A Vanguarda Eterna—6 Artistas Abstratas Extraordinárias do Feminino da América Latina

Eu frequentemente falo sobre a vanguarda em termos de suas falhas, o que significa que é um tópico que ancorei no passado, cheio de histórias de coisas experimentais que os artistas uma vez escreveram, uma vez fizeram ou uma vez tentaram. Hoje, espero chamar a atenção para seis artistas abstratas latino-americanas que acredito redefinir a vanguarda, não como algo enraizado na história, mas como algo perpetuamente fresco e indefinido. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo e Noemi Escandell foram cada uma, em algum momento, aclamadas como representantes da vanguarda estética de seu tempo. No entanto, cada uma delas também resiste a ser enterrada sob a passagem do tempo, porque a relevância de suas ideias se estende além de suas gerações individuais. Suas obras permanecem tão frescas e curiosas hoje quanto sempre. Proponho que isso não se deve apenas ao trabalho em si, mas também à forma como abordaram sua prática como artistas e professoras. A maioria dos artistas de vanguarda é definida pela posição singular e vanguardista que criam para si mesmos, uma posição que pode ser explicada ou reforçada pela escrita, e então demonstrada através de uma linguagem visual única, e depois canonizada como um movimento. (Estou pensando em Andy Warhol e Pop Art, Picasso e Cubismo, Mondrian e Neoplasticismo, etc.) As seis artistas abstratas latino-americanas sobre as quais escrevo hoje escapam desse destino porque suas estratégias de representação estética não são fixas, seja no tempo (um momento cultural) ou na teoria. Em vez de destacar um conjunto particular de ideias, seu trabalho explora o que talvez nunca possa ser compreendido, muito menos dito: o desconhecido. Seus corpos de trabalho fluidos e indefiníveis incentivam os espectadores a examinar a escuridão, em vez de chamar a atenção para o que foi trazido à luz.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasil)

Lygia Clark se chamava de "propositora." Ela percebia sua arte como desconectada da história, ligada em vez disso ao momento presente em constante mudança. Seu trabalho não tem significado ou propósito predeterminado, exceto aquele que é atribuído por qualquer espectador que interage com ele de uma maneira pessoal. Ela se libertou da história da arte e garantiu seu lugar na vanguarda eterna, quando disse: "O objeto não está mais lá para expressar qualquer conceito, mas para que o espectador possa alcançar, mais profundamente, seu próprio eu."

Gego (1912 - 1994, Alemanha/Venezuela)

Nascida e educada na Alemanha, Gertrude Goldschmidt, também conhecida como Gego, fugiu para Caracas, Venezuela, em 1939, no início da Segunda Guerra Mundial. Foi lá, na América do Sul, que ela descobriu seu destino como artista. Embora também tenha pintado, desenhado e esculpido, Gego é mais conhecida por suas instalações em forma de rede, que apresentam redes de pontos e linhas se fundindo em universos geométricos de planos imaginários. Muitos escritores dizem que seu trabalho é sobre linha, mas para mim é mais sobre a busca para expressar continuamente a ação cumulativa. As multidões de pontos e linhas em suas obras são projeções no espaço e no tempo, puxando os espectadores sem fim para o desconhecido.

Carmen Herrera (n. 1915, Cuba)

Carmen Herrera vendeu sua primeira pintura aos 89 anos. Aos 100 anos, ela teve sua primeira retrospectiva em um museu, no Whitney Museum of American Art em Nova York. Muitos críticos, curadores e comerciantes tentaram classificá-la em termos de vários movimentos da história da arte, como Minimalismo, Abstração Geométrica e Arte Concreta. No entanto, o que permite a Herrera resistir e, de fato, transcender essas etiquetas é sua total dedicação à visão pessoal. Ela uma vez brincou que não permitirá um livro de Picasso em sua casa, porque olhar para Picasso é querer copiá-lo. Seu único objetivo, ela diz, é seguir seu próprio desejo de simplificação, ou o que ela chama de “um processo de retirar o que não é essencial.” A tensão em seu trabalho muitas vezes vem desse vislumbre naquele espaço onde confrontamos não o que está lá, mas o que está faltando.

Rondo (Azul e Amarelo), 1965 Acrílico sobre tela por Carmen Herrera, Americana, nascida em Havana, Cuba, 1915. Fonte: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (n. 1926, Cuba)

Nascida em Cuba, Zilia Sanchez vive e trabalha em Porto Rico desde a década de 1970. Suas telas moldadas se projetam da parede, como se objetos—ou forças—estivessem tentando romper de trás. Este gesto poético destaca o mistério e alude à sensação de que o que é visível e aparentemente tão consequente no momento presente está simultaneamente sendo alterado diante de nossos olhos. Esta obra é uma representação icônica da vanguarda eterna, pois agita o fato de que tudo está constantemente sendo reconfigurado por tudo o que está em processo de emergência.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Muitos artistas falam sobre seu trabalho em termos de investigações. Mercedes Pardo se destacou não por buscar, mas por criar encontros pessoais para seus espectadores. Conhecida por um corpo de pinturas abstratas geométricas e biomórficas que trabalhou por décadas ao longo de sua carreira, ela na verdade trabalhou em uma variedade de meios diferentes, incluindo design de figurinos, ilustração de livros, colagem e arte pública em grande escala. Pardo considerava os encontros pessoais com a arte como o oposto de—ou talvez o antídoto para—cultura de consumo. Ela evitava a imposição de padrões, centrando-se em vez disso em experiências únicas dos espectadores com matéria purificada.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Amada por seus alunos e outros artistas, e temida por autoritários políticos, Noemi Escandell acreditava fortemente que gestos políticos e artísticos são a mesma coisa. Ela é conhecida agora, após sua morte, pelas esculturas e desenhos abstratos e espaciais que começou a criar na década de 1960, que se relacionam visualmente com o Minimalismo. No entanto, Escandell abraçou uma incrível variedade de estratégias visuais ao longo de sua carreira para representar sua ideia central, que era a liberdade. Talvez sua invenção mais poderosa tenha sido o que ela chamou de "mão a mãos" — obras de arte que precisam ser passadas entre os espectadores em uma exposição antes de serem penduradas na parede. Seu trabalho era baseado na beleza do desconhecido e exaltava a conexão íntima que deve existir entre as pessoas e a arte para que ambas alcancem seu pleno potencial.

Imagem em destaque: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Alumínio. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 pol (86 x 66 x 36 cm). Bergamin & Gomide, São Paulo
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park