A Importância da série Burst de Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb disse certa vez: “O papel do artista, claro, sempre foi o de criador de imagens. Tempos diferentes exigem imagens diferentes.” Gottlieb testemunhou vários tempos claramente distintos e mudou seu método significativamente três vezes para responder à evolução da cultura. Sua obra atingiu o ápice com suas pinturas Burst, uma série que ele começou em 1957 e continuou a expandir até sua morte em 1974. A linguagem visual dos Bursts é simples e direta — a tela é dividida em duas zonas: superior e inferior. A zona superior é habitada por uma ou mais formas circulares em uma gama limitada de cores; a zona inferior é habitada por uma explosão frenética e gestual de energia cacofônica e turbulenta, normalmente pintada em preto. Para Gottlieb, as pinturas Burst significavam a expressão máxima de sua grande ideia: que existem polaridades simultaneamente existentes no universo, como escuridão e luz. A sabedoria convencional tende a descrever tais forças como se fossem dicotômicas — como se a luz fosse fundamentalmente oposta à escuridão. Gottlieb compreendia que luz e escuridão são pontos em um espectro, feitos da mesma matéria dispersa em medidas diferentes. Ele considerava as polaridades tão semelhantes que uma pode se tornar a outra com apenas um leve empurrão das forças que regem, e as duas zonas em suas pinturas Burst operam de maneira semelhante. As formas circulares parecem estar organizadas, pairando com confiança acima do que parece ser uma confusão. Mas ambas fazem parte da mesma imagem, e nenhuma está em um estado fixo de ser. O que está em cima pode descer, e o que parece caótico, sob as circunstâncias adequadas, pode se unir e tornar-se um só.

Os Principais Bursts

Exemplos das pinturas Burst adornam algumas das coleções de arte mais reverenciadas do mundo. O imenso “Blast I” (1957), medindo 228,7 x 114,4 cm, está exposto no MoMA em Nova York. Nele, uma enorme esfera vermelha paira estoicamente acima de um amontoado igualmente ameaçador de marcas gestuais pretas. Esta imagem icônica deu início à série, e uma revisitação poeticamente carregada de sua iconografia apareceu novamente em 1973, apenas um ano antes da morte de Gottlieb. Em “Burst” (1973), uma das últimas pinturas que o artista criou antes de morrer, a esfera vermelha suavizou-se e começou a se desmontar, enviando explosões solares cor-de-rosa para o éter. Enquanto isso, o amontoado caótico de marcas gestuais se desfez em uma espécie de família de formas, afundando abaixo da linha do horizonte, aparentemente emitindo tentáculos e sementes para o espaço.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Óleo sobre tela. 2,29 m x 1,14 m. Fundo Philip Johnson. © Fundação Adolph e Esther Gottlieb/Licenciado por VAGA, Nova York, NY. Coleção MoMA.

Entre outras famosas pinturas Burst está “Blues” (1962), agora na coleção do Smithsonian American Art Museum. Sua paleta azul e preta é sóbria e serena, a escuridão lembrando um eclipse ou uma imagem solarizada residual. “Trinity” (1962), outro Burst monumental, está na coleção permanente do Crystal Bridges Museum of American Art. Esta tela de 203,2 x 469,9 cm estende o campo visual horizontalmente. Três esferas sólidas — uma azul, uma vermelha e uma preta — flutuam no espaço acima de um elegante conjunto de marcas caligráficas de pincel. As marcas parecem lançar uma sombra cinza enquanto uma esfera amarela suave paira no plano intermediário entre as zonas superior e inferior. A variedade exemplificada por “Blues” e “Trinity” demonstra a enorme variação que Gottlieb explorou em seu tema relativamente simples, conferindo a cada obra da série Burst um sentido idiossincrático de significado próprio.

Adolph Gottlieb - Icon, 1964. Óleo sobre tela. 144 x 254 cm. © Fundação Adolph e Esther Gottlieb.

Preparando-se para Explodir

Embora tenha começado a pintar na década de 1920, a jornada que Gottlieb fez para chegar ao gênio simples de suas pinturas Burst começou na década de 1930. Foi quando ele abraçou o Surrealismo e o subconsciente. Ele chegou à conclusão de que as expressões estéticas mais essenciais são atemporais porque se relacionam com realidades existenciais fundamentais como poder, medo, nascimento e morte: a matéria dos mitos. Sua pesquisa nessa linha de pensamento o levou a desenvolver sua primeira grande série de pinturas, que chamou de Pictogramas. Baseados em uma linguagem simbólica e intuitiva de formas abstratas, seus Pictogramas eram estruturados dentro de grades — uma tentativa de transmitir expressões compartimentadas da realidade. Embora frequentemente considerados abstratos, Gottlieb descrevia seus Pictogramas como realistas, pois expressavam a verdadeira, ansiosa e misteriosa condição humana. Ele os pintou até 1951, quando decidiu que os tempos exigiam algo novo. Em busca de um método simplificado, abandonou a grade e dividiu a tela em duas — uma parte superior e uma inferior com uma linha do horizonte entre elas. Ele chamou essa nova série de Paisagens Imaginárias, porque transmitiam a paisagem interior da existência, incluindo estados emocionais, intelectuais, intuitivos e subconscientes de ser.

Adolph Gottlieb - Homem Olhando para Mulher, 1949. Óleo sobre tela. 106,6 x 137,1 cm. Doação do artista. © Fundação Adolph e Esther Gottlieb/Licenciado por VAGA, Nova York, NY. Coleção MoMA.

A série Burst evoluiu a partir das Paisagens Imaginárias, representando a destilação da mesma ideia. Gottlieb simplificou o que acontecia nas partes superior e inferior das Paisagens Imaginárias e deixou de usar uma linha do horizonte real para dividir a tela em duas partes. Mas as pinturas Burst também representam uma espécie de acréscimo — o acréscimo do espaço. Em termos simples, Gottlieb percebeu que, quando a linha do horizonte era removida, a única coisa entre as formas superior e inferior na tela era o espaço, e quanto maior a tela, mais épicas e espalhadas eram as formas, e mais espaço parecia haver. Mas ele não pensava no espaço apenas em termos de distância mensurável. Tratava-se mais da totalidade do mundo visual e emocional da pintura. As formas habitam o mesmo espaço, mas ocupam territórios distintos dentro dele. Seu espaço de cor é distinto; seu espaço formal é distinto; seu espaço linear é único; e seu espaço intelectual é único. Em última análise, essa é a noção de espaço que foi vital para como Gottlieb percebeu suas pinturas Burst, porque ele a entendia como uma expressão elevada da totalidade da existência e do mito de suas partes aparentemente individuais.

Imagem em destaque: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Óleo sobre tela. 203,2 x 469,9 cm. © Fundação Adolph e Esther Gottlieb.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio