O Guggenheim Apresenta: O Mural de Jackson Pollock

Uma das pinturas americanas mais lendárias está retornando a Manhattan após uma ausência de 22 anos. “Mural” (1943), de Jackson Pollock, estará em exibição no Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova York, de 3 de outubro de 2020 a 19 de setembro de 2021. A “exposição focada” (significando que é a única obra na mostra) é a última parada de uma turnê mundial de seis anos que a pintura vem realizando desde sua limpeza e conservação de dois anos no Getty Conservation Institute, em Los Angeles. A pintura recondicionada, pesando 345 libras e medindo 2,5 x 6 metros, estreou em 2015 na exposição Jackson Pollock’s Mural: Energy Made Visible, na Coleção Peggy Guggenheim, em Veneza, Itália. Desde então, viajou para museus em Berlim, Málaga, Londres, Kansas City, Washington, DC, e Boston, entre outros. Após sua próxima estadia em Nova York, “Mural” retornará ao que é tecnicamente sua residência permanente: o Museu de Arte da Universidade de Iowa. (Peggy Guggenheim presenteou a pintura aos Hawkeyes em 1951, supostamente depois que estudantes de Yale, sua primeira escolha, recusaram a oferta.) Manhattan, no entanto, sempre poderá reivindicar ser o verdadeiro lar de “Mural.” Pollock a pintou em seu estúdio no Lower Manhattan após ser comissionado por Guggenheim para criar uma obra para pendurar no longo e estreito saguão do prédio de apartamentos onde ela morava na East Sixty-first Street. Essa encomenda foi o que permitiu a Pollock a transição de seu trabalho diurno como conservador no Museu de Pintura Não-Objetiva para ser um artista em tempo integral. Muito já foi escrito sobre a conquista histórica na abstração que “Mural” representa, assim como sobre os vários mitos ligados à obra, como a agora desmentida afirmação de que Pollock a pintou em um único dia. Como parte de nossos preparativos para o retorno desta obra histórica a Nova York, pensamos em analisar dois outros aspectos importantes da obra, como um fotógrafo pouco lembrado que ajudou a inspirar Pollock a criar seu estilo gestual de pintura, e o legado estético duradouro que “Mural” ajudou a definir.

Luzes em Ação

Você talvez já tenha ouvido a história de como alguns métodos pelos quais Pollock é agora renomado foram, na verdade, pioneirados pelo renomado muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Pollock fez aulas com Siqueiros na década de 1930, durante as quais os alunos eram ensinados a gerar poder emocional em suas composições ao respingar e salpicar tinta sobre as superfícies. No entanto, há apenas evidências esparsas de gotejamento e respingos em “Mural,” que é considerada a primeira pintura abstrata “totalmente coberta” criada por Pollock. Análises científicas contemporâneas revelam que a maioria das marcas na pintura foi feita por um pincel tradicional em contato direto com a tela. “Mural” representa, contudo, um momento de avanço para Pollock em termos de outra técnica: seu uso da marcação gestual. A composição é frenética e biomórfica: uma selva de linhas e formas gestuais e fluidas. Filmes de Pollock trabalhando em seu estúdio mais tarde na vida mostram como ele empregava todo o seu corpo, como um dançarino, para que suas pinturas se tornassem encarnações de energia e ação.

Jackson Pollock em pé em frente a Mural (1943) nos estúdios da revista Vogue, por volta de 1947. Foto: Herbert Matter, cortesia do Departamento de Coleções Especiais, Bibliotecas da Universidade de Stanford

Claro, movimentos gestuais sempre fizeram parte da tradição pictórica. Artistas chineses de tinta exploraram o potencial emotivo dos gestos pintados há séculos. “Mural” é, no entanto, considerado um precursor de um movimento distintamente contemporâneo chamado “pintura de ação.” Pollock é um pioneiro desse movimento, mas seus métodos gestuais também foram inspirados pelo trabalho de outra artista — uma fotógrafa chamada Barbara Morgan. Uma das primeiras defensoras do potencial da abstração dentro do meio fotográfico, Morgan ganhou destaque fotografando dançarinos modernos em Nova York na década de 1930. Inspirada pela fluidez de seus movimentos, ela começou a criar o que chamava de “desenhos de luz” por volta de 1940. Ela posicionava sua câmera com a abertura do diafragma aberta em uma sala escura e então usava uma luz portátil para “desenhar” no negativo enquanto realizava movimentos gestuais. Esses desenhos gestuais e abstratos de luz têm uma notável semelhança com as linhas e formas em “Mural.” Isso não diminui Pollock, é claro — é apenas um reconhecimento de que ele conhecia Morgan e seus desenhos de luz, que foram incluídos na exposição Fotografia de Ação no MoMA no mesmo ano em que Pollock pintou “Mural.”

Jackson Pollock, The She-Wolf, 1943. Óleo, guache e gesso sobre tela, 106,4 x 170,2 cm. Museu de Arte Moderna, Nova York, Compra, 1944 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nova York. Imagem digital © Museu de Arte Moderna/Licenciado por SCALA/Art Resource, Nova York

Representando a Natureza

Embora “Mural” seja considerado abstrato, algum conteúdo figurativo também é visível na composição. Pollock certa vez descreveu a obra como contendo “uma debandada [de] todos os animais do Oeste americano, vacas, cavalos, antílopes e búfalos.” Alguns dizem que a cabeça de um cavalo é claramente visível logo à esquerda do centro da composição. No entanto, o impacto duradouro que Pollock teve na evolução da arte moderna não tem relação com qualquer conteúdo narrativo que um espectador possa perceber nesta ou em qualquer outra de suas pinturas. Em vez disso, seu legado está relacionado à forma como ele pintava. Pode ser resumido por sua famosa resposta à pergunta que lhe fizeram certa vez, se ele pintava a partir da natureza, à qual Pollock respondeu: “Eu sou a natureza.”

Jackson Pollock com a tela não pintada para Mural em seu apartamento na Eighth Street, em Nova York, onde morava com Lee Krasner, verão de 1943. Foto: Bernard Schardt, cortesia da Pollock-Krasner House and Study Center, East Hampton, Nova York, doação de Jeffrey Potter

Pollock compreendeu a noção conceitual de que o verdadeiro tema de uma obra de arte visual não precisa estar contido em nenhum aspecto visual da própria arte. Ele fez a transição de ser um artista que representava a natureza em imagens para ser um artista que é um representante vivo da natureza. As posições de artistas tão diversos em sua abordagem estética como Yves Klein, Joseph Beuys, o Grupo Gutai, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle e Carolee Schneemann, estão todas enraizadas nessa mesma noção antimatéria, de que o relicário estético é menos importante do que o ato criativo em si. Este é um aspecto pouco valorizado do legado de Pollock, talvez porque suas obras estejam entre as coisas materiais mais caras do mundo. No entanto, considero isso a coisa mais importante que ele provou: que o método é o significado.

Imagem em destaque: Jackson Pollock - Mural, 1943. Óleo e caseína sobre tela, 242,9 x 603,9 cm. Museu Stanley de Arte da Universidade de Iowa, doação de Peggy Guggenheim, 1959.6 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nova York
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio