Cubismo de Sonia Delaunay e a Exploração da Cor

Muito poderia ser, e já foi, escrito sobre as conquistas profissionais de Sonia Delaunay. Ela foi uma das artistas mais influentes do século XX. Em seus 20 anos, sua abordagem visionária da abstração a levou a se tornar uma das primeiras artistas modernistas. Em seus 30 anos, transformou sua prática no ateliê na manifestação de um Gesamtkunstwerk, ou obra de arte total, demonstrando o ideal da Bauhaus dois anos antes da existência da Bauhaus. Criou um corpo único e influente de pinturas ao longo de sua vida, trabalhando continuamente até pouco antes de sua morte aos 94 anos. E além da pintura, também atuou na moda, teatro, cinema, publicação e se envolveu em todo tipo de atividades de design. Aos 79 anos, tornou-se apenas a segunda artista viva a ter uma exposição retrospectiva no Louvre, e a primeira mulher artista a alcançar esse marco. Poderia até ser facilmente argumentado que Sonia Delaunay foi a primeira artista a transformar efetivamente sua persona em uma marca, no contexto contemporâneo da palavra. Exceto que focar exclusivamente nessas conquistas externas implicaria que esse foi seu objetivo o tempo todo. Mas, na verdade, Delaunay não pretendia tal coisa. Seus únicos objetivos eram sinceros: explorar cor, forma e composição, e revelar ao resto do mundo, por meio de sua arte, a essência desconhecida daquilo que buscava dentro de si mesma.

Tornando-se Sonia Delaunay

A história da infância de Sonia Delaunay pode ressoar com qualquer pai ou mãe. Quão fácil é criar, ou deixar escapar uma oportunidade, e como a menor mudança nas circunstâncias pode afetar profundamente as chances de uma criança ter sucesso. Sonia Delaunay nasceu Sarah Ilinitchna Stern em uma família da classe trabalhadora no que hoje é a Ucrânia. Suas oportunidades em sua cidade natal eram severamente limitadas, mas ela tinha um tio e uma tia ricos em São Petersburgo chamados Henri e Anna Terk. Os Terks não podiam ter filhos e pediram para adotar Sarah de seus pais em dificuldades. Sua mãe inicialmente resistiu. Mas quando Sarah tinha cinco anos, sua mãe finalmente cedeu e permitiu que ela se mudasse para São Petersburgo para morar definitivamente com seu tio e tia.

Quando chegou a São Petersburgo, Sarah mudou seu nome para Sonia Terk. Junto com seu novo nome vieram novas experiências e possibilidades muito mais diversas. A vida com seu tio e tia incluía viagens pelo mundo, a melhor educação e visitas regulares a museus e bibliotecas. Ela podia folhear livros de arte em casa e participar de discussões intelectuais sobre vários temas. Aos 16 anos, desenvolveu interesse em se tornar artista. Os Terks incentivaram seu interesse e, aos 18 anos, a enviaram para a Alemanha para estudar arte. Dois anos depois, em 1905, mudou-se novamente, desta vez para Paris, o epicentro da arte de vanguarda na Europa.

Um livro do poeta modernista Blaise Cendrars, encadernado e ilustrado por Sonia Delaunay em 1913

Descobrindo a Cor

Em Paris, Sonia Delaunay continuou a estudar arte na escola, mas a experiência com seus professores era muito acadêmica e formal para sua disposição. Ela descobriu que recebia muito mais inspiração nas galerias, que exibiam trabalhos de artistas europeus experimentais como os pós-impressionistas. Ela chegou a Paris no momento perfeito. Encontrou-se no coração da comunidade de vanguarda no alvorecer do Cubismo, quando planos geométricos foram adotados pela primeira vez na tentativa de transmitir a realidade quadridimensional. E estava lá quando o Manifesto Futurista foi impresso pela primeira vez nos jornais franceses, trazendo a ideia de movimento para o centro da conversa artística. E os Fauves, que estavam no auge de sua influência quando ela chegou à cidade, a inspiraram profundamente. Ela foi visceralmente tocada pela forma como seus olhos percebiam, e suas emoções experimentavam, as relações entre suas cores brilhantes e luminosas.

As primeiras pinturas que Sonia Delaunay fazia após chegar a Paris exploravam muitas das ideias desses outros movimentos de forma figurativa. Mas ela buscava algo mais. Especificamente, queria uma maneira de explorar o elemento cor por seu próprio mérito. Mas também queria ser intuitiva e livre. Tinha pouco interesse nas teorias acadêmicas trocadas por seus contemporâneos, que ela achava, “Demasiado sofisticadas. Estou mais próxima da natureza e da vida,” explicou certa vez, perto do fim da vida. “Eu buscava algo dentro de mim e pouco a pouco isso se tornou pintura abstrata.”

Sonia Delaunay - Nu Amarelo, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Encontrando a Abstração

O avanço que finalmente levou Sonia Delaunay a abraçar plenamente a pintura não objetiva veio de uma forma inesperada. Assim como sua saída de sua cidade natal para São Petersburgo, surgiu de uma escolha ousada que ela fez para criar seu próprio destino. Quando chegou a Paris, fez amizade com um dono de galeria e escritor chamado Wilhelm Uhde, que mostrava os principais artistas de vanguarda. Ela e ele eram espíritos afins, como ela disse, “ambos buscando algo abstrato.” Casaram-se, não por atração romântica, mas porque o arranjo proporcionava benefícios práticos para ambos. Para Sonia, isso a libertou da pressão que recebia de sua mãe biológica para abandonar a carreira artística.

Então, numa noite na galeria, menos de um ano depois, Sonia conheceu um jovem artista opinativo e apaixonado chamado Robert Delaunay. Os dois tiveram uma conexão imediata e se apaixonaram. Sonia pediu o divórcio a Uhde, que concedeu amigavelmente, e no ano seguinte casou-se com Robert. Quando tiveram o primeiro filho, Sonia fez à mão um cobertor para o bebê usando técnicas baseadas nas tradições da arte popular russa de sua terra natal. Quando o cobertor ficou pronto, viu nele a inspiração que buscava. As formas lembravam os planos cubistas, mas as relações de cor entre as formas davam vida a toda a composição. Esse cobertor que Sonia Delaunay fez por instinto para seu filho tornou-se a base de todo seu trabalho abstrato futuro.

O cobertor que Sonia Delaunay fez para seu bebê em 1911, agora parte da coleção do Museu Nacional de Arte Moderna em Paris, França

Cubismo Órfico

À noite, em Paris, Sonia Delaunay e seu marido Robert Delaunay caminhavam juntos pela cidade e conversavam sobre arte. Em seus passeios, maravilhavam-se com as luzes elétricas que estavam começando a ser instaladas. Discutiam como as cores da cidade eram afetadas pela luz sintética e se encantavam com as formas e padrões que a luz criava. Quando voltavam para casa, cada um se empenhava em capturar em tela sua experiência, usando a linguagem da cor e forma abstratas inspirada no cobertor que Sonia havia feito.

Chamavam sua abordagem visual única de simultanismo. A palavra referia-se à relação entre cores e formas, e à existência simultânea de múltiplas realidades em suas composições. Quando Sonia e Robert exibiram essas pinturas, seu amigo, o crítico de arte Guillaume Apollinaire, batizou seu novo estilo de Cubismo Órfico, ou Orfismo. Embora a referência nunca tenha sido totalmente esclarecida, o termo relaciona-se ao músico e poeta mítico grego Orfeu, cuja música lendária supostamente tinha o poder de encantar todas as criaturas e coisas.

Sonia Delaunay - Ritmo, 1938. Óleo sobre tela. 182 x 149 cm. Museu Nacional de Arte Moderna, Paris, França

A Poesia das Cores

Embora a referência a Orfeu pareça apropriada para o trabalho de Sonia Delaunay, a comparação com o Cubismo é inadequada. O Cubismo era tão acadêmico quanto estético. Enquanto Robert Delaunay era um teórico e analista ávido, Sonia preferia trabalhar intuitivamente e colocar ênfase na exploração e experimentação. Sobre essa dicotomia, ela disse certa vez, “Ele falava, mas eu percebia.” Embora Sonia usasse uma linguagem de formas semelhante à dos cubistas, não tinha objetivos intelectuais em comum com eles. Suas formas eram apenas recipientes para a cor. “Se há formas geométricas,” explicou certa vez, falando na Sorbonne, “é porque esses elementos simples e manejáveis pareceram adequados para a distribuição das cores cujas relações constituem o verdadeiro objeto de nossa busca.”

Sonia frequentemente comparava a pintura à poesia. Sonia Delaunay via a si mesma buscando combinações de cores que pudessem evocar uma multiplicidade de interpretações possíveis e criar significados simultâneos. Era natural para ela expandir suas atividades artísticas para o mundo do design, pois, como ela vivenciava, não havia separação entre arte e vida. Quer suas composições estivessem na lateral de um carro, em um casaco de pele, em um figurino para uma peça ou na superfície de uma tela, ela não via diferença. Acreditava que, “as cores são palavras, suas relações são ritmos,” e que, em qualquer capacidade que escolhesse para reuni-las, elas se tornavam, por seu esforço, “um poema completo.”

Sonia Delaunay - Grande Hélice Vermelha, c. 1970. Litografia. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 pol.)

Imagem em destaque: Sonia Delaunay - Ritmo sincopado, chamado A Cobra Negra (detalhe), 1967
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio