Поздний абстрактный экспрессионизм в работах Сэма Фрэнсиса

Некоторые люди говорят, что для истинных художников создание искусства — это не выбор; это компульсия. Они создают произведения искусства, независимо от того, получают ли они за это деньги или нет, даже если их игнорируют. Другими словами, художники создают искусство, потому что не могут не создавать искусство. Насколько бы серьезно это ни звучало, Сэм Фрэнсис считал, что связь между художниками и созданием искусства еще более интенсивна. Он видел создание искусства не как то, что делает художник, а как то, что просто существует, потому что художник существует. Он сказал: “художник — это его работа и больше не человек.” Для Фрэнсиса отделить искусство от художника было так же невозможно, как отделить дождь от облака. Дождь — это облако. Искусство — это художник. Нет разделения. Они едины.

Темнота — это всего лишь цвет

Когда смотришь на историю Абстрактного Экспрессионизма, становится очевидным, что художники, связанные с ранними днями этого движения, были глубоко подвержены тревогам своего времени. Они принадлежали к поколению, определяемому страданиями и жертвами, преследуемому ужасами войны и страхом перед атомной бомбой. Через свои произведения искусства они искренне пытались соединиться со своим подсознанием и выразить свои внутренние состояния. Темнота их времени часто кажется очевидной в их искусстве, будь то в цветовой палитре или в Angst жестов, форм, текстур или композиций. Но те же самые работы также являются откровениями, позволяя зрителям испытывать трансцендентные, созерцательные состояния сознания. Так действительно ли это темнота, которую они выражают?

Сэм Фрэнсис ассоциируется со вторым поколением абстрактного экспрессионизма. Он стал известен после участия в выставке 12 американских художников в MoMA в 1956 году, в тот же год, когда Джексон Поллок, ведущая фигура раннего движения, умер. Фрэнсис начал заниматься живописью в больнице, восстанавливаясь после травмы позвоночника, которую он получил, служа истребителем во время Второй мировой войны. После войны он вернулся в школу в своей родной Калифорнии, получив степень магистра в UC Berkeley в 1950 году. Там он встретил некоторых художников первого поколения абстрактного экспрессионизма, включая Марка Ротко, который в то время преподавал в Калифорнийской школе изящных искусств в Сан-Франциско. Фрэнсис нашел вдохновение в том, как эти творцы сосредоточились на бытии и становлении, и в их приверженности поиску подлинного «я». 

Sam Francis - Без названия, 1959, гуашь на бумаге, 11.5 x 36 см. © Фонд Сэма Фрэнсиса

Союз Тьмы и Света

Для Сэма Фрэнсиса тьма и свет не были противоположными силами. Они были взаимодополняющими силами, или, возможно, даже колеблющимися проявлениями одного и того же качества. Он однажды сказал: "Увеличение света приводит к увеличению тьмы". Говорил ли он о том, что свет и тьма — это одно? Или он говорил о том, как свет отбрасывает тень, имея в виду, что чем ярче становится свет, тем темнее тень, которую он отбрасывает? Или он имел в виду просветление и метафизическое воздействие осознания того, что чем больше мы учимся, тем больше понимаем, как мало мы знаем?

Он мог не иметь в виду ничего из этого. Он также однажды сказал: "Цвет рождается из взаимопроникновения света и тьмы". Так что возможно, он просто говорил о контрастах и о том, как белое пространство на холсте выражает темноту краски. В любом случае, его комментарии, по крайней мере, предлагают нюансированную перспективу, с которой можно интерпретировать очевидную темноту абстрактного экспрессионистского движения в целом. И они дают нам отправную точку для понимания того, как он сталкивался с темнотой, светом и цветом в своих собственных картинах.

Сэм Фрэнсис - SF 70 42, 1970. © Фонд Сэма Фрэнсиса

12 американских художников

Фрэнсис показал семь картин на своей групповой выставке в MoMA. Они были огромного масштаба. Самая маленькая была более шести футов в высоту, а самая большая - более двенадцати футов на десять футов. Все картины были названы в честь цветов: Синий Черный, Желтый, Большой Красный, Черный на Красном, Красный на Красном, Серый, и Глубокий Оранжевый на Черном. Каждая из этих картин имела общую эстетику, что утвердило Фрэнсиса как художника с четко определенным визуальным стилем. Они состояли из многослойных биоморфных форм, дополненных неограниченными каплями.

Эти холсты окутывают зрителей своими композициями. Голос произведений переопределяет слово «композиция», смещая акцент с расположения эстетических элементов на то, что значит чувствовать себя собранным. Они излучают ощущение контроля, уверенности и гармонии. Они создают впечатление, что все необходимое для понимания картины содержится в пространстве холста. И все же их чувственная, личная природа приглашает нас к более глубокому исследованию того, что еще остается скрытым внутри.

Сэм Фрэнсис - Глубокий оранжевый на черном, 1955, масло на холсте. © Фонд Сэма Фрэнсиса

Сдерживание

Как только Сэм Фрэнсис стал известен своим уникальным эстетическим стилем, он вышел за его пределы. Он расширил свою цветовую палитру, включив яркий спектр чистых цветов. И он исследовал множество подходов к композиции, включая биоморфное представление в серии работ под названием Синие шары, которые содержат яркие синие сферы, вдохновленные его борьбой с заболеванием почек. В середине 1960-х годов он пришел к другому отличительному эстетическому идиому, характеризующемуся цветными мазками по краям его картин, окружающим почти пустое белое пространство внутри.

Эти работы прямо и элегантно говорят о понятиях, которые Фрэнсис выразил о легкости и темноте. Увеличенное белое пространство, или легкость, усиливает выражение темноты, которое передается через цвет. Цвет минимизирован, но при этом определяет изображение. Эти картины противоречат всеобъемлющей природе многих работ абстрактного экспрессионизма. Они говорят о ничто и о силе нюанса, и привлекают внимание к тому, что не выражается.

Сэм Фрэнсис - Без названия, 1965, гуашь на бумаге (Слева) и Сэм Фрэнсис - Без названия (SF-106A), 1969, литография (Справа). © Фонд Сэма Фрэнсиса

Без ограничений

На протяжении большей части своей карьеры Фрэнсис избегал нью-йоркской арт-сцены, предпочитая жить и работать в Париже, Токио и Калифорнии. Он не поддавался влиянию трендов. Он использовал техники, связанные с экшен-пейнтингом, такие как капание, наливание и брызгание, а также использовал окрашивание и работал с традиционными кистями. Он создавал принты, литографии и монотипии, работая с различными материалами и поверхностями. И он неустанно развивал свой композиционный стиль. В 1970-х и 80-х годах он часто включал геометрические формы в свои картины, а иногда даже создавал жесткие геометрические работы.

Он чаще всего запоминается благодаря ярким цветным брызгам, которые он создавал в 1980-х годах. Их приверженность техникам, давно оставленным многими другими художниками его поколения, уверенно выделяла их. Их примитивные качества вступали в диалог с неоэкспрессионистскими работами таких художников, как Баския. Их цветовая палитра перекликалась с поп-артом и чикагскими имаджистами. А их образы вызывали ассоциации с историей абстрактного искусства, отсылая к таким художникам, как Миро, Калдер и Горки.

Сэм Фрэнсис - Безымянный, 1983, монотипия (Слева) и Сэм Фрэнсис - Безымянный (SF-330), 1988, литография на бумаге (Справа). © Фонд Сэма Фрэнсиса

За пределами второго поколения

Сэм Фрэнсис никогда не прекращал своего личного художественного развития. Даже после того, как он потерял возможность пользоваться правой рукой незадолго до своей смерти, он научился рисовать левой рукой и занялся созданием большого нового объема работ, которые продолжал до своей смерти. Несмотря на изменение своего эстетического стиля, он никогда не отказывался от основных принципов абстрактного экспрессионизма. В своей преданности ему, однако, он также основательно трансформировал то, чем мог быть абстрактный экспрессионизм. Не сказать, что он изменил его. Он сохранил его неотъемлемые элементы. Он никогда не прекращал интуитивно рисовать, соединяться со своим внутренним состоянием и взаимодействовать с холстом как с ареной, на которой происходит событие. Но он также добавил к определению. То, что он добавил, хорошо подытоживается в его собственном описании того, что такое живопись: “Живопись — это красота пространства и сила содержания.”

Все заключается в четырех словах: красота, пространство, сила и сдерживание. Сэм Фрэнсис без стыда стремился к красоте. Он принял как ограничения, так и возможности определенного пространства. Он признал и взял на себя личную ответственность за первобытную реальность человеческого стремления к власти. И, наконец, он выразил уверенность и безопасность, присущие ощущению, что что-то было сдержано. Сравните это с тем, что когда-то сказал Джексон Поллок о живописи: “Живопись имеет свою собственную жизнь. Я стараюсь позволить ей проявиться.” В дополнение ко всему остальному, о чем шла речь в их работах, Поллок и первое поколение абстрактных экспрессионистов не знали границ в своих экспериментах. Они держали дикий тигр за хвост, взволнованные тем, что он может сделать дальше, полностью открытые возможностям и, прежде всего, преданные тому, чтобы сохранить его как можно более диким как можно дольше. Сэм Фрэнсис помог укротить тигра. Делая это, он также дал следующим поколениям художников разрешение определить, что абстрактный экспрессионизм значит для них.

Изображение: Сэм Фрэнсис - Без названия, 1962, акрил и гуашь на бумаге. © Фонд Сэма Фрэнсиса
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio