Abordagens Abstratas da Arte Italiana Moderna

A maioria das pessoas que estudam a história da arte italiana aprende sobre os mestres clássicos do Alto Renascimento e dos períodos Barroco, como Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael e Caravaggio. Menos pessoas ouvem sobre movimentos de Arte Italiana Moderna, como Arte Povera e Espacialismo, ou mestres italianos contemporâneos como Ettore Spalletti. Para entender a história completa da arte italiana, é essencial estudar as inúmeras maneiras pelas quais os artistas italianos contribuíram para o Modernismo. Alguns movimentos modernistas italianos foram figurativos por natureza, como Arte Nucleare, que confrontou os horrores do poder atômico após a Segunda Guerra Mundial, e Transavantgarde, uma versão italiana do Neo-Expressionismo que surgiu na década de 1970. E pelo menos um movimento modernista italiano, Novecento Italiano, foi regressivo, abraçando o Fascismo e defendendo um retorno aos estilos antigos, realistas e clássicos. Mas a Itália também foi o berço de vários movimentos de arte modernista abstrata que moldaram profundamente as tendências da arte contemporânea internacional. Embora a lista de artistas associados a esses movimentos possa ser longa demais para ser coberta em um único artigo, aqui está um primer inicial sobre alguns dos principais movimentos de arte moderna italiana abstrata e alguns dos artistas que ajudaram a defini-los.

Futurismo Italiano

Em uma estrada rural nos arredores de Milão em 1909, Filippo Tommaso Marinetti bateu seu carro em uma vala após desviar para evitar um ciclista. Marinetti ficou enfurecido com o incidente. Ele ressentia-se da bicicleta de movimento lento. Ele era fanático por velocidade e poder e acreditava que as estradas deveriam pertencer às máquinas da nova era. Ele fazia parte da geração ousada de jovens artistas italianos que logo se tornariam conhecidos como os Futuristas.

Após seu acidente de carro, Marinetti escreveu um ensaio que foi publicado em jornais na Itália e na França. Ele ficou conhecido como o Manifesto Futurista e descreveu em detalhes apaixonados a frustração que esses jovens artistas sentiam sob o peso da história. Falou sobre o desejo de “libertar a Itália de sua gangrena de professores, arqueólogos, guias e antiquários.” Defendia a força mecânica, a violência e a guerra, e sugeria que os artistas modernos deveriam abraçar o novo mundo industrializado e destruir todas as tradições e instituições do passado.

Umberto Boccioni - Formas Únicas de Continuidade no Espaço, 1913, duas vistas

Arte Futurista Italiana

Na sua arte, os Futuristas italianos se esforçaram para retratar movimento e velocidade. Eles retrataram o caos da cidade e visões de um mundo que muda rápida e violentamente. Um princípio chave do Futurismo italiano era conhecido como Dinamismo, ou a experiência combinada de velocidade, movimento e som. Giacomo Balla foi um dos mestres do Dinamismo. Seus primeiros esforços na técnica eram figurativos, mas seu estilo rapidamente se tornou mais abstrato à medida que ele evoluía para abordar o Dinamismo através das qualidades formais da pintura, como cor, linha e forma. Um exemplo chave é a pintura Velocidade Abstrata + Som, de 1914.

Umberto Boccioni foi outro mestre futurista do Dinamismo. Um pintor talentoso, Boccioni criou uma das pinturas futuristas mais famosas, chamada A Cidade Surge. Mas, com o tempo, ele se interessou pelo desafio de apresentar o que chamou de "sucessão", ou a sensação de movimento através do espaço físico, em um espaço tridimensional. Ele realizou esse objetivo de forma mais famosa em sua escultura abstrata Formas Únicas de Continuidade no Espaço, criada em 1913.

Lucio Fontana - Conceito Espacial, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milão

Espacialismo

Uma geração após os Futuristas, o próximo grande movimento de arte abstrata modernista italiano começou, iniciado por um artista chamado Lucio Fontana. Natural da Argentina, Fontana estava interessado principalmente em expressar as qualidades e a essência do espaço. Ele estava intrigado com a forma como a forma poderia ocupar espaço, conter espaço e abrir acesso ao espaço. Ele é frequentemente referido como um pintor, uma vez que suas obras mais famosas estão penduradas na parede. Mas Fontana foi originalmente treinado como escultor, e ele considerava suas chamadas pinturas como desafiadoras da definição de arte bidimensional.

Em 1946, ele escreveu um ensaio chamado o Manifesto Branco, que pedia abertamente o fim das definições tradicionais de arte bidimensional e tridimensional. Em vez disso, ele incentivou a síntese na arte. Em seu manifesto, Fontana descreveu como as definições "estáticas" tradicionais de arte, como pintura e escultura, não eram mais adequadas para uma era dominada pelo "princípio dinâmico do movimento através do tempo e do espaço". Através dessa perspectiva transformadora, Fontana criou muitas inovações. Ele fez alguns dos primeiros exemplos de arte de instalação e, no final da década de 1940, alcançou a manifestação máxima de seu pensamento quando começou a construir telas que ele então cortava com uma faca. Sua obra Concetto spaziale – Attesa, uma tela vermelha monocromática com um único corte de faca no centro, é considerada o epítome do pensamento Espacialista, pois consegue criar forma a partir do espaço.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milão

Arte Pobre

Um dos movimentos de arte moderna abstrata mais transformadores do século XX originou-se na Itália na década de 1960. Chamava-se Arte Povera, ou arte pobre, devido à tendência de seus praticantes de depender de materiais comuns e temas do cotidiano. O movimento inicialmente surgiu como uma resistência a outras tendências da arte moderna, como Minimalismo, que enfatizava processos industriais e tentava remover a personalidade do artista da obra. Os artistas associados à Arte Povera queriam reconectar a arte à vida cotidiana.

Para se conectar com o mundano, o banal e o cotidiano, esses artistas tentaram criar momentos únicos de interação entre os objetos de arte que produziram e os espectadores que os encontraram. Eles fizeram arte que, embora abstrata, comunicava mensagens simples e diretas. Usaram materiais fáceis de entender, naturais, táteis e pré-industriais, como corda, terra, tecido e até fezes. No meio de movimentos artísticos contemporâneos dedicados a eliminar a emoção e o individualismo da arte, esses artistas enfatizaram a importância da humanidade tanto do artista quanto do espectador, e convidaram abertamente o público a interagir diretamente com sua arte.

Pino Pascali - Vermes de Cerdas

Os Artistas da Arte Povera

Piero Manzoni é considerado o pai da Arte Povera, embora tenha morrido aos 29 anos em 1963, antes de ser incluído em suas principais exposições. Através de seu trabalho, Manzoni destruiu a ilusão de que arte e vida são separadas, envolvendo diretamente os espectadores com sua arte. Em uma obra chamada Consumo de arte dinâmica pelo público devorador de arte, Manzoni "assinou" ovos cozidos com sua impressão digital e depois convidou os espectadores a comer os ovos. Em uma obra chamada Magisk Sokkel, holandês para Prateleira Mágica, ele convidou os espectadores a participar, subindo em um pedestal, transformando-os em esculturas vivas.

Outros artistas da Arte Povera não envolveram o público diretamente, mas criaram obras que foram intencionalmente projetadas para sugerir a interação do espectador. Pino Pascalo criou Bristleworms em grande escala, que eram esculturas semelhantes a vermes feitas de escovas de cerdas que os espectadores eram incentivados a tocar. E em 1965, Michelangelo Pistoletto expressou o que talvez seja a iteração perfeita da união entre arte e vida cotidiana. Sua peça Estrutura para Falar Enquanto em Pé (Menos Objetos) consistia em um corrimão instalado em uma galeria onde os espectadores podiam se apoiar e colocar o pé enquanto conversavam.

Michelangelo Pistoletto - Estrutura para Falar Enquanto em Pé (Menos Objetos)

Arte Italiana Moderna Contemporânea

Hoje, as tradições do Modernismo Italiano estão vivas e bem. Ettore Spalletti é um dos principais artistas abstratos que trabalham na Itália hoje. Ele está vagamente associado às ideias centrais da Arte Povera, embora seu trabalho seja decididamente diferente da maioria dos membros desse grupo. Um artista multidisciplinar, Spalletti cria objetos que lidam com a essência da cor. Ele se envolve em um processo laborioso que envolve a aplicação de múltiplas camadas de tinta feita à mão até que a natureza essencial da cor que busca se revele. É nesse momento fugaz em que a cor finalmente aparece que ele interrompe seu processo.

Os objetos que Spalletti cria projetam uma luminosidade etérea. Eles parecem momentos capturados de um nascer do sol ou reflexos de luz na superfície da água congelada no tempo. Além de expor suas obras em galerias e museus, Spalletti também criou ambientes internos inteiros em lugares como um necrotério e uma capela. Talvez seja a partir de tais expressões, que se relacionam com a vida cotidiana, que ele continua sua associação com a Arte Povera. Mas Spalletti também é uma voz única na arte abstrata contemporânea italiana. Ele e seus muitos contemporâneos na comunidade de arte abstrata italiana de hoje desfrutam de uma conexão com cada um dos movimentos artísticos italianos influentes do passado. E, mais importante, assim como seus predecessores, eles continuam a manter viva a tradição de colocar a arte italiana na vanguarda do pensamento Modernista inovador.

Imagem em Destaque: Giacomo Balla - Velocidade + Som Abstrato, 1913-1914. Óleo sobre cartão não envernizado na moldura pintada pelo artista. 21 1/2 x 30 1/8 pol (54,5 x 76,5 cm). Fundação Solomon R. Guggenheim Coleção Peggy Guggenheim, Veneza, 1976. © 2018 Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque/SIAE, Roma.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park