Adeus a Siri Berg

A artista abstrata sueco-americana Siri Berg, membro da American Abstract Artists, cuja obra está na coleção do Solomon R. Guggenheim Museum, entre outras instituições, faleceu na cidade de Nova York aos 98 anos. Assim como Josef Albers e os outros artistas da Bauhaus que a inspiraram, Berg dedicou sua atenção aos elementos fundamentais da arte visual: cor, luz, forma, material e composição. Suas obras diretas tiveram sucesso por sua honestidade e confiança. Berg uma vez se referiu a suas obras simplesmente como "declarações". Embora seu trabalho seja abstrato, ela não o considerava místico, sugestivo ou indireto. Uma declaração, ao contrário, é algo autoritário. Ela afirma. Ela revela. A essência do que Berg declarou com suas obras flutuava dependendo de muitos fatores. Às vezes, ela fazia pinturas puramente formalistas claramente destinadas a serem declarações sobre cor, como sua série "Gradation". Outras vezes, ela fazia pinturas que, embora utilizem a cor como um dispositivo estético, também são inegavelmente alegóricas sobre os relacionamentos que as pessoas desenvolvem umas com as outras e com o mundo. Sua obra seminal "La Ronde" (1972) recebe seu nome da peça de Arthur Schnitzler de 1897, La Ronde, que trata de relacionamentos sexuais entre dez pessoas diferentes. Para sua versão de "La Ronde", Berg pintou uma série de telas que exploravam relacionamentos entre diferentes cores, colocando várias cores em diferentes contextos umas com as outras. Assim como os personagens da peça de Schnitzler revelam diferentes aspectos de suas personalidades dependendo de com quem estão íntimos, Berg mostra como as cores parecem mudar completamente sua aparência dependendo de quais outras cores estão emparelhadas — uma declaração sobre como todos os tipos de mudanças são frequentemente apenas ficções de nossa percepção, causadas por circunstâncias mutáveis. Berg se deleitava em conversas como essa, que ela sabia que seu trabalho tinha o poder de incitar.

Diálogos Sutis

Berg nasceu em 1921 em Estocolmo, Suécia. Em 1940, após obter seu diploma no Instituto de Arte e Arquitetura da Universidade de Bruxelas—e justo quando os alemães começaram a ocupar a Bélgica nos primeiros anos da Segunda Guerra Mundial—ela fugiu para a América sozinha, enfrentando uma jornada de 28 dias a bordo de um pequeno cargueiro. Ela sabia desde o início que suas verdadeiras ambições estavam no campo da arte, no entanto, Berg passou suas duas primeiras décadas na América trabalhando em campos criativos adjacentes: primeiro na moda e depois como designer de vitrines para lojas de departamentos. Ela finalmente voltou sua atenção totalmente para a pintura em seus 40 anos, inicialmente pintando em sua casa e, mais tarde, alugando um espaço de estúdio em SoHo, perto de onde morava. Desde o início, suas pinturas ocupavam um espaço individualista no contexto de seus contemporâneos. Não exatamente Minimalista, mas longe de ser Expressionista; formalmente abstratas, mas cheias de conteúdo alegórico: a obra exemplificava um objetivo que Berg se referia como garantir que ela estivesse "lá" na obra.

Siri Berg - La Ronde, 1972. cat #99, acrílico sobre masonite, 12” x 87” (7@12”x12” cada). © Siri Berg

O que significava para Berg estar "lá" era que ela poderia encontrar maneiras de permitir que suas experiências e provações pessoais encontrassem seu caminho nas formas geométricas e nas relações de cores em suas pinturas. Uma de suas obras mais renomadas do início, "Ciclo da Vida" (1967), oferece um exemplo perfeitamente sutil dessa combinação de conteúdo pessoal e precisão formalista: mobiliza uma grade simples em camadas de círculos sobrepostos e uma paleta de cores limitada para expressar os estágios de desenvolvimento de um embrião. Outro exemplo sutil de Berg estar "lá" na obra pode ser encontrado em sua série "Fases", na qual círculos parciais e completos estão alinhados em superfícies planas em padrões de grade. Os círculos podem parecer se assemelhar às fases da lua, mas tudo o que são, na verdade, são apenas declarações formais do fato das fases. A verdade da existência das fases é o que importa, independentemente de estarmos falando sobre fases geométricas, fases naturais ou as fases mutáveis e incompletas da vida da artista.

Siri Berg - Ciclo da Vida, 1967. cat #53, óleo sobre tela, 28” x 28”. © Siri Berg

Contrastes e percepção

Ao longo de sua carreira, Berg manteve uma paleta simples de apenas nove cores básicas. A partir dessa estrutura básica, ela se esforçou para misturar cores que "não existem" no mundo natural. Ao desenvolver matizes não naturais, ela conseguiu instigar encontros com os espectadores nos quais eles podiam parar de se sobrecarregar com a busca por referências à natureza. A artificialidade tornou-se verdade em suas pinturas. Libertada de referências narrativas externas, a obra é livre para comunicar qualquer conteúdo que Berg pretendia que carregasse. Um de seus temas favoritos era a Cabala, um campo de ensinamentos esotéricos judaicos sobre a relação entre forças divinas infinitas e o universo finito e mortal. Berg explorou esse conceito em suas pinturas "Cabala" ao se concentrar em seu aspecto mais essencial: a noção de contrastes.

Siri Berg - Kabbala, 1983. cat#443, óleo sobre tela, 12” x 12”. © Siri Berg

Outras questões importantes para Berg incluíam arquitetura e luz. Ela expressou esses interesses claramente em suas assemblages de objetos encontrados. "Mouseballs" (1999), uma assemblage de seis bolinhas de rolagem de mouses de computador aderidas a uma tela, é um exemplo clássico. As mouseballs e a superfície são todas pintadas na mesma tonalidade violeta. A parte central da obra é estriada, enquanto o resto é plano. As mouseballs projetam sombras sobre as estrias. À medida que o olhar se move das esferas para as estrias e para a superfície plana, traços aparecem, criando ilusões de sombra e forma que pulsam. Outra assemblage, "Singularities" (1980-99), consiste em uma grade de 25 ventosas redondas transparentes aderidas a uma tela branca. As ventosas projetam sombras redondas e instigam traços circulares sobre a superfície plana. Embora definitivamente sejam pinturas e não esculturas, obras como essas fazem declarações claras sobre o potencial do espaço e da luz para afetar a percepção humana. Em última análise, a ideia de percepções em mudança era o que mais importava para Berg, especialmente quando se tratava de como as pessoas a percebiam como artista. Como ela disse uma vez em resposta a uma pergunta sobre o que significava ser uma artista feminista: "Quero que meu trabalho seja visto e experienciado por você pelo que é e não pelo que eu sou."

Imagem em destaque: Siri Berg - Fase 25, 1973. cat#152a, óleo sobre tela, 12” x 14”. © Siri Berg
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park