Bakom Joan Snyders transcenderande praktik

Joan Snyder har åstadkommit något som få konstnärer gör: hon har blivit en ikon. Vanligtvis, för att betraktas som ikonisk, måste en konstnär fokusera på en enda stil, en enda teknik eller en enda signaturmetod. Jackson Pollock är en ikon på grund av sina stänkmålningar; Georgia O’Keeffe är en ikon på grund av sina blomsterbilder; Mark Rothko är en ikon på grund av sina färgfältmålningar; Yves Klein är en ikon på grund av sin signaturanvändning av ”IKB Blue.” Listan kan göras lång. Det som gör Snyder till en perfekt ikon för vår tid är dock att hon inte är känd för en specifik sak. Hon har medvetet undvikit att göra någon särskild typ av verk eller använda någon särskild metod eller teknik. Sedan hon först fick erkännande för sitt arbete i slutet av 1960-talet har hon ständigt utvecklat sin praktik. Varje målning hon gör följer sin egen logik, definierad av det förflutna endast i den mån den är påverkad av det. Snyder har en medfödd tilltalande sorts intuition, en som i vissa kretsar kan misstas för visdom eller upplysning men som egentligen är mer som ödmjukhet. Hon omfamnar det som varit, accepterar dess inflytande över det som är, och låtsas inte veta vad som kommer att bli. Den inställningen håller henne försiktigt optimistisk trots det lidande hon genomgått, och den håller hennes målningar oändligt fräscha. Betraktare kommer aldrig att kunna förutse vad Snyder ska göra härnäst i sin ateljé, eftersom hon själv egentligen inte vet. Även om hon planerar och skissar och ivrigt antecknar idéer säger hon att hennes målningar egentligen är mer som jazz – ”de bara händer.” Snyder överskrider alla försök att sätta etiketter på hennes verk genom att vägra begränsa dem. Hon förblir öppen, ärlig och fri. Till skillnad från de flesta andra ikoniska konstnärer, som fastnar i någon antagen sanning påtvingad av historien eller marknaden, är Snyder ett ikoniskt exempel på en konstnär som vet att hon bara behöver vara sann mot sig själv.

Den Första Maximalisten

Om det finns ett ord som Snyder kan riskera att bli kallad är det termen ”Maximalist.” Född 1940 tog hon sin magisterexamen i bildkonst 1966 vid Rutgers University, några kilometer från där hon växte upp i Highland Park, New Jersey. Konstvärlden vid den tiden flirtade med ett fåtal utmärkande rörelser: Popkonst, Opkonst, den andra vågen av abstrakt expressionism, konceptkonst, performancekonst. Men utan tvekan var den mest dominerande framväxande trenden minimalism. Konstnärer som Donald Judd, Sol Le Witt och Frank Stella förvånade konstälskare med sina avskalade, osentimentala kompositioner. För många betraktare, kuratorer och handlare verkade deras verk vara det perfekta motgiftet mot två decennier av känsloladdade verk av konstnärer som var fast beslutna att uttrycka varenda en av sina innersta undermedvetna känslor.

Joan Snyder - Kan vi förvandla vår vrede till poesi, 1985. Färglitografi på Rives BFK-papper. 30 1/4 × 44 1/4 tum; 76,8 × 112,4 cm. Upplaga Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder

Snyder såg dessa minimalister och uppskattade strukturen och självsäkerheten i deras verk. Men hon insåg också att deras verk inte hade något att göra med henne personligen. För den delen tyckte hon inte heller att någon av de andra rörelserna hade något att göra med henne. Hon uppfattade alla dessa konstnärliga rörelser som framväxta ur en patriarkal konstmarknad och en snedvriden, ofullständig, mansfokuserad syn på konsthistorien. Hon visste inte exakt vilken typ av målningar hon ville göra, men hon visste att vad hon än målade skulle det vara sant mot henne själv. De första målningarna hon gjorde efter skolan var måleriska utforskningar av rutnäts språk. Därefter kom en serie så kallade ”Stroke”-målningar, som kartlade penseldragens visuella språk. Båda var försök att bygga en personlig syntax med vilken hon kunde kommunicera lager på lager av komplexa personliga berättelser. Under tiden var det enda hon fokuserade på mer än något annat att lägga mer och mer i verket tills det sa det hon ville att det skulle säga. Hon säger, ”Min hela idé var att ha mer, inte mindre i en målning.” Hennes tillvägagångssätt kallades ”Maximalism.”

Joan Snyder - Höstsång, 2002. Olja och blandteknik på duk. 50 × 96 tum; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder

Ett arv av kamp

Snyder har ibland jämfört sina verk med symfonier. Utan tvekan kan blandningen av impastolager, skräp, droppar och klotrunda former i målningar som ”Amor Matris” (2015) eller ”Symphony VII” (2014) läsas som visuell musik som väntar på att översättas av våra själs plågade instrument. Ändå delar dessa målningar också något med episk litteratur. Berättelser utspelar sig, drivna framåt av färgernas och tonernas intensiva mörker och ljus. Råa, ursprungliga former förkunnar att de har karaktär och stolthet; deras kamp för att bli något mer utgör en formidabel utmaning för våra ögon och sinnen. De ord Snyder inför i målningar som ”Powdered Pearls” (2017) – ibland genom att skriva dem och ibland genom att rista in dem i mediet – styr våra tankar och vårt sinnestillstånd. I slutändan har dock de sånger vi hör eller de berättelser vi läser i dessa bilder mer att göra med vår egen inre berättelse än vad som än fick Snyder att föra penseln mot ytan.

Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Blandteknik. Olja, akryl, tyg, färgpennor, pastell, pärlor och glitter på duk. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 tum. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder

Utvald bild: Joan Snyder - Litet havslandskap, 2011. Olja och akryl på linne. 18 × 24 tum; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio