Un Art Autre - Abstração na Paris do Pós-Guerra na Levy Gorvy

Em 1952, o crítico e curador de arte francês Michel Tapié cunhou a expressão “Un Art Autre”, que significa “arte de outro tipo”, para se referir a uma tendência que ele percebeu na arte abstrata, afastando-se da racionalidade e caminhando para a espontaneidade. A tendência não se manifestava apenas na França, onde Tapié estava baseado, mas foi para a França que muitos artistas de todo o mundo viajaram durante as décadas de 1950 e 60 para compartilhar sua exploração desse fenômeno estético. Alguns eram veteranos da Segunda Guerra Mundial que permaneceram na Europa após a guerra ou retornaram para estudar e trabalhar. Outros foram simplesmente atraídos pela empolgação de uma cidade e cultura tentando se reconstruir. Aproveitando a única “cultura de café” de Paris, esse coletivo internacional de artistas e pensadores compartilhava suas ideias livremente, criando uma cena primordial e emocionante. Essa cultura fascinante é atualmente o tema de uma exposição na Levy Gorvy em Londres, que leva o nome do movimento ao qual Tapié deu nome. Un Art Autre apresenta 22 pinturas de cinco pintores — Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell e Sam Francis — cada um dos quais, em algum momento durante as décadas de 1950 e 60, chamou Paris de lar. Representando respectivamente França, China, Canadá e Estados Unidos, esses artistas trouxeram consigo uma visão de mundo individualista e uma história pessoal. Cada um tinha uma relação completamente diferente com a pintura e com a vida. No entanto, todos compartilhavam o desejo de se conectar com algo intuitivo e livre. De forma alguma esses cinco artistas foram as únicas vozes da “arte de outro tipo” que evoluiu nos anos do pós-guerra na Europa, mas ver suas obras juntas nesta exposição oferece um ponto de entrada comovente para o movimento do qual fizeram parte. Também dá aos espectadores contemporâneos a oportunidade de examinar as diferenças entre esse movimento e tendências similares que se manifestaram em outros lugares durante esse período, como o Expressionismo Abstrato nos Estados Unidos.

Cor e Preto e Branco

Hoje, Pierre Soulages é considerado por muitos o maior pintor vivo. Ele é amado por suas pinturas elegantes e frequentemente emocionalmente impactantes em preto. Mesmo quando Soulages estava desenvolvendo sua voz única em Paris após a guerra, ele tinha uma compreensão profunda de como a cor preta funcionava em suas pinturas. Ele a via não como uma forma de mostrar escuridão, mas como uma maneira de “criar luz”. Ao justapor acabamentos brilhantes e foscos e criar relações entre áreas pretas e brancas da tela, ele criou oportunidades para a luz interagir com as texturas e tonalidades. As relações entre as diferentes áreas da tela são parte do que torna suas pinturas tão luminosas. Nesta exposição, vemos cinco de suas telas. Apesar da estrutura composicional rigorosa em pinturas como “Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) e “Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957), seus pretos vibrantes e pinceladas vigorosas dão vida às suas superfícies. Elas estão longe de ser puro preto, mas a interação dos ocres, azuis e brancos faz o preto brilhar ainda mais.

Joan Mitchell - Sem título, 1957. Óleo sobre tela. 175,2 x 148,5 cm (69 x 58 1/2 polegadas). Coleção Particular, Santa Barbara. © Espólio de Joan Mitchell.

As relações de cor também eram de suma importância para Joan Mitchell, quatro de cujas obras estão nesta exposição. Todas as quatro — que provavelmente serão novidade para a maioria dos visitantes, pois foram reunidas inteiramente de coleções particulares — demonstram a habilidade magistral que Mitchell tinha para transmitir o tom emocional por meio de sua paleta de cores. O que vemos em suas obras é claramente algo “da natureza”, apesar das imagens serem completamente abstratas. Essa sensação de naturalidade é ainda mais acentuada pelo estilo gestual quase extático que Mitchell desenvolveu durante suas frequentes visitas e eventual mudança para a França — um estilo que é belamente representado pelas obras nesta mostra. Suas composições são as mais soltas e livres de todas as obras da exposição: um testemunho de seu desejo de desaparecer dentro de si mesma enquanto pintava e de capturar uma sensação de algo pessoal baseado em suas próprias memórias do mundo natural.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Óleo sobre tela. 205,1 x 193 cm (80 3/4 x 76 polegadas). Museu de Arte Mildred Lane Kemper, Universidade de Washington em St. Louis. Doação do Sr. e Sra. Richard K. Weil, 1962. © Fundação Sam Francis, Califórnia / DACS 2019.

A Gama Completa do Impulso

As obras em exibição de Jean Paul Riopelle demonstram a mudança dramática que ocorreu em seus métodos durante o início dos anos 1950. A mais reconhecível na mostra é “Abstraction (Orange)” (1952). Uma das obras maiores da exposição, sua ação gestual frenética traça um paralelo imediato com as pinturas respingadas mais frequentemente associadas a pintores expressionistas abstratos como Jackson Pollock. Em obras posteriores como “Horizontal, Black and White” (1955), vemos Riopelle construindo uma técnica muito mais deliberada, com marcas de pincel apertadas, medidas e cheias de ansiedade, enquanto ainda mantém a energia impulsiva que tanto anima seu trabalho. No extremo quase oposto da escala do impulso, vemos três pinturas sublimes de Zao Wou-Ki. Suas paletas suaves e harmonias composicionais equilibradas mostram um pintor que alcança um equilíbrio maravilhosamente inquietante entre expressão livre e calma medida.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Preto e Branco, 1955. Óleo sobre tela. 73 x 92 cm (28 3/4 x 36 1/4 polegadas). Foto: Øystein Thorvaldsen. Coleção Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Noruega. © SODRAC, Montreal e DACS, Londres, 2019.

O pintor com quem estou menos familiarizado nesta exposição é Sam Francis. Depois de ver os cinco exemplos de seu trabalho na mostra, sinto que ainda há muito a aprender sobre ele. A frivolidade etérea de uma composição sem título, em laranja, amarelo e azul, evocou em mim pensamentos de Hellen Frankenthaler, enquanto sua “Blue Series No. 1” (1960) remeteu imediatamente a Yves Klein. Outras duas peças — “Composition” (c. 1957-58) e “Untitled” (1959) — ofereceram algo mais distinto: uma excitação quase elétrica, como se eu estivesse literalmente olhando para imagens de flutuação e fluxo. Esses conceitos, de fato, estão no cerne do que esta exposição tem a dizer sobre a “outra arte” que surgiu em Paris nas décadas de 1950 e 60. É difícil definir exatamente, e difícil nomear, mas foi uma arte definida por sua capacidade de mudar e sua disposição para se soltar. Un Art Autre está em exibição na Levy Gorvy London até 5 de julho de 2019.

Imagem em destaque: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Óleo sobre tela. 81 x 130 cm (31 7/8 x 51 3/16 polegadas). Coleção Particular. © DACS 2019.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio