Abordagens Abstratas da Arte Italiana Moderna

A maioria das pessoas que estudam a história da arte italiana aprende sobre os mestres clássicos do Alto Renascimento e dos períodos Barroco, como Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael e Caravaggio. Poucos ouvem falar sobre os movimentos da Arte Italiana Moderna como Arte Povera e Espacialismo, ou sobre mestres italianos contemporâneos como Ettore Spalletti. Para entender a história completa da arte italiana, é essencial estudar as inúmeras formas pelas quais os artistas italianos contribuíram para o Modernismo. Alguns movimentos modernistas italianos foram de natureza figurativa, como Arte Nucleare, que confrontou os horrores do poder atômico após a Segunda Guerra Mundial, e Transavantgarde, uma versão italiana do Neoexpressionismo que surgiu na década de 1970. E pelo menos um movimento modernista italiano, Novecento Italiano, foi regressivo, abraçando o Fascismo e defendendo um retorno aos estilos antigos, realistas e clássicos. Mas a Itália também foi o berço de vários movimentos abstratos modernistas que passaram a moldar as tendências da arte contemporânea internacional de maneira profunda. Embora a lista de artistas associados a esses movimentos possa ser longa demais para cobrir em um artigo, aqui está um guia inicial sobre alguns dos principais movimentos abstratos da arte moderna italiana e alguns dos artistas que ajudaram a defini-los.

Futurismo Italiano

Em uma estrada rural nos arredores de Milão, em 1909, Filippo Tommaso Marinetti bateu seu carro em uma vala após desviar para evitar um ciclista. Marinetti ficou furioso com o incidente. Ele ressentia a bicicleta, que se movia lentamente. Era fanático por velocidade e poder e acreditava que as estradas deveriam pertencer às máquinas da nova era. Ele fazia parte da geração audaciosa de jovens artistas italianos que logo ficariam conhecidos como os Futuristas.

Após seu acidente de carro, Marinetti escreveu um ensaio que foi publicado em jornais na Itália e na França. Ficou conhecido como o Manifesto Futurista e descrevia com paixão a frustração que esses jovens artistas sentiam sob o peso da história. Falava do desejo de “livrar a Itália de sua gangrena de professores, arqueólogos, guias e antiquários.” Defendia a força mecânica, a violência e a guerra, e sugeria que os artistas modernos deveriam abraçar o novo mundo industrializado e destruir todas as tradições e instituições do passado.

Umberto Boccioni - Formas Únicas de Continuidade no Espaço, 1913, duas vistas

Arte Futurista Italiana

Em sua arte, os futuristas italianos se esforçaram para retratar o movimento e a velocidade. Retrataram o caos da cidade e visões de um mundo que mudava rápida e violentamente. Um princípio chave do Futurismo Italiano era conhecido como Dinamismo, ou a experiência combinada de velocidade, movimento e som. Giacomo Balla foi um dos mestres do Dinamismo. Seus primeiros esforços na técnica foram figurativos, mas seu estilo rapidamente se tornou mais abstrato à medida que evoluiu para abordar o Dinamismo através das qualidades formais da pintura, como cor, linha e forma. Um exemplo chave é a pintura Velocidade + Som Abstratos, de 1914.

Umberto Boccioni foi outro mestre futurista do Dinamismo. Pintor talentoso, Boccioni criou uma das pinturas futuristas mais famosas, chamada A Cidade Se Eleva. Mas com o tempo, ele se interessou pelo desafio de apresentar o que chamou de “sucessão”, ou a sensação de movimento através do espaço físico, em espaço tridimensional. Ele realizou esse objetivo de forma mais famosa em sua escultura abstrata Formas Únicas de Continuidade no Espaço, criada em 1913.

Lucio Fontana - Conceito Espacial, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milão

Espacialismo

Uma geração após os futuristas, começou o próximo grande movimento abstrato modernista italiano, iniciado por um artista chamado Lucio Fontana. Originalmente da Argentina, Fontana estava interessado principalmente em expressar as qualidades e a essência do espaço. Ele se intrigava com a forma como a forma poderia ocupar o espaço, conter o espaço e abrir acesso ao espaço. Frequentemente é referido como pintor, pois suas obras mais famosas estão penduradas na parede. Mas Fontana foi originalmente treinado como escultor e considerava suas chamadas pinturas como desafiadoras à definição de arte bidimensional.

Em 1946, ele escreveu um ensaio chamado Manifesto Branco, que abertamente pedia o fim das definições tradicionais de arte bidimensional e tridimensional. Em vez disso, ele incentivava a síntese na arte. Em seu manifesto, Fontana descreveu como as definições tradicionais “estáticas” da arte, como pintura e escultura, já não eram adequadas para uma era dominada pelo “princípio dinâmico do movimento através do tempo e do espaço.” Através dessa visão transformadora, Fontana criou muitas inovações. Fez alguns dos primeiros exemplos de arte de instalação e, no final da década de 1940, alcançou a manifestação máxima de seu pensamento quando começou a construir telas que depois cortava com uma faca. Sua obra Concetto spaziale – Attesa, uma tela monocromática vermelha com um único corte de faca no centro, é considerada o ápice do pensamento espacialista, pois consegue criar forma a partir do espaço.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milão

Arte Povera

Um dos movimentos abstratos modernistas mais transformadores do século XX teve origem na Itália na década de 1960. Chamou-se Arte Povera, ou arte pobre, por causa da tendência de seus praticantes de usar materiais comuns e temas do cotidiano. O movimento inicialmente cresceu como resistência a outras tendências da arte modernista, como o Minimalismo, que enfatizava processos industriais e tentava eliminar a personalidade do artista da obra. Os artistas associados à Arte Povera queriam reconectar a arte à vida cotidiana.

Para se conectar com o mundano, o banal e o cotidiano, esses artistas tentaram criar momentos únicos de interação entre os objetos de arte que faziam e os espectadores que os encontravam. Criaram arte que, embora abstrata, comunicava mensagens simples e diretas. Usaram materiais naturais, táteis e pré-industriais, fáceis de entender, como corda, terra, tecido e até fezes. Em meio a movimentos artísticos contemporâneos dedicados a eliminar emoção e individualismo da arte, esses artistas enfatizaram a importância da humanidade tanto do artista quanto do espectador, e convidaram abertamente o público a interagir diretamente com sua arte.

Pino Pascali - Vermes de Cerdas

Os Artistas da Arte Povera

Piero Manzoni é considerado o pai da Arte Povera, embora tenha morrido aos 29 anos, em 1963, antes de poder ser incluído em suas principais exposições. Por meio de seu trabalho, Manzoni destruiu a ilusão de que arte e vida são separadas, envolvendo diretamente os espectadores com sua arte. Em uma obra chamada Consumo de arte dinâmica pelo público devorador de arte, Manzoni “assinou” ovos cozidos com sua impressão digital e convidou os espectadores a comer os ovos. Em uma obra chamada Magisk Sokkel, que em holandês significa Prateleira Mágica, ele convidou os espectadores a participar ficando em um pedestal, transformando-os em esculturas vivas.

Outros artistas da Arte Povera não envolveram o público diretamente, mas criaram obras intencionalmente projetadas para sugerir a interação do espectador. Pino Pascali criou grandes Vermes de Cerdas, esculturas semelhantes a vermes feitas de escovas de cerdas que os espectadores eram encorajados a tocar. E em 1965, Michelangelo Pistoletto expressou talvez a perfeita união entre arte e vida cotidiana. Sua obra Estrutura para Conversar em Pé (Sem Objetos) consistia em um corrimão instalado em uma galeria no qual os espectadores podiam se apoiar e colocar o pé enquanto conversavam.

Michelangelo Pistoletto - Estrutura para Conversar em Pé (Sem Objetos)

Arte Moderna Italiana Contemporânea

Hoje, as tradições do Modernismo Italiano estão vivas e bem. Ettore Spalletti é um dos principais artistas abstratos que trabalham na Itália atualmente. Ele está vagamente associado às ideias centrais da Arte Povera, embora seu trabalho seja decididamente diferente da maioria dos membros desse grupo. Artista multidisciplinar, Spalletti cria objetos que lidam com a essência da cor. Ele se envolve em um processo laborioso que envolve a aplicação de múltiplas camadas de tinta feita à mão até que a natureza essencial da cor que busca se revele. É nesse momento fugaz, quando a cor finalmente aparece, que ele interrompe seu processo.

Os objetos que Spalletti cria projetam uma luminosidade etérea. Parecem momentos capturados de um nascer do sol ou reflexos de luz na superfície da água congelados no tempo. Além de expor suas obras em galerias e museus, Spalletti também criou ambientes interiores inteiros em locais como um necrotério e uma capela. Talvez seja a partir dessas expressões, que se relacionam com a vida cotidiana, que ele mantém sua associação com a Arte Povera. Mas Spalletti também é uma voz única na arte abstrata contemporânea italiana. Ele e seus muitos contemporâneos na comunidade de arte abstrata italiana de hoje desfrutam de uma conexão com cada um dos influentes movimentos artísticos italianos do passado. E, mais importante, assim como seus predecessores, continuam a manter viva a tradição de colocar a arte italiana na vanguarda do pensamento modernista inovador.

Imagem em destaque: Giacomo Balla - Velocidade + Som Abstratos, 1913-1914. Óleo sobre cartão não envernizado em moldura pintada pelo artista. 54,5 x 76,5 cm. Coleção Peggy Guggenheim da Fundação Solomon R. Guggenheim, Veneza, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nova York/SIAE, Roma
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio