Dlaczego podejście Laury Owens do malarstwa jest tak innowacyjne

Nie raz słyszałem, jak artysta mówił, że Laura Owens uratowała malarstwo. To dziwne stwierdzenie. Sugeruje, że malarstwo było kiedyś zagrożone zniszczeniem, przypuszczalnie w ciągu ostatnich czterdziestu lat, bo tyle mniej więcej żyje Laura Owens — i że dlatego potrzebowało wybawcy. Takie akademickie teorie, które mówią, że malarstwo jest martwe, umiera lub nigdy nie żyło, są nie do udowodnienia, a więc czasem mogą być zarówno komiczne, jak i bolesne do słuchania. Ale mają one swój sens. Mają przekazać postawę, że sztuka musi pozostać aktualna. Mówić, że malarstwo wymaga ratunku, oznacza po prostu, że grozi mu utrata znaczenia. A więc stwierdzenie, że Laura Owens uratowała malarstwo, oznacza, że w jakiś sposób sprawiła, iż to zagrożenie ustało, przynajmniej tymczasowo. Warto jednak zadać pytanie: wobec czego malarstwo ma być aktualne? Społeczeństwa? Być może. Ale ważniejsze jest, by malarstwo zawsze było ważne dla malarzy. Każdy nowy malarz, który myśli o sięgnięciu po pędzel — to właśnie on musi zostać przekonany o sensie i potencjale tego, co zamierza zrobić. Kiedy ludzie mówią, że Laura Owens uratowała malarstwo, mają na myśli właśnie to. Chcą powiedzieć, że ta artystka swoim przykładem jest świadectwem, dlaczego ważne jest, by ludzie nadal sięgali po pędzle, rozciągali płótna i zostawiali swoje ślady. Dlatego jest ona inspiracją dla malarzy w każdym wieku. To także powód, dla którego w 2003 roku, zaledwie dziewięć lat po ukończeniu studiów, została najmłodszą artystką, której poświęcono retrospektywę w Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles od czasu jego otwarcia w 1979 roku. I dlatego w tym roku wybrano ją na bohaterkę pierwszej retrospektywy w połowie kariery jakiegokolwiek artysty w nowej siedzibie Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku.

Nie bój się niczego

W związku z obecną retrospektywą Laury Owens (czynna do 4 lutego 2018 roku) Whitney wydało monumentalną książkę opisującą każdy aspekt wkładu, jaki Owens do tej pory wniosła do sztuki. To dosłownie jedna z największych książek o sztuce w historii. Składa się z ponad 600 stron historycznych i naukowych tekstów o jej życiu i twórczości oraz zawiera setki fotografii jej dzieł. Jednak jeden wpis w tej książce wyróżnia się dla mnie jako kluczowy nie tylko do zrozumienia Laury Owens jako osoby czy malarki, ale także do zrozumienia tych, którzy uważają ją za swojego osobistego bohatera. Tym wpisem jest kopia listy, którą Owens spisała w swoim dzienniku, gdy miała dwadzieścia kilka lat, zatytułowanej „Jak być najlepszym artystą na świecie”.

Lista, która szybko zdobywa popularność w mediach społecznościowych dzięki wzmiance w najnowszym profilu Laury Owens w New Yorkerze autorstwa Petera Schjeldahla, zawiera rady tak proste jak „Myśl szeroko” i „Mów bardzo mało”, a także tak złożone jak „Wiedz, że gdybyś nie wybrała bycia artystką, z pewnością rozważałabyś dominację nad światem, masowe morderstwa lub świętość.” Jednak najważniejszym punktem na tej liście, moim zdaniem, jest „Nie bój się niczego.” To jedno polecenie zdefiniowało całą dotychczasową twórczość Owens, a także krytykę, którą znosiła, błędy, z których się uczyła, i walki, od których nie odeszła. To znak rozpoznawczy jej sukcesu i powód, dla którego ludzie mówią, że uratowała malarstwo.

Laura Owens - Bez tytułu, 1997. Olej, akryl i olej aerografowany na płótnie, 243,8 × 304,8 cm. Whitney Museum of American Art, Nowy Jork; dar obiecany od Thea Westreich Wagner i Ethana Wagnera P.2011.274, © artystka

Czego się bać

Pierwszą przerażającą rzeczą, która mogła łatwo odstraszyć Owens od kariery malarskiej, była wrodzona stronniczość tego, co należałoby nazwać Kompleksem Akademicko-Przemysłowym Sztuki. Jako studentka Rhode Island School of Design (RISD) spotkała się z seksizmem profesora malarstwa, który zachęcał tylko męskich malarzy na zajęciach do pracy abstrakcyjnej. Jako studentka studiów magisterskich w California Institute of the Arts (CalArts) stanęła wobec krytycznej masy nauczycieli i kolegów, którzy głosili, że malarstwo jest przestarzałe, a tylko „postkonceptualizm” może odpowiednio poradzić sobie z złożonymi sposobami, w jakie formalizm, historia sztuki i kwestie społeczne łączą się na brzegach współczesnego życia.

Owens zignorowała te uprzedzenia, jeśli nie zawsze bez lęku, to przynajmniej pomimo niego — a to jest prawdziwa definicja odwagi. Założyła klub z innymi kobietami abstrakcyjnymi artystkami na RISD. I sprzeciwiła się swoim nauczycielom i kolegom na CalArts, przyjmując malarstwo jako swoje główne zainteresowanie estetyczne. Tworzyła obrazy, które wyrażały coś, co naprawdę nigdy wcześniej nie zostało wyrażone w malarstwie: Laurę Owens. Gdy patrzysz na zestaw dzieł pokazanych na obecnej retrospektywie w Whitney, widzisz, co wydaje się być fantastycznym wachlarzem stylów i tematów. Wszystko jest inne, ale wszystko jest takie samo, ponieważ wszystko jest osobiste. Jak powiedział o sobie Walt Whitman, Laura Owens zawiera wielość. My wszyscy tak mamy. Owens uratowała malarstwo, ponieważ przypomina nam o tym. Przypomina, że sposób, by nie bać się przed płótnem, to po prostu uwolnić się, by malować to, co jest unikalnie twoje. Wyraź siebie. To właśnie ona robi. I zrozumienie jej twórczości jest naprawdę tak proste.

Laura Owens - Bez tytułu, 2000. Akryl, olej i grafit na płótnie, 182,9 x 168,9 cm. Kolekcja Giuseppe Iannaccone, Mediolan (po lewej) oraz Bez tytułu, 2006. Akryl i olej na lnie, 142,2 x 101,6 cm. Kolekcja Charlotte Feng Ford (po prawej), © artystka

356 Mission

Szczególnie trafne jest, że ta pierwsza wielka retrospektywa Laury Owens od 14 lat jest organizowana przez Whitney Museum of American Art. Jest w Owens coś wyjątkowo amerykańskiego, poza samym faktem jej obywatelstwa. Częściowo ma to związek z jej twórczością, która jest odważna i wolna — dwie solidne, fundamentalne cechy wpisane w psychikę wszystkich amerykańskich dusz, niezależnie od tego, czy urodziły się w Ameryce, czy tam mieszkają. Ale najbardziej gorliwie amerykańską cechą, która obecnie definiuje Owens, jest to, co robiła ostatnio poza malarstwem w swojej księgarni/galerii/przestrzeni spotkań publicznych pod adresem 356 South Mission Road w Los Angeles.

W 2012 roku Owens szukała w Los Angeles, mieście, które było jej domem od dziesięcioleci, odpowiednio dużej przestrzeni do wystawienia nowego cyklu prac — serii obrazów tak ogromnych, że miały być tworzone na miejscu, ponieważ ich transport byłby absurdalnie trudny. Znalazła pusty magazyn w dzielnicy Boyle Heights w LA, który był idealny. Z pomocą dwóch partnerów wynajęła tę przestrzeń i w 2013 roku zorganizowała tam planowaną wystawę. Miałem przyjemność uczestniczyć w tym pokazie i wyszedłem z niego z poczuciem, że właśnie widziałem najsilniejszą wystawę malarstwa w moim życiu. Galeria była ogromna, przemysłowa, a jednak przytłoczona obecnością dzieł. Przed lokalem była księgarnia, a z tyłu serwowano jedzenie, grała muzyka, a ludzie rozmawiali i śmiali się.

Laura Owens - Bez tytułu (szczegół), 2012. Akryl, olej, farba winylowa, węgiel, włóczka i sznurek na ręcznie barwionym lnie, 33 panele, każdy 90,2 x 84,5 cm. Kolekcja Maji Hoffmann/Fundacja LUMA (po lewej) oraz Bez tytułu (szczegół), 2012. Akryl, olej, farba winylowa, węgiel, włóczka i sznurek na ręcznie barwionym lnie, 33 panele, każdy 90,2 x 84,5 cm. Kolekcja Maji Hoffmann/Fundacja LUMA (po prawej), © artystka

Amerykański sposób

Po tej inauguracyjnej wystawie Owens postanowiła kontynuować wynajem tej przestrzeni. Organizowała wystawy innych artystów, prowadziła zajęcia i wykłady oraz pokazy filmowe. I dlaczego nie? Przestrzeń była pusta. To jest Ameryka. Dlaczego ktoś nie miałby móc wynająć dowolnej przestrzeni, jaką chce? Jednak jej obecność w dzielnicy wywołała burzę wśród niektórych mieszkańców. Owens jest postrzegana jako niechciany okupant i zwiastun gentryfikacji. Protestujący reprezentujący antygentryfikacyjne wysiłki Boyle Heights zebrali się przed Whitney Museum, by demonstrować przeciw retrospektywie Owens. Regularnie protestują też przed jej lokalem w Boyle Heights.

Owens spotkała się z przedstawicielami grup protestujących, próbując osiągnąć porozumienie, ale oni zażądali, by odeszła i nie zaakceptują niczego innego. Chcą też, by publicznie przyznała, że źle zrobiła, przychodząc tam, i że wyciągnęła wnioski. Ale Owens nie odchodzi. Jeszcze nie. Jest odważna. Ma prawo tam być. To zastraszanie przez protestujących przeciw gentryfikacji nie różni się od działań, które historia pokazała wobec osób kolorowych, mniejszości religijnych czy uchodźców, próbujących zmusić ich, by nie otwierali biznesów lub nie kupowali domów w „ich dzielnicach.” Ameryka ma długą historię takich nonsensów. Ale ma też długą tradycję różnorodności i oporu wobec sił dzielących. Jeśli masz okazję zobaczyć jej obecną retrospektywę w Whitney, proszę, zrób to, nie tylko by odkryć, dlaczego Laura Owens uratowała malarstwo, ale także by okazać wsparcie komuś, kto jest przykładem odwagi, pomysłowości, oryginalności i indywidualności — czterech cech definiujących, co znaczy być artystą, Amerykaninem i wolnym człowiekiem.

Zdjęcie główne: Laura Owens - Bez tytułu, 1997. Akryl i olej na płótnie, 198,1 x 213,4 cm. Kolekcja Mimy i Cesara Reyesów. © artystka

Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio