Um Museu na Tasmânia Reúne os Fundadores do Movimento de Arte Zero

O colecionador de arte australiano e magnata do jogo David Walsh recentemente inaugurou uma exposição marcante do movimento de arte Zero em seu Museu de Arte Antiga e Nova (MONA) em Hobart, Tasmânia. Intitulada ZERO, a exposição apresenta obras de 16 artistas de sete países, várias das quais foram instaladas pela primeira vez desde sua estreia há mais de meio século. Proporcionando ainda mais drama para os visitantes, e mais incentivo para fazer a viagem a este local remoto, está o ambiente em que esta monumental exposição está ocorrendo. O MONA é em sua maior parte subterrâneo. O edifício foi construído vários andares abaixo de um par de edifícios icônicos do arquiteto modernista australiano Roy Grounds. Ao contrário da maioria dos outros museus, que acolhem a luz natural e se esforçam para fazer os visitantes se sentirem em um espaço aberto e acolhedor, o MONA é decididamente antinatural e, às vezes, até um pouco hostil. Ao entrar, os visitantes descem para um ambiente um tanto alienígena onde a força da arquitetura muitas vezes compete com a arte que se destina a apoiar. No entanto, o espaço também leva os espectadores a buscar conforto uns nos outros e na obra. De certa forma, o cenário é ideal para mostrar o trabalho dos artistas do Zero, pois incorpora duas de suas ideias essenciais: que a arte é sobre possibilidades e o desconhecido, e que deve envolver experiências reais entre pessoas, materiais e espaço.

Salvo por Zero

O movimento Zero foi fundado por Heinz Mack e Otto Piene em 1957, a partir do desejo de recomeçar. Como muitos de seus contemporâneos, Mack e Piene buscavam escapar do passado e se afastar do egotismo e da emoção que haviam tomado conta de grande parte da arte de sua época. Em Düsseldorf, onde viviam e trabalhavam, havia poucas galerias de arte. E em outros lugares, os gostos do mercado tendiam a favorecer obras que expressavam uma espécie de "culto à individualidade", epitomizado por posições estéticas que expressavam emoção pessoal, como Tachisme, Art Informel e Expressionismo Abstrato. Mack e Piene consideravam a colaboração mais importante do que o individualismo. Eles acreditavam que o valor da arte estava na experiência que poderia ser instigada entre criadores, espectadores, materiais e ambientes. Eles sentiam que o objeto tradicional, singular, feito por um artista estava morto, e queriam instigar um novo ponto de partida a partir do qual pudessem permitir que o futuro se enraizasse.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), anos 1960; recriado em 2012. Coleção More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Agência de Direitos Autorais, 2018. Imagem cortesia do Museu de Arte Antiga e Nova (Mona)

Mack e Piene realizaram sua primeira exposição do que consideravam ser o futuro da arte em 11 de abril de 1957, em seu estúdio. Foi um evento de uma noite destinado a abraçar a efemeridade. A mostra gerou imenso interesse e foi rapidamente seguida por várias outras exposições experimentais de uma noite. Mas não foi até depois da quarta exposição, em setembro de 1957, que eles criaram a palavra Zero para descrever sua colaboração. A palavra tinha a intenção de transmitir a ideia de que o passado havia oficialmente terminado—era um ponto de partida para o futuro. Como Piene descreveu: “Nós olhamos para o termo... como uma palavra que indica uma zona de silêncio e de puras possibilidades para um novo começo, como na contagem regressiva quando os foguetes decolam—zero é a zona incomensurável na qual o antigo estado se transforma no novo.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Sala de Quebra de Garrafas), 1961; recriado em 2018. Coleção Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Direitos autorais: Adolf Luther Stiftung. Imagem cortesia do Museu de Arte Antiga e Nova (Mona)

ZERO, não Zero

Apesar da abertura do movimento, Mack e Piene tinham uma estranha concepção. Eles estipularam que, ao escrever sobre eles, os fundadores deveriam ser referidos como “Zero”, enquanto outros artistas associados deveriam ser referidos como “ZERO”. É por isso que a exposição no MONA usa todas as letras maiúsculas—porque apresenta principalmente obras da maior rede internacional de artistas que se associam à filosofia. No entanto, como o ZERO no MONA deixa claro, não havia forasteiros no movimento. Todos eram bem-vindos. Não havia um manifesto Zero, e não havia uma filiação oficial. Essa atitude resultou em uma vasta gama de trabalhos sendo criados por artistas ZERO, incorporados nesta exposição pela recriação de obras marcantes do ZERO, como “Bottle Smashing Room” (1961) de Adolf Luthor, e “Mirror Environment” (1963) de Christian Megert. A atitude acolhedora do movimento também é demonstrada nesta exposição pela inclusão de artistas de muitos outros movimentos internacionais que o Zero ajudou a inspirar, como o Gutai Group no Japão, ao Nouveau Realism em Paris, ao Light and Space nos Estados Unidos, até o movimento internacional conhecido como Fluxus. Demonstrando essas conexões estão obras raras de Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein e Yayoi Kusama, por exemplo, que destacam aspectos de sua prática que são muito diferentes do trabalho pelo qual são mais conhecidos.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Coleção Kern, Großmaischeid. Direitos autorais: Espólio de Roy Lichtenstein/Agência de Direitos Autorais, 2018. Imagem cortesia do artista e do Museu de Arte Antiga e Moderna (Mona)

Um dos aspectos mais importantes desta exposição é que ela re-focaliza a atenção contemporânea na necessidade de renovar a arte contemporânea. Embora os fundadores do Zero tenham oficialmente se desfeito em 1966, o movimento que eles iniciaram nunca realmente terminou. E esta exposição também sugere algo ainda mais importante: a ideia de que talvez o movimento de arte Zero nunca tenha realmente começado. Talvez não tenha sido um movimento que foi inventado em um lugar em um momento, mas que na verdade faz parte de um continuum muito maior que se estende infinitamente, até o primeiro momento em que os humanos desejaram usar fenômenos visuais para alcançar algo puro e novo. As obras em ZERo no MONA são tão frescas e tão vitais, mesmo agora, que me inspiram a acreditar que o ZERO pode até continuar hoje, sempre que grupos de artistas se reúnem para colaborar em criações estéticas que vão além do que é esperado ou do que já é conhecido. Neste momento, de fato, esta exposição e a mensagem que ela transmite são essenciais. Ela nos lembra daquele princípio fundamental da arte Zero: que a arte é sobre experiências e relacionamentos entre pessoas, seu ambiente e seus esforços colaborativos para imaginar um futuro melhor. ZERO no MONA está em exibição até 22 de abril de 2019.

Imagem em destaque: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Espaço Elástico), 1967–68. Coleção Arquivo Gianni Colombo, Milão © Arquivo Gianni Colombo. Imagem cortesia do Museu de Arte Antiga e Moderna (Mona)

Por Phillip Park