A Importância da série Burst de Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb uma vez disse: “O papel do artista, é claro, sempre foi o de criador de imagens. Tempos diferentes exigem imagens diferentes.” Gottlieb testemunhou múltiplos tempos distintamente diferentes e mudou significativamente seu método três vezes para responder à evolução da cultura. Sua obra atingiu o auge com suas pinturas Burst, uma série que ele começou em 1957 e continuou a expandir até sua morte em 1974. A linguagem visual dos Bursts é simples e direta— a tela é dividida em duas zonas: superior e inferior. A zona superior é habitada por uma ou mais formas circulares em uma gama limitada de cores; a zona inferior é habitada por uma explosão frenética e gestual de energia cacofônica e giratória, normalmente pintada de preto. Para Gottlieb, as pinturas Burst significavam a expressão máxima de sua grande ideia: que existem polaridades simultaneamente existentes no universo, como escuridão e luz. A sabedoria convencional tende a descrever tais forças como se fossem dicotômicas—como se a luz fosse fundamentalmente oposta à escuridão. Gottlieb entendia que luz e escuridão são pontos em um espectro, e feitos da mesma substância dispersa em diferentes medidas. Ele considerava as polaridades tão semelhantes que uma pode se tornar a outra com apenas o menor empurrão das forças que estão no comando, e as duas zonas em suas pinturas Burst operam de maneira semelhante. As formas circulares parecem estar em harmonia, pairando confiantemente acima do que parece ser um conflito. Mas ambas são parte da mesma imagem, e nenhuma está em um estado fixo de ser. O que está em cima pode descer, e o que parece caótico, nas circunstâncias adequadas, pode se coalescer e se tornar um.

As principais explosões

Exemplos de pinturas Burst adornam algumas das coleções de arte mais reverenciadas do mundo. O maciço “Blast I” (1957), medindo 228,7 x 114,4 cm, está pendurado no MoMA em Nova York. Nele, um gigantesco orbe vermelho paira estoicamente acima de um igualmente ameaçador emaranhado de marcas gestuais pretas. Esta imagem icônica deu início à série, e uma revisitação poeticamente carregada de sua iconografia apareceu novamente em 1973, apenas um ano antes da morte de Gottlieb. Em “Burst” (1973), uma das últimas pinturas que o artista criou antes de morrer, o orbe vermelho se suavizou e começou a se desmantelar, enviando explosões de sol rosa para o éter. Enquanto isso, o caótico emaranhado de marcas gestuais se desfez em uma espécie de família de formas, afundando abaixo da linha do horizonte, aparentemente emitindo tentáculos e sementes para o espaço.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Óleo sobre tela. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Fundo Philip Johnson. © Adolph e Esther Gottlieb Foundation/Licenciado por VAGA, Nova York, NY. Coleção MoMA.

Entre outras famosas pinturas de Burst está "Blues" (1962), agora na coleção do Smithsonian American Art Museum. Sua paleta azul e preta é sombria e serena, a escuridão se assemelhando a um eclipse, ou a uma imagem solarizada. "Trinity" (1962), outro monumental Burst, está na coleção permanente do Crystal Bridges Museum of American Art. Esta tela de 203,2 x 469,9 cm estende o campo visual horizontalmente. Três orbes sólidos—um azul, um vermelho e um preto—flutuam no espaço acima de um elegante conjunto de marcas de pincel caligráficas. As marcas parecem projetar uma sombra cinza enquanto um gentil orbe amarelo paira no meio-termo entre as zonas superior e inferior. A gama de variação exemplificada por "Blues" e "Trinity" demonstra a tremenda variação que Gottlieb explorou em seu tema relativamente simples, dotando cada obra da série Burst com um sentido idiossincrático de significado próprio.

Adolph Gottlieb-Ícone, 1964. Óleo sobre tela. 144 x 100". ©Fundação Adolph e Esther Gottlieb.

Preparando-se para estourar

Embora tenha começado a pintar na década de 1920, a jornada que Gottlieb percorreu para chegar ao simples gênio de suas pinturas Burst começou na década de 1930. Foi então que ele levou a sério o abraço surrealista do subconsciente. Ele chegou à realização de que as expressões estéticas mais essenciais são atemporais porque se relacionam com realidades existenciais fundamentais como poder, medo, nascimento e morte: a matéria dos mitos. Sua pesquisa nessa linha de pensamento o levou a desenvolver sua primeira grande série de pinturas, que ele chamou de Pictographs. Baseados em uma linguagem simbólica e intuitiva de formas abstratas, seus Pictographs foram estruturados dentro de grades—uma tentativa de transmitir expressões compartimentalizadas da realidade. Embora frequentemente considerados abstratos, Gottlieb descreveu seus Pictographs como realistas, uma vez que expressavam a verdadeira, ansiosa e misteriosa condição humana. Ele os pintou até 1951, quando decidiu que os tempos pediam algo novo. Em busca de um método simplificado, ele abandonou a grade e dividiu a tela em duas—uma parte superior e uma inferior com uma linha do horizonte entre elas. Ele chamou essa nova série de Imaginary Landscapes, porque transmitiam a paisagem interior da existência, incluindo estados emocionais, intelectuais, intuitivos e subconscientes de ser.

Adolph Gottlieb - Homem Olhando para Mulher, 1949. Óleo sobre tela. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Doação do artista. © Adolph e Esther Gottlieb Foundation/Licenciado por VAGA, Nova York, NY. Coleção do MoMA.

A série Burst evoluiu a partir das Paisagens Imaginárias e representa a destilação da mesma ideia. Gottlieb simplificou o que estava acontecendo nas partes superior e inferior das Paisagens Imaginárias e parou de depender de uma linha do horizonte real para dividir a tela em duas partes. Mas as pinturas Burst também representam uma adição de certa forma— a adição de espaço. Colocando em termos mais simples, Gottlieb percebeu que, quando a linha do horizonte era removida, a única coisa entre as formas superior e inferior na tela era o espaço, e quanto maior a tela, mais épicas as formas se espalhavam, e mais espaço parecia haver. Mas ele não pensava no espaço apenas em termos de distância que pode ser medida. Tinha mais a ver com a totalidade do mundo visual e emocional da pintura. As formas habitam o mesmo espaço e, no entanto, ocupam territórios distintos dentro do espaço. Seu espaço de cor é distinto; seu espaço formal é distinto; seu espaço linear é único; e seu espaço intelectual é único. Em última análise, essa é a noção de espaço que foi vital para como Gottlieb percebeu suas pinturas Burst, porque ele a entendia como uma expressão elevada da totalidade da existência e o mito de suas partes aparentemente individuais.

Imagem em destaque: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Óleo sobre tela. 80 x 185". ©Fundação Adolph e Esther Gottlieb.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Barcio