Un Art Autre - Abstração na Paris do Pós-Guerra na Levy Gorvy

Em 1952, o crítico de arte e curador francês Michel Tapié cunhou a frase “Un Art Autre”, que significa “arte de outro tipo”, para se referir a uma tendência que ele percebeu na arte abstrata, afastando-se da racionalidade e em direção à espontaneidade. A tendência não se manifestava apenas na França, onde Tapié estava baseado, mas era para a França que muitos artistas de todo o mundo viajavam durante as décadas de 1950 e 60 para compartilhar sua exploração desse fenômeno estético. Alguns eram veteranos da Segunda Guerra Mundial que permaneceram na Europa após a guerra ou se mudaram de volta para lá para estudar e trabalhar. Outros eram simplesmente atraídos pela empolgação de uma cidade e cultura tentando se reconstruir. Aproveitando a única “cultura de café” de Paris, esse coletivo internacional de artistas e pensadores compartilhava suas ideias livremente, criando uma cena emocionante e primordial. Essa cultura fascinante é atualmente o tema de uma exposição na Levy Gorvy em Londres, que leva o nome do movimento ao qual Tapié deu um nome. Un Art Autre apresenta 22 pinturas de cinco pintores— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell e Sam Francis—cada um dos quais, em algum momento durante as décadas de 1950 e 60, chamou Paris de lar. Representando respectivamente a França, a China, o Canadá e os Estados Unidos, esses artistas trouxeram consigo uma visão de mundo individualista e uma história pessoal. Cada um tinha uma relação completamente diferente com a pintura e com a vida. No entanto, todos compartilhavam o desejo de se conectar com algo intuitivo e livre. De forma alguma esses cinco artistas foram as únicas vozes da “arte de outro tipo” que evoluíram nos anos pós-guerra na Europa, mas ver suas obras juntas nesta exposição oferece um ponto de entrada pungente para o movimento do qual faziam parte. Também dá aos espectadores contemporâneos a oportunidade de examinar as diferenças entre esse movimento e tendências semelhantes que se manifestaram em outros lugares durante esse período, como o Expressionismo Abstrato nos Estados Unidos.

Cor e Preto e Branco

Hoje, Pierre Soulages é considerado por muitos como o maior pintor vivo. Ele é amado por suas elegantes e frequentemente emocionalmente avassaladoras pinturas em preto. Mesmo quando Soulages estava desenvolvendo sua voz única em Paris após a guerra, ele tinha uma compreensão profunda de como a cor preta funcionava em suas pinturas. Ele a via não como uma forma de mostrar escuridão, mas como uma maneira de "criar luz". Ao justapor acabamentos brilhantes e foscos, e criar relações entre áreas pretas e brancas da tela, ele criou oportunidades para a luz interagir com as texturas e matizes. As relações entre as diferentes áreas da tela são parte do que torna suas pinturas tão luminosas. Nesta exposição, vemos cinco de suas telas. Apesar de sua estrutura composicional rígida em pinturas como "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) e "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), seus pretos vibrantes e pinceladas fortes trazem suas superfícies à vida. Elas são tudo, menos puro preto, mas a interação dos ocres, azuis e brancos de alguma forma faz o preto brilhar ainda mais.

Joan Mitchell - Sem Título, 1957. Óleo sobre tela. 69 x 58 1/2 polegadas (175,2 x 148,5 cm). Coleção Particular, Santa Barbara. © Espólio de Joan Mitchell.

As relações de cor também eram de suma importância para Joan Mitchell, cujas quatro obras estão nesta exposição. Todas as quatro—que provavelmente serão novas para a maioria dos visitantes, já que foram reunidas inteiramente de coleções privadas—demonstram a habilidade magistral que Mitchell tinha de transmitir tom emocional através de sua paleta de cores. O que estamos vendo em suas obras é claramente algo "da natureza", apesar das imagens serem completamente abstratas. Essa sensação de natureza é apenas intensificada pelo estilo gestual quase extático que Mitchell desenvolveu durante suas frequentes visitas e eventual mudança para a França—um estilo que é lindamente representado pelas obras nesta mostra. Suas composições são as mais soltas e livres de qualquer uma das obras da exposição: um testemunho de seu desejo de desaparecer dentro de si mesma enquanto pintava, e de capturar uma sensação de algo pessoal baseado em suas próprias memórias do mundo natural.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Óleo sobre tela. 80 3/4 x 76 polegadas (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Universidade de Washington em St. Louis. Doação do Sr. e Sra. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, Califórnia / DACS 2019.

A Gama Completa de Impulso

As obras em exibição de Jean Paul Riopelle demonstram a mudança dramática que ocorreu em seus métodos durante o início da década de 1950. A mais reconhecível na mostra é “Abstração (Laranja)” (1952). Uma das obras maiores da exposição, sua ação gestual frenética traça um paralelo imediato com as pinturas de respingos mais frequentemente associadas a pintores do Expressionismo Abstrato, como Jackson Pollock. Em obras posteriores, como “Horizontal, Preto e Branco” (1955), vemos Riopelle construindo uma técnica muito mais deliberada, com marcas de pincel apertadas, medidas e cheias de ansiedade, enquanto, no entanto, retém a energia impulsiva que tão vividamente anima seu trabalho. Quase no extremo oposto da escala de impulso, vemos três pinturas sublimes de Zao Wou-Ki. Suas paletas suaves e harmonias composicionais equilibradas mostram um pintor que atinge um equilíbrio maravilhosamente assombroso entre a livre expressão e a calma medida.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Preto e Branco, 1955. Óleo sobre tela. 28 3/4 x 36 1/4 polegadas (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Coleção Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Noruega. © SODRAC, Montreal e DACS, Londres, 2019.

O pintor com quem estou menos familiarizado nesta exposição é Sam Francis. Depois de ver os cinco exemplos de seu trabalho na mostra, sinto que há muito mais para aprender sobre ele ainda. A frivolidade etérea de uma composição sem título, laranja, amarela e azul evocou em mim pensamentos de Hellen Frankenthaler, enquanto sua “Blue Series No. 1” (1960) imediatamente me lembrou Yves Klein. Outras duas peças—“Composition” (c. 1957-58) e “Untitled” (1959)—ofereceram algo mais distinto: uma excitação quase elétrica, como se eu estivesse literalmente olhando para imagens de flutuação e fluxo. Esses conceitos, de fato, estão no cerne do que esta exposição tem a dizer sobre a “outra forma de arte” que emergiu em Paris nas décadas de 1950 e 60. É difícil definir exatamente, e difícil de nomear, mas era uma arte definida por sua capacidade de mudar e sua disposição de deixar ir. Un Art Autre está em exibição em Levy Gorvy London até 5 de julho de 2019.

Imagem em destaque: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Óleo sobre tela. 31 7/8 x 51 3/16 polegadas (81 x 130 cm). Coleção Particular. © DACS 2019.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Barcio