstwo jest martwe.

Ale Marden nie mógł się bardziej nie zgodzić. Jego zdaniem malarstwo miało jeszcze wiele do zrobienia. Około 1964 roku zaczął koncentrować swoją uwagę na płaszczyźnie obrazu. Mówiąc inaczej, płaszczyzna odnosi się do całości powierzchni obrazu. Wszystko, co malarz dodaje do obrazu, istnieje w obrębie płaszczyzny. Duża część modernizmu koncentrowała się na spłaszczaniu płaszczyzny tak bardzo, jak to możliwe, eliminując perspektywę, popychanie i ciągnięcie, lub cokolwiek, co mogłoby dodać głębi obrazowi. Aby osiągnąć szczyt tego celu, Marden zaczął malować monochromy, które uważał za ostateczną manifestację płaskości. Swoją wersję monochromu nazwał Obrazem Płaszczyzny, ponieważ, jak powiedział, „płaszczyzna była obrazem”.

Brice Marden - Obraz Dylana, 1966. Olej i wosk pszczeli na płótnie. 153,35 x 306,07 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

W pochwałę prostokątów

Jeśli chodzi o pogardę, jaką malarze lat 60. odczuwali wobec prostokątnego płótna, Brice Marden zdecydowanie nie należy do obozu nienawidzących. Uważa prostokąt za ostateczny kształt dla obrazu. W wywiadzie dla National Gallery of Art w 2014 roku powiedział: „Prostokąt to wspaniały ludzki wynalazek. W latach 60. było wiele takich malowanych kształtów. Ale naprawdę lubiłem prostokąt. I myślałem, że jeśli uda się uzyskać dokładnie odpowiedni kolor dla tego kształtu, i naprawdę miałeś to dobrze, jeśli miałeś absolutną poprawność formy, Bóg wie, co ten obraz byłby w stanie zrobić.”

Ta idea, że obraz może działać, ujawnia w Mardenie głęboko zakorzeniony szacunek do sztuki w ogóle, a w szczególności do malarstwa. W latach, gdy tworzył swoje monochromy, toczyła się szersza dyskusja na temat tego, czym jest sztuka i czym może być. Popularna idea głosiła, że sztuka może być wszystkim, a wszystko potencjalnie jest sztuką. Marden się z tym nie zgadzał. Bronił sztuki jako humanistycznego przedsięwzięcia, upierając się, że dzieło sztuki musi być stworzone przez ludzkie ręce. W latach 60. i 70. zyskał reputację broniąc malarstwa poprzez swoje odważne monochromy malowane na bezwstydnych prostokątach. Ta praca uczyniła go sławnym, a do 1975 roku był uważany za jednego z mistrzów Minimalizmu i otrzymał indywidualną retrospektywę w Guggenheimie w Nowym Jorku.

Brice Marden - Pory roku, 1974-75. Olej na płótnie. 243,8 x 632,5 cm. Kolekcja Menil, Houston, TX. © Brice Marden

Zachód spotyka Wschód

W miarę jak Marden osiągał szczyt swojej sławy w latach 70., zaczynał również poszukiwać nowych kierunków, w które mógłby skierować swoją sztukę. Na początku lat 80. znalazł inspirację, której szukał, kiedy seria spotkań z kulturą wschodnią pomogła mu zainspirować się do nowego związku z malowanym obrazem. W szczególności zwrócił uwagę na chińską kaligrafię, podziwiając zarówno gesturalne linie poszczególnych symboli, jak i siatkową jakość kolumn i wierszy pisanych coupletów.

Rozpoczął serię obrazów, opartych na estetyce kaligrafii, zwanych Obrazami Zimnej Góry. Aby je stworzyć, malował warstwę intuicyjnych, abstrakcyjnych symboli kaligraficznych, a następnie zdzierał farbę i malował kolejną warstwę symboli, powtarzając ten proces, aż kompozycja została rozwiązana. Nazwa Zimna Góra została zainspirowana Wierszami Zimnej Góry, serią setek wierszy napisanych przez hermetycznego chińskiego mnicha o imieniu Hanshan w IX wieku. Surowa paleta i kaligraficzny wygląd obrazów nawiązują do estetyki zwojów wierszy, podczas gdy ich gesturalne, warstwowe obrazy przywołują ducha wierszy, które wyrażały wolność, naturę i dążenie do harmonii.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Most), 1989-1991. Olej na lnie. 108 × 144 cali. 274,3 × 365,8 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Uczony rządzi

Oprócz kaligrafii, innym głównym wschodnim wpływem na Mardena było jego spotkanie z gongshí, czyli chińskimi kamieniami uczonych. Mówi się, że w tych kamieniach widoczny jest cały świat i całe życie. W ostatnich latach Marden zgromadził kolekcję kamieni uczonych w swoim studiu. Bada ich zawiłości, wzory, warstwy, relacje kolorów oraz złożone harmonie, które w nich dostrzega. Te obserwacje zaowocowały serią obrazów zatytułowaną Czerwone Kamienie.

W obrazach Red Rocks Marden ponownie pracuje w warstwach, tworząc formy liniowe, skrobiąc je, malując na nowo i stopniowo nakładając farbę, aż obraz się wykrystalizuje. Ostateczne formy w tych obrazach wydają się bardziej bezpośrednio odnosić do naturalnych form widocznych w kamieniach. Ale wciąż zawierają gestualną energię jego kaligraficznych znaków, nadając kompozycjom stałe poczucie ruchu.

Brice Marden - Pomarańczowe Skały, Czerwona Ziemia 3, 2000-2002. Olej na lnie. 75 x 107 cali. © Brice Marden

To wszystko jest w malowaniu

Dodatkowo w jego malarstwie Red Rock, Marden rozszerza swoje użycie linii na najdalsze krawędzie płótna, używając linii jako sposobu na zarysowanie krawędzi ramy, co wzmacnia poczucie prostokątnych granic dzieła. Mówiąc ostatnio o tych pracach, zauważył, że jego wybór użycia linii w ten sposób odnosi się do pytań o naturę obrazów i to, jak są interpretowane. Powiedział: „Ten obraz nie jest szczegółem. Ten obraz jest sam w sobie. Nic się nie dzieje poza nim. O to chodzi w całej tej ramie.”

To stwierdzenie, że nic nie dzieje się poza obrazem, a wszystko, co istotne, jest w nim zawarte, jest kluczowe dla przewodnich tematów wschodnich tradycji, które inspirowały kaligraficzne prace Mardena. Jest to alternatywa dla kulturowego postrzegania, że ludzie w jakiś sposób istnieją poza naturą i mogą działać niezależnie od niej. Rzeczywistość jest taka, że ludzie są częścią natury, a nie oddzieleni od niej, obserwując ją z zewnątrz. Wszystko jest w naturze, w tym my. Nic nie dzieje się poza nią.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olej na płótnie. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). Kolekcja MoMA. Częściowy i obiecany dar Kathy i Richarda S. Fulda, Jr. © 2019 Brice Marden / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Rozmyte linie

Patrząc na ostatnie sześć dekad pracy Brice'a Mardena, można dostrzec spójności, które przewijają się przez całość jego twórczości. Jego paleta jest konsekwentnie stonowana, a on sam nieustannie przyjmuje prostokąty, zarówno bezpośrednio w swoich monochromatycznych pracach z prostokątnymi panelami, jak i pośrednio w swoich kaligraficznych kompozycjach liniowych. Ale były też głębokie zmiany, ponieważ przeszedł od dążenia do całkowitej płaskości w Plane Image do przyjęcia warstwowego poczucia głębi w swojej pracy liniowej.

Dla Mardena te zmiany reprezentują element malarstwa, który ceni. Każde malowidło, które ogląda z każdego etapu swojej kariery, przypomina mu, kim był w tamtym czasie. Możliwość powrotu i spotkania się z tymi dziełami daje mu poczucie, że jest zakorzeniony w czymś niezmiennym, mimo ciągłych zmian. Jak kiedyś wyraził to: „Jedną z rzeczy w malarstwie jest to, że pozostaje takie samo. I możesz do niego wrócić. I za każdym razem, gdy do niego wracasz, jesteś inny, ale ono jest takie samo. To jest rzecz stabilna."

Obraz wyróżniony: Brice Marden - Druga litera, Zen Spring (szczegół), 2006 – 2009. Olej na lnie. © Brice Marden
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio