6 Exemplos de Arte Abstrata Pública à Beira do Representacional

Às vezes, as pessoas abraçam a arte pública abstrata, e às vezes definitivamente não. Algumas obras de arte pública abstrata tornam-se partes queridas da paisagem pública; outras são incompreendidas ou até odiadas por aqueles que convivem com elas diariamente. De qualquer forma, o que frequentemente acontece é que, para compreender por que e como uma nova obra de arte pública abstrata ocupou seu espaço, o público cria uma narrativa personalizada sobre o que a obra é, o que representa ou o que significa. Algumas das obras de arte pública abstrata mais bem-sucedidas facilmente se interpretam em termos representacionais, oferecendo aos espectadores a opção de se relacionar com elas em vários níveis diferentes. Aqui estão seis obras famosas de arte pública que são amadas pelas comunidades onde estão localizadas e que existem na fronteira entre serem consideradas representacionais e abstratas.

Isamu Noguchi - Cubo Vermelho (Nova York)

Localizado no 140 Broadway, na cidade de Nova York, o “Cubo Vermelho” (1968) de Isamu Noguchi não é realmente um cubo perfeito. A forma de aço pintado de vermelho é ligeiramente distorcida, como se tivesse sido esticada. Pelo seu centro passa um túnel circular oco. A peça é fácil de relacionar em termos figurativos, já que um cubo é uma forma geométrica muito comum. No entanto, há muitos elementos abstratos e simbólicos na obra também. Abstratamente, ela contradiz seu entorno, pois as linhas de todas as estruturas ao redor são verticais e horizontais, enquanto cada aresta do “Cubo Vermelho” é diagonal. O buraco circular desafia o voyeurismo das inúmeras janelas ao redor, oferecendo um buraco para espiar o arranha-céu vizinho. Simbolicamente, Noguchi disse: “O cubo significa acaso, como o lançamento de dados”, uma referência à próxima Wall Street. O artista também observou que a forma se relaciona com blocos “feitos pelo homem”, enquanto o buraco circular se relaciona com “a radiação solar”.

 

Isamu Noguchi - Cubo Vermelho, Broadway, Manhattan, Nova York. Créditos da foto Николай Максимович

 

Sol LeWitt - Pirâmide de Quatro Lados (Washington)

Localizada no Jardim de Esculturas da Galeria Nacional de Arte em Washington, D.C., a “Pirâmide de Quatro Lados” (1999) é típica de muitas obras de LeWitt, pois a “estrutura”, como ele a chamava, foi projetada, mas não construída por ele. Uma equipe de pedreiros e engenheiros a construiu com base em suas instruções detalhadas. Simbolicamente, LeWitt disse que a forma faz referência aos arranha-céus “recuados”, uma tendência arquitetônica comum em meados do século XX que imita a forma da pirâmide. Figurativamente, qualquer pessoa poderia olhar para esta obra e supor que ela faz referência às pirâmides egípcias. Abstratamente, é profundamente conceitual, já que LeWitt pretendia que pudesse ser recriada a qualquer momento, em qualquer lugar, por qualquer pessoa. Em um sentido formal abstrato, a obra oferece uma interação infinitamente mutável de linhas, formas, padrões e volumes, à medida que a luz natural em evolução interage com as inúmeras superfícies de concreto e argamassa.

 

Sol LeWitt - Pirâmide de Quatro Lados. primeira instalação 1997, fabricada em 1999 com blocos de concreto e argamassa. dimensões totais: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 pol.). Doação da Família Donald Fisher 1998.149.1. Em exibição: Jardim de Esculturas. © Galeria Nacional de Arte

 

Henry Moore - Duas Grandes Formas (Toronto)

Originalmente instalada em 1973 na calçada em frente à Galeria de Arte de Ontário, “Duas Grandes Formas” de Henry Moore agora está em um espaço aberto próximo chamado Parque Grange. As duas formas de bronze representam o interesse de Moore na abstração biomórfica. Elas evocam referências a ossos, assim como a um par de corpos humanos interagindo no espaço. Também se assemelham a formas naturais de rochas, como as esculpidas pela erosão. Quando esta peça foi transferida para seu novo local, suas qualidades abstratas mudaram significativamente, pois pela primeira vez podia ser vista de 360 graus. Não mais ladeada por um prédio alto, ela pôde expressar suas qualidades orgânicas naturais de forma mais plena. Cercada por grama e árvores, ela se parece muito menos com duas formas humanas e muito mais convida a uma interpretação puramente abstrata.

 

Henry Moore - Duas Grandes Formas. Galeria de Arte de Ontário. Créditos da foto M. Readey

 

Anish Kapoor - Portal da Nuvem (Chicago)

Um dos exemplos mais evidentes de uma escultura pública abstrata recebendo uma interpretação representacional pelo público é o “Portal da Nuvem” (2006) de Anish Kapoor. Instalado no Millennium Park em Chicago, a escultura de aço inoxidável de 10 metros de altura foi inspirada nas qualidades visuais do mercúrio líquido. Suas tendências abstratas incluem sua presença biomórfica em meio a uma selva imponente de estruturas geométricas manufaturadas, assim como sua capacidade de distorcer os reflexos que oferece do céu, da cidade e dos transeuntes. Apesar desses aspectos, o povo de Chicago lhe deu um novo nome famoso, chamando-a de “O Feijão”, baseado inteiramente em sua forma de feijão.

 

Anish Kapoor - Portal da Nuvem, 2006. Millennium Park, Chicago. Créditos da foto Nyx Ning

 

Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Agulha, Linha e Knot (Milão)

Projetada por Claes Oldenburg e sua esposa Coosje van Bruggen, “Agulha, Linha e Knot” (2000) foi instalada em Milão, Itália, como parte da renovação de uma estação ferroviária próxima. Suas cores ecoam as da arquitetura ao redor, e sua imagem, diz Oldenburg, representa um trem passando por um túnel. Esta escultura essencialmente figurativa experimentou a reação oposta à do “Portal da Nuvem” em Chicago. Em vez de responder às suas qualidades figurativas, os moradores a admiram pela forma como suas linhas, cores e formas se contrapõem aos elementos visuais da arquitetura ao redor. Sua presença destaca as qualidades visuais formais abstratas de todo o espaço público, dando à rua, aos postes de luz e aos prédios ao redor um novo toque distintamente não figurativo.

 

Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Agulha, Linha e Knot, 2000. Milão, Itália. Aço inoxidável, plástico reforçado, gelcoat de poliéster, esmalte de poliuretano. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 pés × 65 pés × 123 pés). Créditos da foto MarkusMark

 

Alexander Calder - A Águia (Seattle)

Originalmente erguida em Fort Worth, Texas, “A Águia” (1974) de Alexander Calder claramente se assemelha a uma ave de rapina. A forma de aço pintado de vermelho, com 12 metros de altura, parece ter duas pernas, duas asas, uma cauda e um bico. No entanto, em sua localização original em frente a um arranha-céu de vidro, seus aspectos figurativos se perdiam. Em meio ao fundo imponente de aço e vidro, seu tom vívido, curvas biomórficas e múltiplos planos conferiam à peça qualidades formais abstratas dramáticas. Mas, na década de 1990, o prédio foi vendido e a escultura foi adquirida por um grupo de investidores. Foi exibida brevemente no Museu de Arte da Filadélfia, antes de os colecionadores de arte da região de Seattle, Jon e Mary Shirley, comprá-la para o Museu de Arte de Seattle. Agora está no Parque de Esculturas Olímpico à beira-mar, onde assumiu uma presença visual completamente diferente. Sem outras estruturas altas para competir, os aspectos representacionais de “A Águia” vêm imediatamente à tona, especialmente considerando os milhares de aves marinhas residentes, cujas formas graciosas e primordiais são tão belamente refletidas na obra.

 

Alexander Calder - A Águia, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 pés 9 pol × 32 pés × 32 pés 6 pol). Seattle, Washington. Proprietário: Museu de Arte de Seattle

 

Imagem em destaque: Isamu Noguchi - Cubo Vermelho, Broadway, Manhattan, Nova York. Créditos da foto Ken Lund.

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio