Dlaczego podejście Laury Owens do malarstwa jest tak innowacyjne

Nie raz słyszałem, jak artysta mówi, że Laura Owens uratowała malarstwo. To dziwne stwierdzenie. Sugeruje, że malarstwo było w niebezpieczeństwie zniszczenia w pewnym momencie, przypuszczalnie w ciągu ostatnich czterech dekad, ponieważ tyle czasu Laura Owens żyje — a zatem potrzebowało zbawcy. Takie teorie akademickie, jak te, które mówią, że malarstwo jest martwe, umiera lub nigdy nie żyło, są nie do udowodnienia, a zatem czasami mogą być zarówno komiczne, jak i bolesne do słuchania. Ale mają swój sens. Mają na celu przekazanie postawy, że sztuka musi pozostać istotna. Mówić, że malarstwo potrzebuje ratunku, oznacza po prostu, że malarstwo jest w niebezpieczeństwie stania się nieistotne. A więc powiedzenie, że Laura Owens uratowała malarstwo, oznacza, że w jakiś sposób sprawiła, że to niebezpieczeństwo ustąpiło, przynajmniej tymczasowo. Ale pytanie, które warto zadać, brzmi: do czego malarstwo ma być istotne? Społeczeństwo? Może. Ale co ważniejsze, malarstwo musi zawsze pozostawać istotne dla malarzy. Każdy nowy malarz, który myśli o wzięciu pędzla — to jest ten, kogo należy przekonać o znaczeniu i potencjale tego, co zamierzają zrobić. Kiedy ludzie mówią, że Laura Owens uratowała malarstwo, to właśnie to mają na myśli. Mają na myśli, że ten artysta, swoim przykładem, jest świadectwem tego, dlaczego ważne jest, aby ludzie wciąż sięgali po pędzle, wciąż naciągali płótna i wciąż zostawiali swoje ślady. Dlatego jest cytowana przez malarzy w każdym wieku jako inspiracja. To także powód, dla którego w 2003 roku, zaledwie dziewięć lat po ukończeniu studiów magisterskich, stała się najmłodszym artystą, któremu przyznano retrospektywę w Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles od momentu jego otwarcia w 1979 roku. I to dlatego w tym roku została wybrana na temat pierwszej retrospektywy w połowie kariery jakiegokolwiek artysty w nowej lokalizacji Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku.

Nie bój się niczego

W związku z aktualną retrospektywą Laury Owens (dostępną do 4 lutego 2018 roku), Whitney opublikowało monumentalną książkę szczegółowo opisującą każdy aspekt wkładu, jaki Owens dotychczas wniosła do sztuki. To dosłownie jedna z największych książek artystycznych w historii. Składa się z ponad 600 stron historycznych i akademickich tekstów o jej życiu i sztuce, a także zawiera setki fotografii jej prac. Jednak jest jeden wpis, który wyróżnia się jako niezbędny dla mnie, nie tylko dla zrozumienia Laury Owens jako osoby czy Laury Owens jako malarki, ale także dla zrozumienia tych, którzy uważają ją za osobistego bohatera. Tym wpisem jest kopia listy, którą Owens napisała w swoim dzienniku, gdy miała dwadzieścia kilka lat, zatytułowanej „Jak być najlepszym artystą na świecie.”

Lista, która zyskuje szybko popularność w mediach społecznościowych dzięki wzmiance w niedawnym profilu New Yorkera o Owens napisanym przez Petera Schjeldahla, zawiera porady tak proste jak „Myśl na wielką skalę” i „Mów bardzo mało”, oraz tak skomplikowane jak „Wiedz, że gdybyś nie wybrał bycia artystą, z pewnością rozważałbyś światową dominację, masowe morderstwo lub świętość.” Ale najważniejszym punktem na tej liście, moim zdaniem, jest „Nie bój się niczego.” Ten jeden nakaz zdefiniował całą dotychczasową twórczość Owens, a także zdefiniował krytykę, którą znosiła, błędy, z których się uczyła, oraz walki, z których odmówiła odejścia. To znak jej sukcesu i powód, dla którego ludzie mówią, że uratowała malarstwo.

Laura Owens - Untitled, 1997. Oil, acrylic, and airbrushed oil on canvas, 96 × 120 in. (243.8 × 304.8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P.2011.274, © the artist

Czego się bać

Pierwszą przerażającą rzeczą, która mogła łatwo zniechęcić Owens do jej kariery malarskiej, był wrodzony bias tego, co naprawdę powinno być nazywane Przemysłem Akademii Sztuki. Jako studentka w Rhode Island School of Design (RISD) zmagała się z seksizmem profesora malarstwa, który zachęcał tylko męskich malarzy w klasie do pracy abstrakcyjnie. Jako studentka w programie magisterskim w California Institute of the Arts (CalArts) miała do czynienia z krytyczną masą nauczycieli i kolegów, którzy głosili, że malarstwo jest przestarzałe, a tylko "Postkonceptualizm" może w jakikolwiek sposób zająć się złożonymi sposobami, w jakie formalizm, historia sztuki i problemy społeczne zbiegały się na brzegach współczesnego życia.

Owens zignorowała wszystkie te uprzedzenia, jeśli nie zawsze bez lęku, to przynajmniej pomimo swojego strachu — i to jest prawdziwa definicja odwagi. Założyła klub z innymi kobietami artystkami abstrakcyjnymi w RISD. I sprzeciwiła się swoim nauczycielom i kolegom z CalArts, przyjmując malarstwo jako swoje główne zmartwienie estetyczne. Tworzyła obrazy, które wyrażały jedną rzecz, która naprawdę nigdy wcześniej nie została wyrażona w malarstwie: Laura Owens. Kiedy patrzysz na zbiór prac zawartych w obecnej retrospektywie Whitney, widzisz, co wydaje się być fantastycznym zakresem stylów i tematów. Wszystko jest inne, ale wszystko jest takie samo, ponieważ wszystko jest osobiste. Jak powiedział o sobie Walt Whitman, Laura Owens zawiera mnóstwo. My wszyscy to robimy. Owens uratowała malarstwo, ponieważ przypomina nam o tym. Przypomina nam, że sposób, aby nie bać się przed płótnem, to po prostu uwolnić się, aby malować to, co jest wyjątkowo twoje. Wyraź siebie. To jest to, co robi. A zrozumienie jej pracy naprawdę jest tak proste.

Laura Owens - Untitled, 2000. Acrylic, oil, and graphite on canvas, 72 x 66 1/2 in. (182.9 x 168.9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milan (Left) and Untitled, 2006. Acrylic and oil on linen, 56 x 40 in. (142.2 x 101.6 cm). Charlotte Feng Ford Collection (Right), © the artist

356 Misja

Szczególnie odpowiednie jest to, że ta pierwsza duża retrospektywa wystawy Laury Owens od 14 lat jest organizowana przez Whitney Museum of American Art. Jest coś wyjątkowo amerykańskiego w Owens, poza faktem jej obywatelstwa. Częściowo ma to związek z jej pracą, która jest odważna i wolna — dwie solidne, charakterystyczne cechy, które są zakorzenione w psychice wszystkich amerykańskich dusz, niezależnie od tego, czy urodzili się w Ameryce, czy tam mieszkają. Ale najbardziej gorąco amerykańską rzeczą, która obecnie definiuje Owens, jest to, co robiła ostatnio poza malarstwem w swojej księgarni/galerii/przestrzeni spotkań publicznych przy 356 South Mission Road w Los Angeles.

W 2012 roku Owens poszukiwała w Los Angeles, mieście, które było jej domem od dziesięcioleci, przestrzeni odpowiednio dużej, aby zaprezentować nową serię prac – cykl obrazów tak gigantycznych, że musiałyby być konstruowane na miejscu, ponieważ byłyby absurdalnie trudne do transportu. Znalazła pusty magazyn w dzielnicy Boyle Heights w LA, który okazał się idealny. Z pomocą dwóch partnerów wynajęła tę przestrzeń i w 2013 roku zorganizowała planowaną wystawę. Miałem przyjemność uczestniczyć w tym pokazie i wyszedłem z niego z poczuciem, że właśnie zobaczyłem najpotężniejszą wystawę malarską w moim życiu. Galeria była ogromna, industrialna, a jednak przytłoczona obecnością dzieł. Przed przestrzenią znajdowała się księgarnia, a z tyłu serwowano jedzenie, grała muzyka, a ludzie rozmawiali i śmiali się.

Laura Owens - Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Left) and Untitled (detail), 2012. Acrylic, oil, vinyl paint, charcoal, yarn, and cord on hand-dyed linen, 33 panels, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) each. Collection of Maja Hoffmann/LUMA Foundation (Right), © the artist

Amerykański sposób

Po tej inauguracyjnej wystawie, Owens postanowiła kontynuować wynajem przestrzeni. Zorganizowała wystawy innych artystów, prowadziła zajęcia i wykłady oraz organizowała pokazy filmowe. A czemu nie? Przestrzeń była wolna. To Ameryka. Dlaczego ktoś nie miałby móc wynająć dowolnej przestrzeni, którą chce? Jednak jej obecność w okolicy wywołała burzę wśród niektórych mieszkańców. Owens postrzegana jest jako niepożądany okupant i zwiastun gentryfikacji. Protestujący reprezentujący wysiłki przeciw gentryfikacji w Boyle Heights zebrali się przed Muzeum Whitney, aby demonstrować przeciwko retrospektywie Owens. Regularnie protestują również przed jej przestrzenią w Boyle Heights.

Owens spotkała się z przedstawicielami grup protestacyjnych w celu osiągnięcia porozumienia, ale zażądali, aby odeszła, i nie zaakceptują niczego mniej. Chcą również, aby publicznie oświadczyła, że się myliła, przyjeżdżając tam, i że wyciągnęła wnioski. Ale Owens nie zamierza odejść. Jeszcze nie. Jest odważna. Ma prawo tam być. Ta intimidacja ze strony protestujących przeciwko gentryfikacji nie różni się od działań, które historia pokazała nam w przypadku tych, którzy zastraszają osoby kolorowe, mniejszości religijne lub uchodźców, próbując zmusić ich do nieotwierania biznesów lub niekupowania domów w "ich dzielnicach". Ameryka ma długą historię tego rodzaju nonsensu. Ale ma również długą tradycję różnorodności i oporu wobec sił dzielących. Jeśli masz szansę zobaczyć jej aktualną retrospektywę w Whitney, zrób to, nie tylko po to, aby odkryć, dlaczego Laura Owens uratowała malarstwo. Ale także, aby pokazać swoje wsparcie dla kogoś, kto ucieleśnia odwagę, pomysłowość, oryginalność i indywidualność — cztery cechy, które definiują, co to znaczy być artystą, Amerykaninem i wolnym człowiekiem.

Obraz wyróżniony: Laura Owens - Bez tytułu, 1997. Akryl i olej na płótnie, 78 x 84 cali (198,1 x 213,4 cm). Kolekcja Mimy i Césara Reyesa. © artysta

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio