Gagosian Paris Reúne Artistas Que Criam Arte Blanc sur Blanc

Uma exposição na Gagosian Paris intitulada Blanc sur Blanc (Branco sobre Branco) reacendeu mais uma vez o debate atemporal sobre a validade da arte totalmente branca. Essa conversa remonta pelo menos a 1918, quando o artista russo Kazimir Malevich, fundador do Suprematismo, apresentou sua pintura “Branco sobre Branco” — uma imagem de um quadrado branco inclinado sobre um fundo branco. Malevich já era famoso pela pintura “Quadrado Negro” que revelou três anos antes na Última Exposição Futurista 0,10. No entanto, o “Quadrado Branco” elevou a indignação a outro nível ao desafiar não apenas o valor do tema na arte, mas também o valor da cor. Na esteira de Malevich, inúmeros outros artistas criaram obras totalmente brancas: desde a pintura minimalista “White Painting (Three Panel)” (1951) de Robert Rauschenberg (que dizia “uma tela nunca está vazia”); às esculturas brutas e quase figurativas totalmente brancas de Cy Twombly; até o brilho pós-atômico esparso de “Untitled (Electric Light)” (2019), uma escultura de luz branca de Mary Corse. Colecionadores de arte acreditam firmemente no valor cultural e financeiro da arte totalmente branca, como evidenciado por pelo menos dois resultados recentes em leilões: “Bridge” (1980), uma pintura totalmente branca de Robert Ryman que foi vendida na Christie’s por mais de 20 milhões de dólares (EUA) em 2015, e “21 Feuilles Blanches” (1953), um móbile totalmente branco de Alexander Calder que alcançou 17,9 milhões de dólares (EUA) em 2018 (mais do que o dobro da sua estimativa máxima). No entanto, para pessoas fora do campo da arte, a arte branco sobre branco pode ser irritante. Talvez o gênio da atual exposição da Gagosian seja que ela não mostra simplesmente ao público uma única obra totalmente branca, nem uma seleção de obras totalmente brancas de um único artista. Em vez disso, reúne obras de 27 artistas, abrangendo uma ampla variedade de períodos, movimentos, meios, intenções e origens pessoais. Ver tantas obras brancas em um só lugar e ao mesmo tempo revela a verdade sutil que tantos críticos se recusam a admitir: realmente não existe algo como branco simples.

O Branco como Manifesto

Entre as obras em exibição em Blanc sur Blanc está uma tela totalmente branca cortada pelo artista italiano Lucio Fontana. Nos materiais de imprensa da mostra, a Gagosian faz referência a um ensaio publicado por Fontana em 1946 chamado Manifesto Blanco (Manifesto Branco). Embora um pouco inflamado, esse ensaio pode oferecer alguma orientação para os espectadores que duvidam do valor da pintura monocromática. Contrariamente ao que o título sugere, o Manifesto Branco nunca menciona realmente a cor branca. Em vez disso, fala da necessidade de uma nova arte, “livre de todo artifício estético.” Para Fontana, a pureza da cor branca simbolizava esse novo ponto de partida. O Manifesto Branco convoca os artistas a focarem em “cor, o elemento do espaço; som, o elemento do tempo; e movimento, que se desenvolve no tempo e no espaço,” uma estratégia que Fontana insiste que resultará em obras que se aproximam “mais da natureza do que nunca na história da arte.”

Vista da instalação. Obras, da esquerda para a direita: © Fundação Lucio Fontana, Milão / por SIAE / ADAGP, Paris, 2020; © Fundação Cy Twombly; © Imi Knoebel / ADAGP, Paris, 2020. Foto: Thomas Lannes

As ideias expressas no Manifesto Branco formaram a base do Espacialismo, movimento fundado por Fontana no ano seguinte. Ao longo de duas décadas, Fontana elucidou os elementos centrais do Espacialismo por meio de duas séries inovadoras de obras. A primeira foi sua série “Ambientes” — 15 esculturas de luz agora consideradas os primeiros exemplos de arte de instalação. Cada “Ambiente” era basicamente uma sala construída sob medida iluminada por uma única cor de luz. Seja branca, preta, vermelha, azul, verde ou qualquer outra, Fontana sentia que a fusão de uma única cor com um espaço vazio incorporava a essência de suas ideias. A segunda série de obras que Fontana criou para ilustrar os conceitos do Espacialismo foi sua agora icônica série de telas cortadas — superfícies monocromáticas cortadas por uma faca. Os cortes não eram simplesmente expressões dramáticas, porém. Criavam entradas literais para um mundo de movimento, cor e espaço. Cada corte envolve o espectador em um papel ativo, atraindo-nos para dentro ao revelar um vislumbre do espaço por trás da pintura. Ao tornar essa parte nunca antes utilizada da pintura um aspecto chave de seu tema, Fontana criou algo cinético e misterioso. Olhando para trás em seus “Ambientes,” é claro ver como essas telas cortadas expressavam as mesmas ideias, apenas em uma escala diferente.

Jean Arp - O amigo do dedo mindinho, 1963. Gesso, 10 x 24 x 13 cm. © ADAGP, Paris, 2020

A Ampliação da Perspectiva

Como as telas cortadas de Fontana, cada uma das obras apresentadas em Blanc sur Blanc é mais complexa do que pode parecer à primeira vista. Três esculturas de fios de lã de Sheila Hicks ilustram quão frágil é a ideia de cor pura, já que textura e massa interferem na luz. Uma escultura de Rachel Whiteread, por sua vez, pega o que a princípio parece uma coleção aleatória de materiais de construção brancos encostados na parede, transformando-a em uma cena de clareza visual e emocional. Esse tipo de acumulação de materiais no espaço tornou-se uma parte tão comum do ambiente urbano cotidiano, mas neste caso, Whiteread não apenas demonstra a presença estética inerente de seus materiais, como também amplia nossa compreensão da definição de cor.

Vista da instalação. Obras, da esquerda para a direita: © Enrico Castellani / ADAGP, Paris, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

Em última análise, talvez seja isso que a arte branco sobre branco sempre tenha representado — a ampliação das perspectivas. Somos capazes de olhar para algo tão simples, tão minimalista e tão direto sem nos sentirmos insultados, como se o artista estivesse apenas nos desafiando a chamá-lo de fácil demais? Somos capazes de reconhecer a magia da arte branco sobre branco da mesma forma que abraçamos o som simples de um gong, o cintilar sutil de uma vela ou o leve toque de uma pena? Algo tão sutil pode carregar uma emoção poderosa? Essa pergunta já foi feita muitas vezes, e não terminará com esta exposição atual, porque sempre haverá artistas que sabem que não há nada simples no branco sobre branco, e que sempre se sentirão compelidos a retornar a ele como o ponto zero da arte.

Imagem em destaque: Vista da instalação. Obras, da esquerda para a direita: Arquivos Simon Hantai / ADAGP, Paris; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio