Adeus a Siri Berg

A artista abstrata sueco-americana Siri Berg, membro do American Abstract Artists, cujo trabalho faz parte da coleção do Museu Solomon R. Guggenheim, entre outras instituições, faleceu na cidade de Nova York aos 98 anos. Assim como Josef Albers e os outros artistas da Bauhaus que a inspiraram, Berg dedicou sua atenção aos elementos fundamentais da arte visual: cor, luz, forma, estrutura, material e composição. Suas obras diretas tiveram sucesso por sua honestidade e confiança. Berg certa vez se referiu às suas obras simplesmente como “declarações”. Embora seu trabalho seja abstrato, ela não o considerava místico, sugestivo ou indireto. Uma declaração, ao contrário, é algo autoritário. Ela afirma. Ela revela. A essência do que Berg expressava com suas obras variava conforme muitos fatores. Às vezes, ela fazia pinturas puramente formalistas claramente destinadas a declarações sobre cor, como sua série “Gradation”. Outras vezes, criava pinturas que, embora utilizassem a cor como um recurso estético, eram também alegóricas sem pedir desculpas sobre as relações que as pessoas desenvolvem entre si e com o mundo. Sua obra seminal “La Ronde” (1972) toma seu nome da peça de Arthur Schnitzler de 1897, La Ronde, que trata das relações sexuais entre dez pessoas diferentes. Para sua versão de “La Ronde”, Berg pintou uma série de telas que exploravam as relações entre diferentes cores, colocando várias cores em diferentes contextos umas com as outras. Assim como os personagens da peça de Schnitzler revelam diferentes aspectos de suas personalidades dependendo de com quem estão íntimos, Berg mostra como as cores parecem mudar completamente sua aparência dependendo das outras cores com as quais são combinadas — uma declaração sobre como todos os tipos de mudanças são frequentemente apenas ficções da nossa percepção, causadas por circunstâncias mutáveis. Berg se deleitava em conversas como essa, que ela sabia que seu trabalho tinha o poder de provocar.

Diálogos Sutis

Berg nasceu em 1921 em Estocolmo, Suécia. Em 1940, após obter seu diploma no Instituto de Arte e Arquitetura da Universidade de Bruxelas — e justamente quando os alemães começaram a ocupar a Bélgica nos primeiros anos da Segunda Guerra Mundial — ela fugiu sozinha para a América, enfrentando uma viagem de 28 dias a bordo de um pequeno cargueiro. Desde o início, sabia que suas verdadeiras ambições estavam no campo da arte, porém Berg passou suas duas primeiras décadas na América trabalhando em áreas criativas adjacentes: primeiro na moda e depois como designer de vitrines para lojas de departamento. Finalmente, voltou sua atenção totalmente para a pintura na casa dos 40 anos, inicialmente pintando em casa e depois alugando um estúdio em SoHo, próximo de onde morava. Desde o começo, suas pinturas ocuparam um espaço individualista no contexto de seus contemporâneos. Não exatamente Minimalista, mas longe do Expressionismo; formalmente abstratas, porém cheias de conteúdo alegórico: o trabalho exemplificava um objetivo que Berg chamava de garantir que ela estivesse “presente” na obra.

Siri Berg - La Ronde, 1972. cat #99, acrílico sobre masonite, 30 cm x 221 cm (7 telas de 30 cm x 30 cm cada). © Siri Berg

O que significava para Berg estar “presente” era que ela podia encontrar maneiras de permitir que suas experiências e provações pessoais encontrassem seu caminho nas formas geométricas e nas relações de cor em suas pinturas. Uma de suas obras iniciais mais renomadas, “Ciclo da Vida” (1967), oferece um exemplo perfeitamente sutil dessa combinação de conteúdo pessoal e precisão formalista: mobiliza uma grade simples em camadas de círculos sobrepostos e uma paleta de cores limitada para expressar os estágios de desenvolvimento de um embrião. Outro exemplo sutil de Berg estando “presente” na obra pode ser encontrado em sua série “Fases”, na qual círculos parciais e completos são alinhados em superfícies planas em padrões de grade. Os círculos podem parecer lembrar as fases da lua, mas na verdade são apenas declarações formais do fato das fases. A verdade da existência das fases é o que importa, independentemente de estarmos falando de fases geométricas, fases naturais ou das fases mutáveis e incompletas da vida da artista.

Siri Berg - Ciclo da Vida, 1967. cat #53, óleo sobre tela, 71 cm x 71 cm. © Siri Berg

Contrastes e percepção

Ao longo de sua carreira, Berg manteve uma paleta simples de apenas nove cores básicas. Partindo dessa estrutura básica, ela se esforçava para misturar cores que “não existem” no mundo natural. Ao desenvolver tons artificiais, ela conseguia provocar encontros com os espectadores nos quais eles podiam parar de se sobrecarregar com a busca por referências à natureza. A artificialidade tornava-se verdade em suas pinturas. Libertadas de referências narrativas externas a si mesmas, as obras ficam livres para comunicar qualquer conteúdo que Berg pretendesse transmitir. Um de seus temas favoritos era a Cabala, um campo de ensinamentos esotéricos judaicos sobre a relação entre forças divinas infinitas e o universo finito e mortal. Berg explorou esse conceito em suas pinturas “Cabala” focando em seu aspecto mais essencial: a noção de contrastes.

Siri Berg - Cabala, 1983. cat#443, óleo sobre tela, 30 cm x 30 cm. © Siri Berg

Outros temas importantes para Berg incluíam arquitetura e luz. Ela expressou esses interesses claramente em seus assemblages de objetos encontrados. “Mouseballs” (1999), um assemblage de seis esferas de mouse de computador coladas em uma tela, é um exemplo clássico. As esferas e a superfície são todas pintadas do mesmo tom violeta. A parte central da obra é estriada, enquanto o restante é plano. As esferas projetam sombras sobre as estrias. À medida que o olhar se move das esferas para as estrias e para a superfície plana, aparecem rastros que criam ilusões saltitantes de sombra e forma. Outro assemblage, “Singularidades” (1980-99), consiste em uma grade de 25 ventosas transparentes e redondas coladas em uma tela branca. As ventosas projetam sombras redondas e provocam rastros circulares pela superfície plana. Embora definitivamente sejam pinturas e não esculturas, obras como essas fazem declarações claras sobre o potencial do espaço e da luz para afetar a percepção humana. Em última análise, a ideia de percepções mutáveis era o que mais importava para Berg, especialmente no que dizia respeito a como as pessoas a percebiam como artista. Como ela disse certa vez em resposta a uma pergunta sobre o que significava ser uma artista feminista, “Quero que meu trabalho seja visto e experimentado por você pelo que ele é e não pelo que eu sou.”

Imagem em destaque: Siri Berg - Fase 25, 1973. cat#152a, óleo sobre tela, 30 cm x 36 cm. © Siri Berg
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio