As Esculturas Humanas de Jonathan Borofsky

Quando começou sua carreira artística na década de 1960, Jonathan Borofsky aspirava encontrar uma maneira de unificar o Minimalismo com a Pop Art; fundir noções essencialmente abstratas como pureza e simplicidade com uma linguagem visual que pudesse ter apelo de massa. Ao longo dos anos, Borofsky transitou por diversos corpos de trabalho distintos em busca desse objetivo elusivo. Uma ideia que ele perseguiu estava relacionada a números, que ele sente ter uma espécie de poder quase espiritual: eles conectam pessoas, lugares e coisas de maneiras concretas e determinam todos os aspectos dos reinos físico e metafísico. Durante anos, Borofsky anotou sua contagem crescente a cada dia e fez várias obras de arte que simplesmente declaravam o número em que estava em um determinado momento. Ele assinou outras obras de arte que pareciam, de outra forma, não estar relacionadas a números, não com sua assinatura, mas com sua contagem numérica do dia em que a obra foi finalizada. Além de sua série de números, Borofsky criou um corpo de trabalho baseado em declarações simples e textuais feitas em superfícies bidimensionais, como placas. Outro corpo de trabalho recriou imagens e objetos que Borofsky viu em seus sonhos. Cada um desses experimentos tocou, de várias maneiras, em noções de abstração e figuração. Cada um, à sua maneira, era tanto altamente conceitual quanto absolutamente literal. No entanto, nenhum realmente alcançou aquilo que ele desejava – uma incorporação do Minimalismo e da Pop Art que pudesse ser instantaneamente compreendida. Borofsky finalmente alcançou seu objetivo ao se concentrar no que é talvez o assunto mais modesto imaginável: a forma humana. Começando com esculturas em pequena escala para galerias, passando para instalações complexas com centenas de formas humanas, e finalmente expandindo para o domínio público, Borofsky criou um enorme corpo de esculturas humanas. Muitos dos espectadores que encontram essas esculturas as leem como obras figurativas diretas, e ainda assim, em cumprimento de sua ambição, muitos outros também encontram nelas qualidades que revelam os amplos e complexos mistérios do mundo invisível.

Essência Material e Pictórica

Uma das maneiras mais óbvias pelas quais Borofsky unificou os métodos do Minimalismo com os da Pop Art é ao dotar suas esculturas humanas de uma essência material sucinta. Materiais e processos são aspectos-chave da ética Minimalista. Artistas como Donald Judd valorizavam materiais industriais como metal, plástico e concreto por suas qualidades impessoais, que por sua natureza rejeitavam a virtuosidade ao disfarçar a "mão do artista". Processos industriais também são preferidos por artistas Minimalistas porque democratizam a arte. Em vez de uma obra de arte ser idolatrada por sua raridade, ela pode ser apreciada pelo fato de que poderia ser reproduzida infinitamente – um verdadeiro reflexo da Era Moderna. Juntamente com a derrota da virtuosidade e da raridade, o Minimalismo também defende a simplicidade, buscando alcançar a pureza por meio da eliminação de detalhes supérfluos. Embora suas esculturas humanas assumam uma ampla variedade de qualidades físicas e visuais, Borofsky sempre se preocupa em escolher materiais e processos industriais e em simplificar suas formas, garantindo que a obra expresse esses três ideais Minimalistas: democracia, abundância e pureza.

Jonathan Borofsky - Homem Andante, 17 metros de altura, estrutura interna de aço com casca externa de fibra de vidro. Instalação permanente, edifício da Munich Re, Munique, Alemanha, 1995. © Jonathan Borofsky

Uma diferença essencial entre a Pop Art e o Minimalismo é que os artistas minimalistas tendem quase exclusivamente a fazer trabalhos não-narrativos e não-figurativos, enquanto os artistas pop tendem a fazer exatamente o oposto, tomando de forma ousada conteúdo narrativo e figurativo diretamente da cultura popular. De uma maneira geral, a figura humana pode ser considerada o exemplo máximo de assunto cultural apropriado. Mas Borofsky não para por aí. Para suas esculturas humanas, ele busca manifestações particulares da figura humana que se relacionam com a cultura popular de outras maneiras, adicionando camadas ao trabalho que se relacionam não apenas com a humanidade em geral, mas com momentos humanos específicos. Frequentemente, os elementos mais narrativos no trabalho revelam os aspectos mais ocultos e, às vezes, mais cínicos da natureza humana. Por exemplo, uma escultura humana que ele instalou uma vez em Los Angeles faz referência a atletas se abraçando após um jogo. Parte da série "Molecule Men", a escultura apresenta centenas de buracos perfurados nas formas. Um crítico interpretou de forma grosseira como um monumento aos tiroteios em via pública, vendo os buracos como buracos de bala e assumindo que o metal escurecido era uma declaração sobre raça.

Jonathan Borofsky - Torre das Pessoas. 20 metros de altura, aço pintado. Instalação permanente, Parque Olímpico, Pequim, China, 2008. © Jonathan Borofsky

Tudo Sobre Relacionamentos

Em alguns aspectos, com suas esculturas humanas, pode-se dizer que Borofsky está imitando, ou pelo menos se esforçando para imitar, toda a gama de potencialidade humana. Mesmo quando ele destaca um ato humano específico, como em suas esculturas "Homem Martelando" que mostram uma pessoa envolvida no ato cotidiano do trabalho manual, ele consegue evocar ambos os extremos do espectro da cultura humana. Em um sentido material, o "Homem Martelando" é extremamente austero. No que diz respeito à sua escala e potenciais ramificações políticas, no entanto, é potencialmente ostentoso. Ao apresentar a combinação de ambos os extremos dentro do contêiner da figura humana, Borofsky convida os espectadores a especular não apenas sobre o que a escultura é, mas sobre o que ela é para eles. Esta ampla declaração social ecoa as palavras de Walt Whitman: "Eu contido multidões."

Jonathan Borofsky - Homem Martelo, Museu de Arte de Seattle. © Jonathan Borofsky

O mais fascinante é como os elementos que são os mais abstratos nas Esculturas Humanas muitas vezes acabam fazendo o maior impacto na narrativa pública que evolui em torno da obra. No caso da escultura de Los Angeles mencionada anteriormente, a cor e a forma – dois dos elementos mais abstratos da peça – tornaram-se mais importantes do que a verdadeira história por trás da obra. Enquanto isso, outras obras, como aquelas na série "Pessoas Caminhando para o Céu", apresentam enormes postes diagonais prateados com pequenas formas humanas caminhando para cima sobre eles. O assunto narrativo é facilmente relacionável, mas o que dá à obra seu poder e presença são suas fortes qualidades lineares e seu acabamento metálico. Esses aspectos definem a relação da obra com a arquitetura circundante. Eles também definem sua relação com os espectadores, à medida que percebemos que o que realmente estamos olhando é um reflexo de nós mesmos. Nós somos aqueles que atravessam um solo que é facilmente descrito enquanto marchamos felizes para o desconhecido.

Imagem em destaque: Jonathan Borofsky - Estruturas Humanas e a Luz da Consciência. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 de janeiro - 10 de maio de 2009. © Jonathan Borofsky
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park