A Vanguarda Eterna—6 Artistas Abstratas Extraordinárias do Feminino da América Latina

Frequentemente falo sobre a vanguarda em termos de seus fracassos, ou seja, é um tema que ancorou no passado, cheio de histórias antigas de coisas experimentais que artistas já escreveram, já fizeram ou já tentaram. Hoje, espero chamar a atenção para seis artistas abstratas latino-americanas que acredito redefinirem a vanguarda, não como algo fundamentado na história, mas como algo perpetuamente novo e indefinido. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo e Noemi Escandell foram em algum momento celebradas como representantes da vanguarda estética de seu tempo. No entanto, cada uma delas também resiste a ser enterrada pelo passar do tempo, porque a relevância de suas ideias ultrapassa suas gerações individuais. Suas obras permanecem tão frescas e curiosas hoje como sempre. Proponho que isso não se deve apenas à obra em si, mas também à forma como elas abordaram sua prática como artistas e professoras. A maioria dos artistas vanguardistas é definida pela posição singular e de vanguarda que criam para si mesmos, uma posição que pode ser explicada ou reforçada pela escrita, e então demonstrada por meio de uma linguagem visual única, e depois canonizada como um movimento. (Penso em Andy Warhol e a Pop Art, Picasso e o Cubismo, Mondrian e o Neoplasticismo, etc.) As seis artistas abstratas latino-americanas sobre as quais escrevo hoje escapam desse destino porque suas estratégias de representação estética não são fixas, nem no tempo (um momento cultural) nem na teoria. Em vez de destacar um conjunto particular de ideias, seu trabalho explora o que talvez nunca possa ser compreendido, muito menos dito: o desconhecido. Suas obras fluidas e indefiníveis incentivam os espectadores a examinar a escuridão, em vez de chamar atenção para o que foi trazido à luz.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasil)

Lygia Clark se chamava de “propositora”. Ela percebia sua arte como desconectada da história, ligada em vez disso ao momento presente em constante mudança. Seu trabalho não tem significado ou propósito predeterminado além daquele que é atribuído a ele por qualquer espectador que interaja com ele de forma pessoal. Ela se libertou da história da arte e garantiu seu lugar na vanguarda eterna quando disse: “O objeto não está mais ali para expressar qualquer conceito, mas para que o espectador possa alcançar, mais profundamente, seu próprio eu.”

Gego (1912 - 1994, Alemanha/Venezuela)

Nascida e educada na Alemanha, Gertrude Goldschmidt, também conhecida como Gego, fugiu para Caracas, Venezuela, em 1939, no início da Segunda Guerra Mundial. Foi lá, na América do Sul, que ela descobriu seu destino como artista. Embora também tenha pintado, desenhado e esculpido, Gego é mais conhecida por suas instalações em forma de teia, que apresentam redes de pontos e linhas que se unem em universos geométricos de planos imaginários. Muitos escritores dizem que seu trabalho é sobre a linha, mas para mim é mais sobre a busca para expressar continuamente a ação cumulativa. As multidões de pontos e linhas em suas obras são projeções no espaço e no tempo, puxando os espectadores sem fim para o desconhecido.

Carmen Herrera (n. 1915, Cuba)

Carmen Herrera vendeu sua primeira pintura aos 89 anos. Aos 100, teve sua primeira retrospectiva em museu, no Whitney Museum of American Art, em Nova York. Muitos críticos, curadores e comerciantes tentaram desde então classificá-la em termos de vários movimentos históricos da arte, como Minimalismo, Abstração Geométrica e Arte Concreta. No entanto, o que permite a Herrera resistir e, de fato, transcender esses rótulos, é sua dedicação total à visão pessoal. Ela certa vez brincou que não permitiria um livro sobre Picasso em sua casa, porque olhar para Picasso é querer copiá-lo. Seu único objetivo, diz ela, é seguir seu próprio desejo de simplificação, ou o que chama de “um processo de tirar o que não é essencial.” A tensão em seu trabalho muitas vezes vem desse vislumbre daquele espaço onde confrontamos não o que está lá, mas o que está faltando.

Rondo (Azul e Amarelo), 1965 Acrílico sobre tela por Carmen Herrera, americana, nascida em Havana, Cuba, 1915. Fonte: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (n. 1926, Cuba)

Nascida em Cuba, Zilia Sanchez vive e trabalha em Porto Rico desde a década de 1970. Suas telas moldadas sobressaem da parede, como objetos — ou forças — que parecem tentar romper por trás. Esse gesto poético destaca o mistério e alude à sensação de que o que é visível e aparentemente tão importante no momento presente está simultaneamente sendo alterado diante de nossos olhos. Esta obra é uma representação icônica da vanguarda eterna, pois agita o fato de que tudo está constantemente sendo reconfigurado pelo que mais está em processo de surgir.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Muitos artistas falam sobre seu trabalho em termos de investigações. Mercedes Pardo se destacou não pela busca, mas por criar encontros pessoais para seus espectadores. Conhecida por um conjunto de pinturas abstratas geométricas e biomórficas que trabalhou por décadas ao longo de sua carreira, ela na verdade trabalhou em uma variedade de meios diferentes, incluindo figurinos, ilustração de livros, colagem e arte pública em grande escala. Pardo considerava os encontros pessoais com a arte como o oposto — ou talvez o antídoto — da cultura do consumo. Ela evitava a imposição de padrões, centrando-se em vez disso em experiências únicas do espectador com matéria purificada.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Amada por seus alunos e outros artistas, e temida por autoritários políticos, Noemi Escandell acreditava firmemente que gestos políticos e artísticos são um só. Ela é conhecida agora, após sua morte, pelas esculturas e desenhos espaciais abstratos que começou a criar na década de 1960, que se relacionam visualmente com o Minimalismo. No entanto, Escandell abraçou uma incrível variedade de estratégias visuais ao longo de sua carreira para representar sua ideia central, que era a liberdade. Talvez sua invenção mais poderosa tenha sido o que ela chamou de “mão a mão” — obras de arte que precisam ser passadas entre os espectadores em uma exposição antes de serem penduradas na parede. Seu trabalho baseava-se na beleza do desconhecido e exaltava a conexão íntima que deve existir entre pessoas e arte para que ambos alcancem seu pleno potencial.

Imagem em destaque: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Alumínio. 86 x 66 x 36 cm (33 9/10 x 26 x 14 1/5 pol). Bergamin & Gomide, São Paulo
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio