Gagosian Paris Reúne Artistas Que Criam Arte Blanc sur Blanc

Uma exposição na Gagosian Paris intitulada Blanc sur Blanc (Branco sobre Branco) reacendeu mais uma vez o debate atemporal sobre a validade da arte toda branca. Esta conversa remonta pelo menos a 1918, quando o artista russo Kazimir Malevich, fundador do Suprematismo, estreou sua pintura “White on White” — uma imagem de um quadrado branco inclinado sobre um fundo branco. Malevich já era infame pela pintura “Black Square” que revelou três anos antes na Última Exposição Futurista 0,10. No entanto, “White Square” levou a indignação a um novo nível, desafiando não apenas o valor do assunto na arte, mas também o valor da tonalidade. Na esteira de Malevich, inúmeros outros artistas criaram obras de arte toda branca: desde a pintura minimalista “White Painting (Three Panel)” (1951) de Robert Rauschenberg (que disse “uma tela nunca está vazia”); até as brutais esculturas toda branca, quase figurativas, de Cy Twombly; até o brilho esparso e pós-atômico de “Untitled (Electric Light)” (2019), uma escultura de luz branca de Mary Corse. Colecionadores de arte acreditam firmemente no valor cultural e financeiro da arte toda branca, como evidenciado por pelo menos dois resultados recentes de leilão: “Bridge” (1980), uma pintura toda branca de Robert Ryman que foi vendida na Christie’s por mais de $20 milhões (US) em 2015, e “21 Feuilles Blanches” (1953), um móbile todo branco de Alexander Calder que arrecadou $17,9 milhões (US) em 2018 (mais do que o dobro de sua alta estimativa). No entanto, para pessoas fora do campo da arte, a arte branco sobre branco pode ser irritante. Talvez o gênio da atual exposição Gagosian seja que ela não mostra simplesmente ao público uma única obra de arte toda branca, nem uma seleção de obras toda brancas de um único artista. Em vez disso, reúne obras de 27 artistas, abrangendo uma ampla gama de períodos de tempo, movimentos, meios, intenções e histórias pessoais. Ver tantas obras de arte brancas em um só lugar ao mesmo tempo revela a verdade sutil que tantos críticos falham em admitir: realmente não existe tal coisa como branco puro.

Branco como um Manifesto

Entre as obras em exibição em Blanc sur Blanc está uma tela cortada toda branca do artista italiano Lucio Fontana. Nos materiais de imprensa para a exposição, Gagosian se refere a um ensaio que Fontana publicou em 1946 chamado Manifesto Blanco (Manifesto Branco). Embora um pouco descontrolado, esse ensaio pode fornecer alguma orientação para os espectadores que duvidam do valor da pintura monocromática. Contrariamente ao que seu título sugere, no entanto, o Manifesto Branco nunca menciona realmente a cor branca. Em vez disso, fala sobre a necessidade de uma nova arte, "livre de todo artifício estético." Para Fontana, a pureza da cor branca era simbólica desse novo ponto de partida. O Manifesto Branco convoca os artistas a se concentrarem em "cor, o elemento do espaço; som, o elemento do tempo; e movimento, que se desenvolve no tempo e no espaço," uma estratégia que Fontana insiste que resultará em obras que se aproximam "mais da natureza do que nunca na história da arte."

Vista da instalação. Obra, da esquerda para a direita: © Foundation Lucio Fontana, Milano / por SIAE / ADAGP, Paris, 2020; © Cy Twombly Foundation; © Imi Knoebel / ADAGP, Paris, 2020. Foto: Thomas Lannes

As noções expressas no Manifesto Branco formaram a base do Espacialismo, o movimento que Fontana fundou no ano seguinte. Ao longo de duas décadas, Fontana elucidou os elementos centrais do Espacialismo por meio de duas séries inovadoras de obras. A primeira foi sua série "Ambientes"—15 esculturas de luz agora consideradas os primeiros exemplos de arte de instalação. Cada "Ambiente" era basicamente uma sala construída sob medida iluminada por uma única cor de luz. Seja branca, preta, vermelha, azul, verde ou qualquer outra, Fontana sentia que a amalgamação de uma única cor com um espaço de outra forma vazio incorporava a essência de suas ideias. A segunda série de obras que Fontana fez para ilustrar os conceitos do Espacialismo foi sua agora icônica série de telas cortadas—superfícies monocromáticas cortadas por uma faca. No entanto, os cortes não eram simplesmente expressões de drama. Eles criavam entradas literais para um mundo de movimento, cor e espaço. Cada corte puxa o espectador para um papel ativo, nos atraindo para dentro ao revelar um vislumbre do espaço atrás da pintura. Ao tornar essa parte nunca antes utilizada da pintura um aspecto chave de seu assunto, Fontana concebeu algo cinético e misterioso. Olhando para trás em seus "Ambientes", é claro ver como essas telas cortadas expressaram as mesmas ideias, apenas em uma escala diferente.

Jean Arp - O amigo do dedo mindinho, 1963. Gesso, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 polegadas (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, Paris, 2020

A Amplitude de Perspectiva

Assim como as telas cortadas de Fontana, cada uma das obras apresentadas em Blanc sur Blanc é mais complexa do que pode parecer à primeira vista. Três esculturas de Sheila Hicks ilustram quão frágil a ideia de cor pura realmente é, enquanto a textura e a massa fazem estragos com a luz. Uma escultura de Rachel Whiteread, por sua vez, pega o que à primeira vista parece uma mistura aleatória de materiais de construção brancos encostados em uma parede, transformando-a em uma cena de clareza visual e emocional. Esses tipos de acumulações de materiais no espaço se tornaram uma parte tão ubíqua do ambiente urbano cotidiano, mas neste caso, não apenas Whiteread demonstra a presença estética inerente de seus materiais, como também expande nossa compreensão da definição de cor.

Vista da instalação. Obra, da esquerda para a direita: © Enrico Castellani / ADAGP, Paris, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

Em última análise, talvez, é isso que a arte branca sobre branca sempre foi - a ampliação de perspectivas. Seremos capazes de olhar para algo tão simples, tão minimalista e tão direto sem nos sentirmos ofendidos, como se o artista estivesse apenas desafiando-nos a chamá-lo de fácil demais? Seremos capazes de reconhecer a magia da arte branca sobre branca da mesma forma que abraçamos o som simples de um sino, o brilho sutil de uma vela ou o toque suave de uma pena? Pode algo tão sutil carregar uma emoção poderosa? Essa pergunta já foi feita muitas vezes, e não terminará com esta exposição atual, porque sempre haverá artistas que sabem que não há nada simples na arte branca sobre branca, e que sempre se sentirão compelidos a retornar a ela como o ponto zero da arte.

Imagem em destaque: Vista da instalação. Obra, da esquerda para a direita: Archives Simon Hantai / ADAGP, Paris; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park