Wibracja i energia w obrazach Joana Mitchella

Kiedy patrzymy na obraz Joan Mitchell, widzimy obraz wolności. Widzimy namacalny wyraz porzucenia. Mitchell podchodziła do aktu malowania z miejsca całkowitej swobody, bez planu czy ostatecznego zamysłu. To, co ostatecznie pojawiło się na płótnie, pochodziło z jej intuicji i było natychmiastowym odbiciem jej prawdy. Mogła to być radość, którą czuła, albo złość, albo strach; mogło to być wyobrażenie złożone z fragmentów wspomnienia, które nosiła w głowie, lub ukochany krajobraz, który miała w sercu. Gdy spotykamy się z jej obrazami, podczas szybkiego lub przypadkowego spojrzenia, możemy czuć to, co czuła Mitchell, albo nie. Możemy rozpoznać dokładne znaczenie, które chciała przekazać, albo nie. Ale energia, która przepływała przez nią z każdym pociągnięciem pędzla, krzyczy do nas. Zatrzymuje nas w przestrzeni i przemawia do tego pierwotnego w nas, co rozpoznaje ją jako to, czym jest: żywym, ponadczasowym, uniwersalnym echem miłości, straty, radości, strachu, dumy i bólu.

Podejmowanie działania

Każde pociągnięcie pędzla wykonane przez malarza jest wynikiem ruchu fizycznego. Jednak nie każde pociągnięcie pędzla potrafi przekazać ten ruch widzom. Niektóre pociągnięcia pędzla celowo ukrywają ruch, który je stworzył, i ignorują fakt, że brała w tym udział ludzka ręka. To jedna z cech charakterystycznych malarzy akcji, którzy potrafią na powierzchni płótna oddać siłę i energię ruchu swojego ciała w przestrzeni. Joan Mitchell była malarką akcji, członkinią tego, co uważa się za drugie pokolenie artystów abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Jednak nie zaczynała kariery skupiona na geście i ruchu, ani na abstrakcji, a nawet niekoniecznie na malarstwie. Podczas nauki w Instytucie Sztuki w Chicago była utalentowaną artystką figuratywną, która zdobywała nagrody za litografię.

Jednak Mitchell zawsze była osobą bardzo fizyczną. W liceum w Chicago była zawodniczką na poziomie krajowym, zajmując nawet czwarte miejsce w Mistrzostwach USA w łyżwiarstwie figurowym. Kontuzja kolana zakończyła jej karierę sportową. Po ukończeniu Instytutu Sztuki w Chicago w 1947 roku przeprowadziła się do Nowego Jorku, gdzie zetknęła się z twórczością gesturalnych malarzy abstrakcyjnych, takich jak Arshile Gorky i Jackson Pollock. Natychmiast włączyła fizyczność do swojej techniki malarskiej. Do 1951 roku wykształciła dojrzały, abstrakcyjny styl gesturalny, zaprzyjaźniła się z kilkoma artystami pierwszego pokolenia abstrakcyjnego ekspresjonizmu, takimi jak Will de Kooning i Franz Kline, a na zaproszenie dołączyła nawet do ich prestiżowego Klubu Ósmej Ulicy, który organizował spotkania i wykłady artystów.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Olej na płótnie. 6' 5 7/8" x 9' (197,9 x 274 cm). Kolekcja Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA), Nowy Jork. © Majątek Joan Mitchell

Krajobrazy Joan Mitchell

Dorastając zaledwie kilka przecznic od brzegów Jeziora Michigan w centrum Chicago, Joan Mitchell od młodości rozwijała głębokie emocjonalne przywiązanie do linii horyzontu, gdzie woda spotyka się z niebem. Jako dorosła, mieszkająca na przemian na francuskiej wsi oraz na Hamptons, rozwinęła również wielką miłość do wiejskich pejzaży. Chociaż jej dojrzałe dzieła uważane są za abstrakcyjne, często określała siebie jako malarkę pejzaży. Wiele jej obrazów miało w tytule słowo „pejzaż” lub nosiło nazwy malowniczych miejsc bliskich jej sercu.

W wielu jej obrazach można znaleźć wizualne wskazówki kompozycji, form lub palet kolorów sugerujących naturalny krajobraz, a nawet słabe echa linii horyzontu. Jednak pejzaże malowane przez Mitchell nie były figuratywnymi próbami uchwycenia świata przyrody. Raczej Mitchell internalizowała uczucia, które odczuwała będąc w miejscach jej bliskich. Miała wyrafinowane poczucie estetyki i związek z nostalgią, dążąc do uchwycenia koloru, równowagi i harmonii swoich ukochanych pejzaży, jednocześnie przekazując energię i osobiste emocje, które z nimi wiązała w pamięci.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, olej na płótnie (dyptyk), Fundacja Joan Mitchell, Nowy Jork. © Majątek Joan Mitchell

Komplementarne przeciwieństwa

Wielka część siły, którą wyczuwamy w obrazach Joan Mitchell, wydaje się związana z ideą przeciwstawnych sił. Jednym z wyraźnych przykładów jest sposób, w jaki odeszła od tzw. stylu malarstwa „all-over”, w którym całe płótno pokryte jest abstrakcyjnym obrazem, na rzecz bardziej tradycyjnego podejścia kompozycyjnego figura-tło, z dużymi obszarami białego lub niegruntowanego płótna. Jednak zamiast widzieć w jej kompozycjach figura-tło działanie sił przeciwstawnych, trafniej jest powiedzieć, że siły te się uzupełniają. Nie sprzeciwiają się sobie ani nie opierają się nawzajem. Figura i tło zmieniają role, wyjaśniając się nawzajem i wymieniając wpływ na spojrzenie widza.

Podobnie inne widoczne przeciwieństwa w jej dziełach działają w ten sam sposób. Delikatne pociągnięcia pędzla uzupełniają agresywne, definiując się nawzajem przez swoje względne różnice; gęste, warstwowe, impastowe powierzchnie nadają obecność swoim płaskim odpowiednikom; geometryczne lub biomorficzne formy są wywyższane przez liryczne abstrakcyjne znaki. Jednocząca esencja przebiegająca przez twórczość Joan Mitchell nie jest opozycją, lecz zaangażowaniem w świat komplementarnych relacji budujących harmonijną całość.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Olej na płótnie. Fundacja Joan Mitchell, Nowy Jork. © Majątek Joan Mitchell

Abstrakcja niedojrzała

W trakcie swojej kariery Joan Mitchell kilkakrotnie zmieniała estetykę. Każda zmiana była związana albo ze zmianą miejsca zamieszkania, albo z osobistymi okolicznościami. Jednym z największych okresów zmian był dla niej czas lat 60., kiedy w ciągu kilku lat straciła oboje rodziców i bliskiego przyjaciela. Kolejna zmiana nastąpiła w latach 80., gdy zdiagnozowano u niej raka. Choć każda zmiana estetyczna wydaje się wyrażać różne, wyraźne niuanse emocjonalne, żadna nie wydaje się końcem czegoś. Każda ewolucja w jej twórczości niesie ze sobą poczucie niedojrzałości; zarodkową obietnicę czegoś nowego i jeszcze nieukształtowanego.

Po dekadzie strat, jaką przeżyła w latach 60., Mitchell zwróciła się ku geometrycznej figuracji, a potem szybko znów zmieniła kierunek, wracając do malarstwa „all-over”. Jej paleta zmieniła się na głębokie zielenie i żywe żółcie, odzwierciedlające kolory natury. W latach 80. paleta zmieniła się na bardziej czyste i podstawowe kolory: błękity, pomarańcze, zielenie i czerwienie. Jej pociągnięcia pędzla stały się krótkie i masywne, naelektryzowane, niemal wibrujące. Każda nowa faza przekazuje ideę nowego, nieokreślonego początku i jest zatem z natury komunikatem czegoś pełnego nadziei i nowego.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Olej na płótnie. Kolekcja prywatna. © Majątek Joan Mitchell

Odpuścić

We wszystkich etapach swojej twórczości obecne jest trwałe poczucie energii i żywotności w obrazach Joan Mitchell, czy to przez jej pociągnięcia pędzla, kompozycje, harmonie czy użycie komplementarnych przeciwieństw. Ta energia nadal inspiruje trzecie pokolenie malarzy abstrakcyjnego ekspresjonizmu działających dziś, takich jak Francine Tint. Informuje także twórczość współczesnych abstrakcjonistów gestualnych, takich jak Ellen Priest.

W dziełach tych malarzy otwiera się wszechświat emocji, zawsze wahający się między najciemniejszą a najjaśniejszą energią, między najbardziej agresywną a najbardziej spokojną, wyskakując z powierzchni ich obrazów z gorączkowym poczuciem natychmiastowości. Mitchell kiedyś opisała źródło tej gorączkowej natychmiastowości, porównując swoje uczucia podczas malowania do orgazmu. Opisała to także jako „jazdę na rowerze bez trzymania kierownicy”. Oba opisy mówią o całkowitej radości emocjonalnego uwolnienia możliwego przy akcie całkowitego porzucenia. I oba mówią o wyrażeniu ludzkiej szczerości możliwej tylko wtedy, gdy ktoś jest wolny.

Zdjęcie główne: Joan Mitchell - Bez tytułu, 1977, olej na płótnie, Fundacja Joan Mitchell, Nowy Jork. © Majątek Joan Mitchell
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio