Ун Арт Отер - Абстракция в послевоенном Париже в Леви Горви

В 1952 году французский искусствовед и куратор Мишель Тапье ввёл выражение «Un Art Autre», что означает «искусство иного рода», чтобы обозначить тенденцию в абстрактном искусстве, уходящую от рациональности и направленную к спонтанности. Эта тенденция проявлялась не только во Франции, где жил Тапье, но именно во Францию в 1950-х и 60-х годах приезжали многие художники со всего мира, чтобы поделиться своим исследованием этого эстетического явления. Некоторые из них были ветеранами Второй мировой войны, которые либо остались в Европе после войны, либо вернулись туда для учёбы и работы. Других привлекала атмосфера города и культуры, стремящихся к восстановлению. Воспользовавшись уникальной «кафейной культурой» Парижа, этот международный коллектив художников и мыслителей свободно обменивался идеями, создавая захватывающую, первозданную атмосферу. Эта увлекательная культура сейчас является темой выставки в Levy Gorvy в Лондоне, которая носит имя движения, названного Тапье. Un Art Autre представляет 22 картины пяти художников — Пьера Сюлага, Цао Уки, Жана-Поля Риопеля, Джоан Митчелл и Сэма Фрэнсиса — каждый из которых в 1950-х и 60-х годах называл Париж своим домом. Представляя Францию, Китай, Канаду и Соединённые Штаты соответственно, эти художники привнесли индивидуальный взгляд на мир и личную историю. У каждого было совершенно особое отношение к живописи и к жизни. Тем не менее, всех их объединяло стремление к интуитивному и свободному выражению. Безусловно, эти пять художников не были единственными голосами «искусства иного рода», возникшего в послевоенной Европе, но совместный показ их работ на этой выставке даёт яркую точку входа в движение, частью которого они были. Это также даёт современным зрителям возможность сравнить это движение с похожими тенденциями, проявившимися в других местах в то же время, например, с абстрактным экспрессионизмом в США.

Цвет и чёрно-белое

Сегодня Пьер Сюлаг считается многими величайшим живописцем современности. Его любят за изящные и часто эмоционально мощные чёрные картины. Даже когда Сюлаг только начинал формировать свой уникальный стиль в послевоенном Париже, он глубоко понимал, как цвет чёрного работает в его полотнах. Он воспринимал его не как способ показать тьму, а как средство «создавать свет». Сопоставляя глянцевые и матовые поверхности и создавая отношения между чёрными и белыми участками холста, он создавал возможности для взаимодействия света с текстурами и оттенками. Взаимоотношения между разными частями холста — одна из причин, почему его картины так светятся. На этой выставке представлены пять его полотен. Несмотря на строгую композиционную структуру таких работ, как «Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957» (1957) и «Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957» (1957), их яркие чёрные цвета и энергичные мазки оживляют поверхность. Это далеко не просто чистый чёрный цвет, но игра охр, синих и белых оттенков заставляет чёрный сиять ещё ярче.

Джоан Митчелл — Без названия, 1957. Масло на холсте. 175,2 x 148,5 см. Частная коллекция, Санта-Барбара. © Наследие Джоан Митчелл.

Цветовые отношения также имели первостепенное значение для Джоан Митчелл, четыре работы которой представлены на этой выставке. Все четыре — которые, вероятно, будут новыми для большинства посетителей, так как собраны полностью из частных коллекций — демонстрируют мастерство Митчелл в передаче эмоционального настроя через цветовую палитру. В её работах явно ощущается что-то «природное», несмотря на полную абстрактность изображений. Это ощущение природности усиливается почти экстатическим жестовым стилем, который Митчелл развила во время частых поездок и последующего переезда во Францию — стиль, прекрасно представленный работами на этой выставке. Её композиции самые свободные и раскованные среди всех представленных работ: свидетельство её стремления раствориться в себе во время работы и запечатлеть нечто личное, основанное на собственных воспоминаниях о природе.

Сэм Фрэнсис — Аркёй, 1956/58. Масло на холсте. 205,1 x 193 см. Музей искусств Милдред Лейн Кемпер, Вашингтонский университет в Сент-Луисе. Подарок мистера и миссис Ричарда К. Вейла, 1962. © Фонд Сэма Фрэнсиса, Калифорния / DACS 2019.

Весь спектр импульсов

Работы Жана-Поля Риопеля, представленные на выставке, демонстрируют резкие изменения в его методах в начале 1950-х годов. Самая узнаваемая работа — «Абстракция (Оранжевый)» (1952). Одна из больших работ на выставке, её бурное жестовое действие сразу напоминает разбрызгивание красок, часто ассоциируемое с абстрактными экспрессионистами, такими как Джексон Поллок. В более поздних работах, например, «Горизонтальное, чёрно-белое» (1955), мы видим, как Риопель выстраивает более продуманную технику с чёткими, вымеренными, наполненными тревогой мазками, при этом сохраняя импульсивную энергию, которая оживляет его творчество. Почти на противоположном конце шкалы импульсов находятся три возвышенные картины Цао Уки. Их приглушённые палитры и сбалансированные композиционные гармонии показывают художника, который находит удивительно завораживающий баланс между свободным выражением и сдержанным спокойствием.

Жан-Поль Риопель — Горизонтальное, чёрно-белое, 1955. Масло на холсте. 73 x 92 см. Фото: Øystein Thorvaldsen. Коллекция Центра искусств Хени Онстад, Хёвикодден, Норвегия. © SODRAC, Монреаль и DACS, Лондон, 2019.

Художник, с которым я знаком меньше всего на этой выставке, — это Сэм Фрэнсис. После знакомства с пятью его работами на выставке я чувствую, что ещё многое предстоит узнать о нём. Эфемерная легкомысленность безымянной композиции в оранжевых, жёлтых и синих тонах навела меня на мысли о Хелен Франкенталер, а его «Синяя серия № 1» (1960) сразу напомнила Ива Кляйна. Две другие работы — «Композиция» (ок. 1957-58) и «Без названия» (1959) — предложили нечто более особенное: почти электрическое возбуждение, словно я смотрю на картины колебаний и потоков. Эти понятия, по сути, лежат в основе того, что эта выставка хочет сказать об «искусстве иного рода», возникшем в Париже в 1950-х и 60-х годах. Трудно точно определить и назвать это искусство, но оно характеризовалось способностью к изменению и готовностью отпустить контроль. Un Art Autre экспонируется в Levy Gorvy London до 5 июля 2019 года.

Изображение на обложке: Цао Уки — 16.09.69, 1969. Масло на холсте. 81 x 130 см. Частная коллекция. © DACS 2019.
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор Phillip Barcio