Ун Арт Отер - Абстракция в послевоенном Париже в Леви Горви

В 1952 году французский арт-критик и куратор Мишель Тапиэ ввел фразу «Un Art Autre», что означает «искусство другого рода», чтобы обозначить тенденцию, которую он заметил в абстрактном искусстве, уходящем от рациональности и стремящемся к спонтанности. Эта тенденция проявлялась не только во Франции, где находился Тапиэ, но именно во Францию многие художники со всего мира приезжали в 1950-х и 60-х годах, чтобы поделиться своим исследованием этого эстетического феномена. Некоторые из них были ветеранами Второй мировой войны, которые остались в Европе после войны или вернулись туда, чтобы учиться и работать. Другие просто были привлечены волнением города и культуры, пытающейся восстановиться. Пользуясь уникальной «кафейной культурой» Парижа, этот международный коллектив художников и мыслителей свободно делился своими идеями, создавая захватывающую, первобытную сцену. Эта увлекательная культура в настоящее время является предметом выставки в Levy Gorvy в Лондоне, которая носит имя движения, которому Тапиэ дал название. Un Art Autre включает 22 картины пяти художников — Пьера Суллажа, Жао У-Ки, Жана Поля Риопеля, Джоан Митчелл и Сэма Фрэнсиса — каждый из которых в какой-то момент в 1950-х и 60-х годах называл Париж своим домом. Представляя Францию, Китай, Канаду и Соединенные Штаты соответственно, эти художники принесли с собой индивидуалистический взгляд на мир и личную историю. У каждого из них были совершенно разные отношения к живописи и к жизни. Тем не менее, все они разделяли желание соединиться с чем-то интуитивным и свободным. Эти пять художников отнюдь не были единственными голосами «искусства другого рода», которое развивалось в послевоенные годы в Европе, но увидеть их работы вместе на этой выставке действительно предлагает проницательную точку входа в движение, частью которого они были. Это также дает современным зрителям возможность исследовать различия между этим движением и аналогичными тенденциями, которые проявлялись в других местах в это время, такими как абстрактный экспрессионизм в Соединенных Штатах.

Цвет и черно-белый

Сегодня Пьер Суллаж считается многими величайшим живописцем нашего времени. Он любим за свои элегантные и часто эмоционально подавляющие черные картины. Даже когда Суллаж только начинал развивать свой уникальный стиль в Париже после войны, он глубоко понимал, как цвет черный функционирует в его картинах. Он видел его не как способ показать темноту, а как способ «создать свет». Сопоставляя глянцевые и матовые поверхности и создавая отношения между черными и белыми участками холста, он создавал возможности для света взаимодействовать с текстурами и оттенками. Отношения между различными участками холста — это часть того, что делает его картины такими светящимися. На этой выставке мы видим пять его холстов. Несмотря на их строгую композиционную структуру в картинах, таких как «Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957» (1957) и «Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957» (1957), их яркие черные цвета и мощные мазки кисти оживляют их поверхности. Они далеки от чистого черного, но игра охр, синих и белых оттенков каким-то образом заставляет черный светиться еще ярче.

Жоан Митчелл - Без названия, 1957. Масло на холсте. 69 x 58 1/2 дюймов (175.2 x 148.5 см). Частная коллекция, Санта-Барбара. © Наследие Жоан Митчелл.

Цветовые отношения также имели первостепенное значение для Джоан Митчелл, четыре работы которой представлены на этой выставке. Все четыре — которые, вероятно, будут новыми для большинства посетителей, так как они были собраны исключительно из частных коллекций — демонстрируют мастерское умение Митчелл передавать эмоциональный тон через свою цветовую палитру. То, что мы видим в ее работах, явно является чем-то «естественным», несмотря на то, что картины полностью абстрактны. Это чувство естественности лишь усиливается почти экстатическим жестовым стилем, который Митчелл разработала во время своих частых визитов и последующего переезда во Францию — стиль, который прекрасно представлен работами на этой выставке. Ее композиции являются самыми свободными и непринужденными из всех работ на выставке: свидетельство ее желания исчезнуть в себе во время рисования и запечатлеть ощущение чего-то личного, основанного на ее собственных воспоминаниях о природном мире.

Сэм Фрэнсис - Аркёй, 1956/58. Масло на холсте. 80 3/4 x 76 дюймов (205.1 x 193 см). Музей искусства Милдред Лейн Кемпер, Вашингтонский университет в Сент-Луисе. Подарок г-на и г-жи Ричарда К. Уэйл, 1962. © Фонд Сэма Фрэнсиса, Калифорния / DACS 2019.

Полный спектр импульса

Работы, представленные Жана-Поля Риопеля, демонстрируют драматические изменения, произошедшие в его методах в начале 1950-х годов. Наиболее узнаваемой на выставке является "Абстракция (Оранжевая)" (1952). Одна из крупных работ на выставке, её френетическое жестовое действие сразу же вызывает параллель с капельными картинами, чаще всего ассоциируемыми с абстрактными экспрессионистами, такими как Джексон Поллок. В более поздних работах, таких как "Горизонтальная, Черно-белая" (1955), мы видим, как Риопель использует гораздо более продуманную технику, с плотными, измеренными, полными тревоги мазками кисти, при этом сохраняя импульсивную энергию, которая так оживляет его творчество. Почти на противоположном конце шкалы импульса мы видим три божественные картины Чжао Уо-Цзи. Их приглушенные палитры и сбалансированные композиционные гармонии показывают художника, который находит замечательный, завораживающий баланс между свободным выражением и измеренным спокойствием.

Жан Поль Риопель - Горизонтальный, Черно-белый, 1955. Масло на холсте. 28 3/4 x 36 1/4 дюймов (73 x 92 см). Фото: Øystein Thorvaldsen. Коллекция Хени Онстад Кунстсентер, Хёвикодден, Норвегия. © SODRAC, Монреаль и DACS, Лондон, 2019.

Художник, с которым я наименее знаком на этой выставке, это Сэм Фрэнсис. После того как я увидел пять примеров его работ на выставке, я чувствую, что мне еще многое предстоит узнать о нем. Эфирная легкомысленность безымянной композиции оранжевого, желтого и синего цветов вызвала у меня мысли о Хелен Фрэнкенталер, в то время как его "Синяя серия № 1" (1960) сразу же напомнила о Иве Кляйне. Две другие работы — "Композиция" (ок. 1957-58) и "Без названия" (1959) — предложили нечто более отчетливое: почти электрическое волнение, как будто я буквально смотрел на изображения колебаний и потока. Эти концепции, на самом деле, находятся в центре того, что эта выставка хочет сказать о "другом искусстве", которое возникло в Париже в 1950-х и 60-х годах. Трудно точно определить и трудно назвать, но это было искусство, определяемое своей способностью меняться и готовностью отпустить. Un Art Autre выставляется в Levy Gorvy London до 5 июля 2019 года.

Изображение: Зао Уо-Ки - 16.09.69, 1969. Масло на холсте. 31 7/8 x 51 3/16 дюймов (81 x 130 см). Частная коллекция. © DACS 2019.
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio